SWEET MUSIC

TEDESCHI TRUCKS BAND "Revelator" (2011)

2011-07-24T11:29:00.000-07:00

Voy con retraso a la hora de comentar discos que hace tiempo que salieron, pero bueno, es lo que tiene haber estado "fuera de combate" tanto tiempo. De todos modos es lo que hay, uno hace las cosas cuando puede, al fin y al cabo esto es solo por diversión, no hay obligaciones, o al menos no pienso crearmelas yo.-
Tenía mucho ansión por tener este disco, esperaba muchísimo de él teniendo en cuenta la devoción que tengo por Derek Trucks, que me parece un guitarrista fuera de lo normal, sencillamente alucinante y cuya música con su banda es bestial, y por su mujer, que ante todo me parece una cantante formidable y cuya discografía raya a gran nivel en todos sus discos.
Tras varias escuchas debo decir que el disco no me ha decepcionado nada de nada, me parece una joya, uno de esos discos que está hecho con un gusto, una calidad y un talento realmente extraordinarios.
El disco ofrece justo lo que uno podría esperar, esa mezcla de blues y soul que sobretodo tiene la música de Susan Tedeschi, que es a quien yo creo que más suena este disco, pues la música está "al servicio" de su extraordinaria voz y Derek Trucks, salvo en contadas ocasiones, se muestra bastante "recatado" (teniendo en cuenta lo que hace con su banda o con los Allman Brothers), poniendo su guitarra al servicio de las canciones y de la música y nunca robando protagonismo a la voz de su mujer, salvo como he dicho, en contadas ocasiones en las que se suelta un poco y deja nuevas muestras de su extraordinaria calidad como guitarrista.-

No hay una canción mala o que flojee en el disco (tal vez con la excepción del interludio que es el corte 10, y que bueno, no deja de ser eso, un "interlude" de apenas 2 minutos) y como he dicho antes todo el disco está tocado y cantado con gusto, con muucho gusto y es de esos discos que uno disfruta sentado en su sillón, con una buena bebida en la mano, o de una manera relajada, disfrutando de la música, de cada nota, de cada acorde, de cada arreglo, de todos y cada uno de los matices que hay en cada composición de este delicioso disco, en definitiva, es música en estado puro y con palabras mayores. En general es un disco relajado, tranquilo, lleno de "soul", que se nota que está hecho con pasión, con amor hacia la música, y para disfrutar.-

Si tuviera que destacar alguna canción en este estupendo disco pues destacaría la inicial "Come see about me" (nada que ver con el hit de Diana Ross & the Supremes); "Don't let me slide" con un extraordinario solo de Derek Trucks; "Midnight in Harlem" es otra maravilla de canción con otro solo delicioso de Derek Trucks, y que en cierta forma tiene un aire al clásico de Jim Weatherly,"Midnight train to Georgia", con un feeling similar; "Until you remember" es otra joya del disco, de tempo lento, cantado de manera espectacular por Susan Tedeschi, poniendo los pelos de punta, con unos arreglos impresionantes y con otro solo de Trucks lleno de sentimiento, tal vez el mejor tema del disco para mi; "Learn how to love" con un sonido mas agresivo y en cierta forma más "pantanoso" es otro de los grandes momentos del disco, con Derek al slide en su estilo más reconocible; y el corte final "Shelter" es otra delicia lenta llena de "feeling" en el que marido y mujer vuelven a demostrar su talento, uno a la guitarra y la otra cantando, un tema precioso que es perfecto para cerrar el disco, aunque no es el último realmente, porque hay un "tema fantasma" que empieza al poco de acabar el disco y que es una "improvisación instrumental" sin más.-

En definitiva, un disco notable, recomendable para todos los amantes de la buena música en general y blues/soul en particular, extraordinariamente arreglado, tocado y cantado.- Para mi, una delicia sin desperdicio.-

THE OUTLAWS "The Outlaws" (1975)

2011-07-24T08:58:00.000-07:00

Hoy vamos con el disco de debut de otra de las grandes bandas del "Southern Rock", The Outlaws.-
Esta banda formada en Tampa, Florida, en 1972 y liderada por el guitarrista, cantante y compositor Hughie Thomasson, acompañado por el tambien guitarrista y cantante Henry Paul, el bajista Frank O'Keefe y el batería Monte Yoho, es claramente heredera (como todas las bandas sureñas) de los Allman Brothers pero cuidando y mucho también las armonías vocales, al más puro estilo de los Eagles, y esa mezcla entre fiereza guitarrera y grandes melodías y arreglos vocales quizás fuera una de sus señas de identidad, al menos en los primeros discos, que son, al menos para mi, los mejores de la banda, y desde luego sobretodo en este disco de debut publicado en 1975.-
Sin lugar a dudas este es mi disco favorito de la banda, y contiene probablemente sus mejores canciones y es una joya del Rock Sureño en particular y del Rock & Roll en general.
Desde la inicial "There goes another love song", con ese sonido tan claramente "sureño" que te transporta al sur de Estados Unidos, esas guitarras maravillosas y esas armonías vocales sobretodo en el estribillo, lo convierten en todo un temazo que ya deja claro lo que hay en el disco.
Pero lo que viene a continuación es igualmente bestial, sobretodo en el siguiente corte, ese "Song for you" que para mi es una de las mejores canciones que yo haya escuchado jamás, con ese comienzo poderoso y guitarrero, que luego se va calmando para dejar paso a la voz y a sus estupendas armonías vocales para conformar un tema realmente soberbio, de lo mejor del disco.
"Song in the breeze" es otra soberbia canción firmada por Henry Paul que contiene más de lo mismo y que es como digo otro de los puntos álgidos del disco, destacando nuevamente los coros y las armonías vocales. Temazo.
Luego llega la balada "It follows from your heart", canción que no me parece de lo mejor del disco, y que sin ser una mala canción no está a la altura de otras en el disco.-
"Cry no more" nos devuelve al puro estilo de este disco, con su tempo acelerado que nos levantan del sillón y nos hacen bailar y su estribillo pegadizo en el que nuevamente nos encontramos sus estupendas armonías vocales que vuelven a elevar el nivel del tema.
La siguiente es "Waterhole", un instrumental absolutamente "del Sur" que nos transportan casi a estar en un rodeo y posterior barbacoa, con nuestras botas de punta y nuestros sombreros Cowboy bailando y bebiendo y pasandolo en grande.-
"Stay with me" probablemente sea otra de las mejores canciones de este disco, o al menos de las que más me gustan a mi, me da un buen rollo que te cagas y su estribillo me parece cojonudo, de nuevo con unos coros y armonías descomunales, me parece una maravilla. Hay gente que dice que es un tema algo más "comercial", pero a la mierda, gilipolleces, es un tema acojonante, y a mi me flipa como pocos.-
Luego nos viene el boogie sureño "Keep Prayin'", otro estupendo tema de claro sonido del Sur, con un estribillo descomunal, que nuevamente nos da un rollito cojonudo y nos alegra el día.
Luego llega "Knoxville girl", tema de claro sonido Country que empieza en un tempo moderado, hasta que a los 40 segundos se acelera, manteniendo ese sonido típicamente country, con un buen trabajo de las guitarras. Tal vez no sea de mis favoritos del disco, pero también me da muy buen rollo y es un gran tema, que coño!.
Y para acabar, "last but not least" que dicen por allí, la canción que probablemente es el buque insignia de este disco y de la banda también "Green grass & High tides", temazo de casi 10 minutos de duración, al más puro estilo "Free Bird", con un final de guitarreo salvaje y sin piedad, que desde luego es un absoluto clásico, un temazo descomunal, una pasada, en fin, todos los adjetivos que querais. Que mejor manera de acabar un disco.
En definitiva, un disco memorable, soberbio y que hay que tener y disfrutar cada poco tiempo, porque es uno de los grandes discos de la historia del Rock. Sin duda.-

MUERE AMY WINEHOUSE

2011-07-23T10:36:00.000-07:00

Eso es al menos las noticias que hay a estas horsa, aunque no hay una confirmación oficial. No es que esta mujer sea santa de mi devoción pero tiene canciones que me gustan y desde luego sería una triste noticia, si al final se confirma, una más que se va a causa de los excesos. Veremos.-

ROLLIN' MAN

2011-07-16T11:26:00.000-07:00

Hay muchas bandas y músicos que me han impactado a lo largo de los años. Momentos maravillosos que uno vive cuando algún grupo o artista toca tu alma con su música y te transporta a un estado maravilloso que solamente conocemos los que de verdad amamos la música, sea del estilo que sea.
Sin duda alguna una de esas bandas era Fleetwood Mac y uno de esos músicos, Peter Green. No se que tenía este hombre, pero su voz, su guitarra, su feeling, todo, fueron uno de esos que cambiaron mi vida y que hicieron (y me siguen haciendo) enormemente feliz con su música.
En este momento de mi vida tan complicado, tan necesitado de un poco de felicidad, que mejor que rendirle tributo a Green y a sus chicos con este breve recuerdo, y adoptando como mi nuevo nombre el del título de esta canción tan maravillosa que siempre me ha hecho enormemente feliz al escucharla

FOO FIGHTERS "Wasting light" --2011--

2011-06-26T03:19:00.000-07:00

No soy un gran conocedor de esta banda liderada por Dave Grohl, confieso además que siempre odié Nirvana, yo en aquel entonces era de Guns & Roses a muerte, y cuando surgió la banda de Seattle surgió una especie de debate o conflicto entre unos y otros, genrte diciendo que los Guns habían muerto y que Nirvana eran los nuevos reyes del rock y cosas similares, y como yo a los 18 o 19 años era bastante radical me lo tomé fatal y le puse la "cruz" a la banda de Kurt Cobain, Acordandome de esto, ahora que tengo 39 años me resulta casi estupido, sobretodo porque al poco tiempo descubrí a Lynyrd Skynyrd al escuchar en el bar de un amigo el "Free Bird" y mi vida cambió, luego los Allman, luego el blues y demás, y casi no he vuelto a escuchar a los Guns & Roses desde entonces, y en parte me he reconciliado con Nirvana, aunque no tengo ninguno de sus discos originales, solo tengo alguno en cinta de cassette (si, todavía tengo montones de cintas) o pirateao en CD.

Todo este rollo viene a que supongo que debido a eso nunca le presté atención a la nueva banda de Dave Grohl, aunque me chocara verle con la guitarra a cuestas y no a la batería, pero en fin, como digo, no les presté nunca ninguna atención.
Hace un par de semanas, en un día asqueroso en casa delante de la tele, haciendo zapping entre basura de tele 5, basura de noticias y tertulianos gilipollas, Jethro Gibbs y su Navy hasta en la sopa, puse KISS FM TV, y gracias a Dios acaba una canción malísima de no se quien y justo cuando iba a cambiar empezó el video de la canción"Rope" de los Foo Fighters. Me quede viendo el video y escuchando la canción y JODER, me quedé increiblemente sorprendido, me dije, "coño, que temazo". Tras este video, empezó Lady Gaga y obviamente empecé a zapear de nuevo.
Al cabo de unos días en una especie de día de la marmota me volví a encontrar de nuevo en una situación similar, viendo "Kiss FM Television" y empezó otro video de este disco, "Walk", y ahí ya si que lo flipé, JODER QUE TE-MA-ZO.
Los volví a ver (y escuchar) en youtube, y decidí que debía pillarlo (apoyado por la recomendación de mi hermano Txinomandinga) y desde luego que no me he equivocado. Que discazo, madre mía, de lo mejor que he escuchado en los últimos tiempos.
Desde el inicio con la demoledora "Bridge burning" el disco es una absoluta apisonadora que te deja rendido y a sus pies. Junto a los mencionados temazos descomunales que son "Rope" y "Walk", destacaría "Dear Rosemary", "Arlandria", "Miss the misery" y "I should have known", aunque todo el disco está a un nivel altísimo. Quizás las dos que menos me gustan sean "A matter of time", que no es que sea una mala canción pero quizas le falta un poco de la fuerza de otras en el disco, y "White limo", que la encuentro demasiado "Trash" para mi, con esa voz demasiado chillona que no me mola nada, esta se pasa de cañera para mi gusto.
En cualquier caso me parece un discazo monumental, un disco que me ha sorprendido, que me ha dejado con la boca abierta y ante el que debo ponerme en pie y aplaudir. Un cinco estrellas para Dave Grohl y sus chicos!

THE DECEMBERISTS "The king is dead" (2011)

2011-02-14T11:09:00.000-08:00

Bueno, la verdad es que poca música puedo adquirir en estos últimos tiempos (y la verdad es que me jode bastante), debido a como está mi pobre economía, y como uno es de la "vieja escuela", pues eso de piratear pues como que no me va mucho, o me lo compro o me jodo y me quedo sin él, en fin, uno es así y ya con casi 40 palos pues no va a cambiar ahora.-

Pues uno de los pocos discos que me he comprado ultimamente ha sido un descubrimiento que debo a mi "primo" Yago, y de los que yo no tenía (y no tengo) demasiado conocimiento, pero que al escuchar dos canciones del disco me quedé tan enamorado de ellas que me lo tuve que comprar. Estoy hablando de "The King is dead" de The Decemberists.-

Esta banda es una banda catalogada como de indie-rock, formada en 2000 en Portland, Oregon, y liderada por Colin Meloy, que auna influencias pop de gente como REM, pero tambien del folk, y de grandes como Neil Young o Bob Dylan.Esta banda tiene seis discos a sus espaldas, a saber, "Castaways and cutouts" (2002), "Her Majesty" (2003), "Picaresque" (2005), "The crane wife" (2006), "The hazards of love" (2009) y este disco publicado este mismo año.- Ya os digo que no controlo practicamente nada de esta banda salvo este último disco, que como he dicho ha sido publicado este mismo año, y que a mi me ha enamorado por dos canciones, "Rise to me", canción preciosa de ciertos aires a Neil Young y una armónica maravillosa y el single "Down by the water", que es una de esas canciones que te atrapa y ya no te puedes quitar de la cabeza. Junto a estas hay otras buenas canciones como "Rox in the box", o las intimistas y folkies, "January hymn" y "June Hymn" o la inicial "Don't carry it all".- En definitiva me ha parecido un buen disco, de sonidos pop/rock con toques folk y algo de Country que me ha gustado.

Un punto de inicio para investigar un poco más en su carrera.-

HAWAII 5-0 (The Ventures)

2011-01-25T11:09:00.000-08:00

Supongo que como la mayoría de la gente, siempre he tenido en el recuerdo series de televisión de cuando era "cani" que te dejan una huella especial, como por ejemplo "Galactica" o "Los hombres de Harrelson" (que horror verla de nuevo ahora, era mejor en el recuerdo....).-
Una de esas series, era "Hawai 5-0", serie de televisión policiaca protagonizada por el actor Jack Lord, que interpretaba al detective Steve McGarrett, y que se emitió entre 1968 y 1980, y cuya acción se desarrollaba en Hawai. Recientemente se ha hecho una nueva versión de la mítica serie.-
La verdad es que nunca he recordado demasiado de esa serie, era muy pequeño, aunque quizas debería decir que lo único que he recordado siempre fue su banda sonora, que se me quedó grabada en la cabeza y siempre me ha fascinado sobremanera.
El tema original fue compuesto por Morton Stevens y fue popularizado por la mítica banda The Ventures, aunque ha sido y sigue siendo versioneado hasta la saciedad, algo normal, ya que sin duda es un pedazo de tema.-

THE MARSHALL TUCKER BAND

2011-01-23T03:40:00.000-08:00

Creo que nunca le había dedicado una entrada a una de mis bandas favoritas, de las que más buen rollo me ha dado siempre, que es sin duda THE MARSHALL TUCKER BAND, una de las grandes bandas de Rock sureño, pero que nunca gozó de la reputación de otras como Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd, pero que en cuanto a calidad no tenía nada que envidiarlas.-

The Marshall Tucker Band se formó en Spartanburg, Carolina del Sur, en 1971 por el cantante Doug Gray, el guitarrista Toy Caldwell, su hermano, el bajista Tommy Caldwell, el guitarrista George McCorkle, el batería Paul Reedle y el flautista y saxofonista Jerry Eubanks, y su música era una combinación deliciosa de Country, blues, rock e incluso jazz, y como buena banda sureña, con momentos de extensos solos y jams.
La banda firmó por el sello por excelencia del Rock sureño en los 70, "Capricorn records", y publicó su debut homónimo en 1973, con temas compuestos por Toy Caldwell, entre los que destacan "Can't you see", "Take the highway" y "Ramblin".
Tras este disco, llegaron "A new life" en 1974, "Where we all belong" en 1975, que es uno de mis favoritos, con la mitad de los temas grabados en estudio y la otra mitad en directo, y que contiene joyas como "How can i slow down" o "This old cowboy", a este siguieron "Searchin' for a Rainbow" en 1975, con la extraordinaria "Fire on the mountain". En 1976 llegó "Long hard ride" y en 1977 el que fue sin duda su disco de mayor éxito, "Carolina dreams", gracias en parte al éxito del single "Heard it on a love song" que alcanzó el puesto 15 en la lista de éxitos de la época. Tras este disco se publicaron "Together forever" en 1978, "Running like the wind" en 1979, y para dar la bienvenida a la nueva década, "Tenth" en 1980. Sin embargo este disco será tragicamente recordado por ser el último que grabaría la formación original, pues al mes de su publicación el bajista Tommy Caldwell moriría en un trágico accidente de coche, algo que fue devastador para la banda.-

Al poco tiempo de la muerte de su hermano, Toy Caldwell abandonó la banda para iniciar una carrera en solitario y la banda se separó en 1983.-
Sin embargo, al poco tiempo Doug Gray y Jerry Eubanks reclutaron músicos de Nashville con los que dieron vida a una nueva etapa de la Marshall Tucker Band, con los que han seguido grabando, girando sin parar, y logrando algunos exitos en listas de Country, pero sin recuperar el nivel y el esplendor de sus años dorados en la década de los 70.
El 25 de febrero de 1993 falleció Toy Caldwell, y a buen seguro que tanto él como su hermano estarán alegrando el cielo con su música maravillosa.-

THE WHO "The Real me"

2011-01-21T07:55:00.000-08:00

Hoy voy a dedicar la entrada a una de las grandes canciones de la historia del Rock & Roll, al menos para mi, y a la vez homenajear al que también para mi ha sido uno de los 5 mejores bajistas que ha dado la historia, que no es otro que John Entwistle.-
"The real me", segundo corte de la absolutamente legendaria y extraordinaria banda sonora de la película "Quadrophenia", es un tema compuesto por Pete Towsend que relata la lucha interior de un joven mod en la Inglaterra de los años 60, y según algunos han interpretado, una lucha entre sus diversas personalidades en busca de su "autentico yo".-
El tema arranca con Daltrey cantando "a lo lejos" "can you see the real me, can you?, can you?", momento en el que la banda entra, y si no hay ninguna duda de que Entwistle siempre fue, en palabras del propio Towsend, un "lead bass", probablemente no haya otro tema de los Who en el que eso sea mas cierto.
A pesar de "My generation" con esos solos de bajo tan legendarios y de tan obligado estudio para cualquier bajista, lo que Mr. Entwistle hizo en este tema es absolutamente espectacular. El liderazgo melódico del bajo en esta canción, ese sonido tan personal y propio, y esa lección de improvisación y de destreza tecnica, convierten a esta línea de bajo en una absoluta obra maestra en una canción que ya es una obra maestra en sí, con la habitual fuerza de las guitarras de Towsend, la brutal batería de Keith Moon y la fuerza vocal de Daltrey.
Una vez leí que Entwistle estaba improvisando y "haciendo un poco el tonto" cuando grabaron la primera toma de la línea de bajo, y una vez que acabó todos quedaron tan alucinados que fue la única toma de bajo que hicieron y fue la que se incluyó en la canción, no se si será cierto, aunque no lo dudo en absoluto, pero demuestra el talento de este músico, algo alucinante.-
A veces me jode bastante que cuando la gente habla de los Who, todos hablan de Moon, de Daltrey y de Towsend y pocos lo hacen de John Entwistle, y sinceramente creo que sin él los Who no habrían sido ni la mitad de lo que han llegado a ser, toda su discografía es una demostración de ello, y este tema es probablemente la máxima expresión de un músico/bajista fuera de lo normal, cuya muerte no dejó huerfanos a todos los que crecimos con él, lo admiramos y tratamos de aprender de su inmortal talento musical.-

COLIN HODGKINSON "The bottom line" (1998)

2011-01-11T07:50:00.000-08:00

La verdad es que salvo que te llames Jaco Pastorius, Marcus Miller, Victor Wooten o John Pattitucci, y te dediques al jazz-fusión, es realmente dificil encontrar música en la que el bajo eléctrico lleve la voz cantante o sea un instrumento principal y destacado, pero si encima hablamos de estilos como el rock o sobretodo el blues, la cosa es casi practicamente imposible.
Pero como en todo en esta vida, hay excepciones, y una de esas excepciones es el bajista británico Colin Hodgkinson, nacido en Peterborough, un 14 de octubre de 1945.-
Hodgkinson comenzó su carrera profesional en 1966 en un trío de jazz-rock, pasando por los "new Church", banda de Alexis Korner, en 1969. Tras esto formó en 1971 el trío Back Door, junto a Ron Aspery en los teclados y saxos y Tony Hicks en la batería, banda en la que el bajo llevaba la voz cantante, y con los que grabó varios discos entre 1972 y 1976, antes de su separación en 1977.
Tras esta etapa Hodgkinson se dedicó a colaborar como músico de sesión. Se trasladó a Alemania, apareciendo en diversas formaciones de la Spencer Davis Group. También en aquella época formó Electric blues duo junto al guitarrista Frank Díez, publicando en 1998 el disco "Lucky at cards". También apareció en el disco de Jon Lord de 1999, "Pictured within" y en discos de Chris Rea.-
Su último trabajo hasta la fecha es "Backdoor too" de 2008.-

En 1998 fue cuando publicó este disco titulado "The Bottom line", que es un disco basicamente de blues pero en el que solo hay bajo eléctrico y voz, y que yo recuerde y/o sepa, es quizás el único disco de blues que se haya grabado en el que esta música esté interpretada unicamente con este instrumento.
El disco alterna composiciones originales de Hodgkinson con interpretaciones de clásicos del blues como "32-20 blues" de Robert Johnson, "San Francisco Bay Blues" de Jesse Fuller y "The sliding delta" de Mississippi John Hurt, además del "All blues" de Miles Davis.-
Puede que a muchos de vosotros este tipo de "experimentos" no os molen demasiado, está claro que a los que tocamos el bajo eléctrico nos mola y mucho, pero bueno, lo cierto es que el disco tiene su punto, tiene momentos cojonudos, y que al menos merece un escucha, porque lo cierto es que el amigo Colin Hodgkinson se lo burla bastante bien.-

GREGG ALLMAN "Queen of hearts"

2011-01-09T02:38:00.000-08:00

Bueno, como llevo tanto tiempo "out" ni me había enterado de la visita que nos va a hacer el gran Gregg Allman, y ha sido gracias a Pedro12 que me lo dijo, no tenía ni idea. Probablemente sea el último en la blogosfera que se haya enterado, pero como dije antes, llevo unos meses bastante "out" de todo. Pero el caso es que me he enterado, y que estoy feliz e ilusionadísimo ante ese primer concierto en nuestro país de uno de mis ídolos (sino mi mayor ídolo) de toda la vida.
Por eso, celebro su visita con uno de sus temas que para mi sigue siendo uno de sus mejores temas de toda su carrera, "Queen of Hearts", incluído en su disco "Laid Back". Una obra maestra absoluta, una canción absolutamente perfecta, para celebrar una visita años y años deseada y que por fin vamos a poder disfrutar, GREGG ALLMAN!!

THE ALLMAN BROTHERS BAND.- DON'T KEEP ME WONDERIN'

2010-09-09T10:10:00.000-07:00

Hoy me apetece repescar el que es, al menos para mi, uno de los mejores temas escritos por el gran Gregg Allman, que no es otro que "Don't Keep me wonderin'".-
Canción incluida en el segundo disco de los Allman Brothers, "Idlewild south", publicado en 1970, se ha convertido en uno de los grandes clásicos de la banda, en el que predomina el slide guitar de Duane Allman, y sus "pregunta-respuesta" con la armónica de Thom Doucette, sobre la potente sección rítmica y el extraordinario sonido Hammond de Gregg Allman, que siempre ha sido, más que un solista, un maestro en utilizar el sonido de su organo B3 para dar apoyo, texturas y fuerza a los temas, un poco en la línea del gran Booker T. Jones.-
Recientemente, con la presencia de Derek Trucks en la banda, el tema ha ganado en fuerza gracias al agresivo sonido que tiene este guitarrista a la hora de tocar el slide guitar, del que es una absoluto maestro, uno de los mejores del mundo hoy en día, sin duda, convirtiendolo en uno de los grandes momentos de los directos de la banda.-
Aqui os dejo la versión original de 1970, con su formación original de: Duane Allman (slide&lead guitar); Dickey Betts (lead guitar); Gregg Allman (voz, hammond organ & piano); Berry Oakley (bajo); Jaimoe (bateria y percusion); Butch Trucks (bateria y percusión); y la colaboración de Thom Doucette en la armónica:

Y una versión en directo de su doble CD y DVD en directo en el Beacon theater de Nueva York, con la formación actual, que incluye a: Gregg Allman (hammond organ y voz); Jaimoe (bateria y percusión); Butch Trucks (bateria y percusión); Marc Quiñones (percusión); Warren Haynes (guitarra); Derek Trucks (slide guitar); y Oteil Burbridge (bajo):

SEA OF LOVE

2010-09-07T11:48:00.000-07:00

Recuerdo la manera en que el dia que viendo aquella película de 1989, interpretada por Al Pacino, Ellen Barkin y John Goodman, llamada "Sea of Love", en la que Al Pacino interpretaba a un detective de New York que iba tras la pista de un asesino en serie, que tras matar a sus víctimas dejaba sonando un disco de la canción que daba título a la peli, me impacto de una forma extraordinaria aquella maravillosa canción. Me pareció sencilla, hermosa, directa, y me atrapó como pocas. Desde entonces se ha convertido en una de las canciones de mi vida.-

"Sea of love" fué compuesta por John Phillip Baptiste, conocido como Phil Phillips, y George Khoury, y esa interpretación original le valió a Phil Phillips el número 1 en 1959 en las listas del Billboard en la categoría de R&B. Phil Phillips no volvió a alcanzar ningún exito más con ninguna otra de sus canciones.-

De "Sea of love" se han hecho montones de versiones, entre las que cabría destacar las de los Honeydrippers, cuya version volvería a alcanzar los primeros puestos de las listas del Billboard, la de Iggy Pop (una de mis favoritas), la de Tom Waits (hermosamente oscura, y que es otra de mis favoritas) o la versión más simplista y "desnuda" de Cat Power.-

A pesar de su sencillez me parece una de las canciones más hermosas que se hayan compuesto, y una canción que forma parte de mi vida como pocas.-

"Come with me my love

to the sea, the sea of love

i want to tell you

just how much i love you

Do you remember

when we met

that's the day i knew

you were my pet

i want to to tell you

just how much i love you.

Come with me

to the sea

of Love"

La original de PHIL PHILLIPS:

THE HONEYDRIPPERS:

TOM WAITS:

IGGY POP:

GEORGE "Little hat" JONES "Bye bye baby blues"

2010-09-06T11:04:00.000-07:00

Cuando estaba en mi etapa más purista de blues, y solamente me dedicaba a escuchar ese tipo de música, me topé con un tema que siempre me ha atrapado y por el que siempre he sentido una gran fascinación. No se, supongo que cuando una canción te atrapa, lo hace y no hay que buscar más explicaciones.
Este blues es "bye bye baby blues" de un músico llamado George Jones, más conocido como Little hat Jones.
Este músico nació un 5 de octubre de 1899 en Texas, que se ganaba la vida tocando por las calles. En junio de 1929 realizó una grabación con el legendario sello Okeh, y en esa misma época tocó la guitarra en nueve canciones de un grande del blues tejano, Texas Alexander, también para el sello Okeh. En ese mismo mes de junio, Jones grabó diez canciones más, que fué realmente todo el legado que ha quedado de la música de este bluesman, diez temas propios y nueve sesiones junto a Texas Alexander.
Jamás volvió a grabar otro tema y murió en Naples, Texas, en 1981, a la edad de 80 años.-
Y hoy, en este blog, le rendimos homenaje a este músico tan desconocido para la mayoría.

DREAM THEATER vs J.J. CALE

2010-09-05T11:44:00.000-07:00

Si, lo se, el título de post es un poco intrigante e incluso estupido, pero me sirve como base para hacer una pequeña reflexión sobre dos maneras opuestas de entender la música: la complejidad frente a la sencillez, lo rebuscado frente a lo simple.-
Dream Theater, como buenos músicos de la escuela musical de Berkley, plantean un tipo de musica compleja, tremendos temas largos, con cambios de rítmos, de estilo, de compases, y tremendas demostraciones técnicas de sus miembros.
Por su parte J.J.Cale representa como pocos la sencillez de sus composiciones, el minimalismo casi, perfectamente plasmado en canciones generalmente de no mas de 3 minutos o 3 minutos y medios, logrando eso que tan dificil es para cualquiera que intente ser compositor: lograr hacer una música maravillosa en tan corto espacio de tiempo.
Generalmente hay quien opina que es mucho más dificil hacer y tocar música como la de Dream Theater que la de J.J. Cale, y si bien puede ser cierto en el segundo caso (tocarla), es absolutamente incierto en el primero.
Siempre he estado rodeado de guitarristas en particular y músicos en general obsesionados por hacer temas cuanto más complejos mejor, porque parecía que si el tema era demasiado simple no tenía interés o algo, y para hacer buena música había que "complicar los temas un poco".
Cuanto más mayor me hago, más me doy cuenta de que gente como Cale o incluso Fogerty eran genios, porque cuando intento componer una canción, e intento hacerla lo más sencilla posible, me doy cuenta de lo jodidamente dificil que es, y me parece alucinante que haya gente que haga de la simpleza un arte.
Complicar un tema es, en general, más sencillo, y sobretodo si tienes la habilidad técnica de ser capaz de tocar ciertas cosas. Puedes crear varias partes, a cada cual más chunga, buscar la forma de unirlas de manera fluida y voilá!, tienes un tema de más de 7 minutos, repleta de extrema complejidad, luego ya veremos si se puede tocar, pero hacer un tema de 2:30 minutos, simple, sencillo, y que sea realmente bueno, amigo, eso es otra jodida historia, y una historia bastante más jodida.
Y si, ya lo se, son estilos de música diferentes, pero en general el tema de la sencillez o la complejidad en la composición se da en la mayoría de los estilos, cada uno con sus propias circunstancias, y por eso, si realmente existiera un conflicto entre Dream Theater y J.J. Cale, entre complejidad y sencillez, yo no dudaría de que lado me pondría.-

JAMES JAMERSON

2010-08-03T10:38:00.000-07:00

Tras un verano algo caótico y tras una etapa de vagancia extrema provocada por el verano mismo, por la afición a las cervezas en las terracitas madrileñas, y por los putos calores que me funden el cerebro y que cuantos más años cumplo, más detesto, pues regreso, con la intención de ser algo más constante con este blog, de ofrecer posts interesantes, de intentar mejorar este blog cada vez más, y de dejar de lado posts que nada tengan que ver con la música (como el de los putos toros...).-
Dicho esto, he decidido que mi regreso estará dedicado al músico por el cual soy bajista, el gran Mr. James Jamerson, de cuya muerte se cumplieron 27 años el pasado día 2 de agosto.-
Cierto que no me hice bajista por él, sino porque todos mis amigos tocaban la guitarra y si yo cogía un bajo, pues podríamos montar un grupillo.- Además, en aquélla época mi ídolo era Steve Harris (y sigue siendo uno de mis ídolos), y aún no tenía ni idea de nada de música que no fuera heavy o hard-rock.
Conforme fui madurando, creciendo y aprendiendo más de música, fui encontrando nuevos músicos que me alucinaban, y nuevos bajistas que se convirtieron en ídolos, gente como Chuck Rainey, Leon Wilkeson, John Entwistle, Jaco Pastorius o Francis Rocco Prestia, entre otros, fueron algunos de los que más me impactaron, y a los que trataba de parecerme, pero nada fue lo mismo después de descubrir el sonido Motown y sobretodo, las increíbles líneas de bajo de James Jamerson. Cuando empecé a estudiarlas y a tocarlas, aluciné, fué como una revelación, y más teniendo en cuenta la época en la que este hombre hizo lo que hizo. Si se mira con el prisma de hoy en día, no se apreciará en su justa medida, pero si se piensa que este hombre apareció en los primeros sesenta, cuando el bajo eléctrico era una mera comparsa, un acompañamiento simplón y muy básico, sin nada de "gracia", su aparición fue una revolución sin precedentes.- Desde entonces, mi estilo y mi forma de tocar se lo deben todo al gran JAMES JAMERSON, el mejor bajista, para mi, de la historia.-
James Jamerson fue el bajista de los llamados funk brothers, los músicos de sesión que dieron vida a una de las más memorables etapas musicales, que no fue otra que el sonido Motown de los años 60.- Nacido el 29 de enero de 1936 en Charleston, South Carolina, pero se trasladó a primeros de los 50 a Detroit, y fue el responsable de las líneas de bajo de practicamente todos los hits de los años 60 y primeros 70 de la Motown, llegando a un nivel tal, que, en caso de que Jamerson no estuviera disponible en ese momento, los artistas del sello retrasaban su entrada en estudio para la grabación de sus canciones hasta que pudieran contar con él para la línea de bajo, como reconoció en una entrevista el gran Smokey Robinson.
La cantidad de hits que grabó fue tal que es practicamente imposible enumerarlos, pero aún a riesgo de dejarme alguno, aqui van alguno de mis favoritos:

Reach ou (i'll be there)- The Four Tops
Still Water (love)- The Four Tops
Bernadette- The Four Tops
Home Cookin'- Jr. Walker & the All Stars
Just a little misunderstanding- The Contours
What's Goin' on- Marvin Gaye
I Heard it through the grapevine- Marvin Gaye / Gladys Knight & the Pips
Ain't too proud to beg- The Temptations
Come 'round here- Smokey Robinson & the Miracles
For once in my life- Stevie Wonder
I was made to love her- Stevie Wonder
It's a shame- The Spinners
Ain't nothin' like the real thing- Marvin gaye & Tammi Terrell
Ain't no mountain high enough- Marvin Gaye & Tammi Terrell
You keep me hangin' on- The Supremes
Can't hurry love- The Supremes
How long has that evening train been gone- The Supremes
Get Ready- The Temptations
Nowhere to run- Martha Reeves & the Vandellas
This old heart of mine- The Isley Brothers

y así podríamos seguir mucho mucho rato con más y más temas legendarios.-
Un extraordinario libro para saber todo lo que es necesario de su vida y su música es "Standing in the Shadows of Motown. The life and music of Legendary bassist James Jamerson" de Dr. Licks, en el que aparte de contar toda su vida, en la segunda parte del libro, se estudia su música a través de interpretaciones de sus temas (o extractos de ellos) que realizan algunos de los más grandes bajistas como Geddy Lee, John Entwistle, Marcus Miller, Will Lee, Bob Babbit, Willie Weeks, Pino Palladino, Chuck Rainey, Jack Bruce, Garry Tallent, Kenny Aaronson, o Francis Rocco Prestia, entre otros muchos, y que viene acompañado de 2 CD en los que esos bajistas, aparte de interpretar las transcripciones que se acompañan en el libro, comentan sus impresiones sobre Jamerson, al igual que otros de los músicos de sesion de la Motown, los Funk Brothers, que también hablan de su relación con Jamerson, y de sus experiencias en el legendario sello de Berry Gordy.- Un libro maravilloso.-
El estilo de Jamerson era ritmico y melódico a la vez, muchas de sus líneas eran absolutas obras maestras de improvisación, manteniendo la función rítmica y armónica que debe tener todo buen bajista, pero además, maravillosamente melódicas, pero nunca invadiendo el campo de la voz, o de la melodía principal del tema. No hay bajista comparable a este hombre, tocar muchos de sus temas no son especialmente complicados, pero otros es tarea de meses o incluso años dominarlos a la perfección, y cuando lo haces dices: JOOOODER!. Jamerson solía decir que a veces miraba una flor y la manera en que se movía le inspiraba a tocar de determinada manera. Tocando sus líneas, uno entiende lo que quería decir. Cualquier bajista serio, o aspirante a serlo, si no escucha a James Jamerson, jamás logrará serlo. Fue, es y seguirá sieno, REY DE REYES.-
Y para demostrarlo, una de sus más maravillosas líneas, y que cuesta tocarla bien, pero que cuando se consigue es una delicia: "Darling dear" de los Jackson 5. Puede a que muchos no os guste mucho la música de los Jackson 5, pero aunque sea así, tratar de escuchar la línea de bajo, daros cuenta de lo melódica que es, es casi como una segunda melodía pero a la vez manteniendo el rítmo y la armonía del tema, daros cuenta de como jamás se mezcla con la melodía y la voz, y yo añadiré que desde que entra la voz, la línea no repite dos compases iguales, es una puta obra maestra hecha línea de bajo. Disfrutarla:

LOS TOROS Y OTRAS PROHIBICIONES

2010-07-29T01:54:00.000-07:00

Apurando ya los últimos dias de descanso veraniego (la primera tanda), regreso al blog con un tema que nada tiene que ver con la música, pero que me apetece comentar.
La reciente prohibición de los toros en Catalunya me ha hecho pensar. A mi los toros me la pelan, no me gustan un carajo e incluso me puedo hasta alegrar que desaparezcan, pero luego me paro a pensar y llego a una conclusión ¿es la prohibición la solución? ¿vamos por el buen camino prohibiendo las cosas?. Y es que lo digo porque estamos viviendo una etapa que a mi, sinceramente, me preocupa: se prohibe fumar en todos lados, casi persiguiendo al fumador como si fuera un apestado; se prohibe beber en parques y otros sitios; se prohibe también que los niños coman bollería industrial; ahora se prohíben los toros. ¿Donde coño vamos a llegar?. Yo entiendo que la libertad es que cada uno elija la vida que quiera llevar, y que disfrute de las cosas que le gusten, aunque eso a otros no les gusten, siempre con la limitación de no hacer daño o molestar a los demás, y yo creo que no es buena solución que los gobernantes nos empiecen a prohibir las cosas y a llevarnos por los caminos que ellos crean que hay que ir. ¿Que pasaría si por ejemplo apareciera ahora algún "iluminado" y nos dijera que hay que prohibir los conciertos de heavy en España porque son satánicos y son mala influencia para los jovenes, y que solo se pueden celebrar conciertos de clásica o de shakira o alejandro sanz?. Es muy peligroso entrar en estos caminos. La libertad es poder elegir, poder decidir como quieres vivir, de que forma y manera, con que gustos o con que deseos, y viviendo en esta era de prohibiciones estamos cortando la libertad de poder vivir como cada uno quiera. Cada uno que elija si quiere fumar o no, si quiere alcoholizrse o no, si quiere zampar bollería, ver toros o ser un gordo con pelo en todo el cuerpo, pero que no nos digan que no hay que fumar, no hay que beber, hay que ir al gimnasio porque no se puede ser gordo, hay que depilarse porque así lo deciden las modas actuales, que no se pueden ver toros porque a ciertos grupos no les gustan, etc etc.- Que cada uno haga lo que coño quiera y el que no quiera, que haga lo contrario, así entiendo yo que deberían ser las cosas.-Ahora nos preocupa poco porque los toros probablemente no nos gusten a la mayoría, pero esa no es la cuestión, porque tal vez, el día de mañana nos querrán prohibir algo que si que nos joda de verdad, y a ver entonces que cojones hacemos.-

DOBIE GRAY.- DRIFT AWAY

2010-07-13T14:44:00.000-07:00

Drift away es una canción compuesta por Mentor Williams, que fue originalmente grabada en 1972 por John Henry Kurtz, y que alcanzó el nivel de clásico inmortal gracias a la versión que hizo el cantante nacido en Texas, Leonard Victor Ainsworth, más conocido como Dobie Gray, y que en 1973 alcanzó el top-5 de las listas de exitos.
Desde dicho éxito, la canción ha sido interpretada hasta la saciedad por todo tipo de artistas, desde el soul al pop, pasando por el Rock sureño, tantos que sería casi imposible citarlos aqui, aunque como ejemplo se pueden citar las versiones de gente como Ike & Tina Turner, Roy Orbison, Doobie Brothers, John Kay, o Uncle Kracker.- Tema clásico que siempre me ha parecido una cancion sensacional

INCREIBLE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! CAMPEONES!!!!!!!!!!!!!!!!!!

2010-07-11T14:04:00.001-07:00

CAMPEONES!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

NO HAY PALABRAS, INCREIBLE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

CAMPEONES!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

DRIVE BY TRUCKERS. En España en Noviembre

2010-07-08T02:48:00.000-07:00

Y más conciertos de los que me avisa mi amigo Fer.
Drive by Truckers estará por la capital, de nuevo en la sala Heineken, como Mike Farris, el miercoles 24 de noviembre. Las entradas ya están a la venta.
La banda también estará tocando en Bilbao, Barcelona y Sos del Rey católico.

MIKE FARRIS: 13 de Octubre de 2010, sala Heineken de Madrid

2010-07-07T01:16:00.000-07:00

si señores, mi buen amigo fer me acaba de chivar que el gran Mike Farris estará en Madrid en Octubre, en concreto el miercoles día 13 en la sala Heineken, y las entradas ya estan a la venta en ticketmaster a 22 euros, más los 2,40 de rigor de "gastos de distribución".-
NO HAY QUE PERDERSELO, a pesar de que la sala no sea la mejor, pero en fin, mejor eso que nada.
Gran noticia, gracias Fer.

JOHNNY HOY & THE BLUEFISH "Film noir angel"

2010-07-04T12:24:00.000-07:00

Cantante y armonicista, Johnny Hoy, nacido en Connecticut aunque crecido en Nueva Inglaterra y California, es un músico bastante desconocido pero de una calidad asombrosa, y que uno no entiende como este tipo de músicos pasa a veces tan desapercibidos por la escena musical.
Junto con su banda, "The Bluefish", formada en 1991,abarca una gran variedad de estilos de la música de raíz americana, desde el blues de Chicago, pasando por el Zydeco, el jump/swing blues, sonidos New Orleans, Boogie, rock & roll clásico de los 50 y 60 e incluso Rockabilly, conformando una musica extraordinaria, de gran calidad de arrebatadora energía.
La banda actualmente reside en el area de Boston, en Vineyard Haven, donde actúa con regularidad, aunque sin dar ese salto que les pueda llevar a alcanzar mayores cotas de popularidad, que desde luego, por música merecen y mucho.-
Yo los conocí gracias a ese excepcional programa de blues en radio3 y que nunca debió desaparecer, llamado "Tren tres", y en el que a mediados de los 90 sonaba con regularidad su disco "You gonna lose your head", que es un pedazo de disco maravilloso, y con el que me hice fan de la banda.
Tienen otros 3 discos, que yo conozca, "Trolling the hootchy", "Walk the plant" y el directo "In action".
Este "Film noir angel" es su último trabajo y es un discazo desde la primera hasta la última canción. Desde ese arrebatador y demoledor "Boogie" que es la inicial "Old Black Joe", pasando por "Sally sue brown", la magnífica canción que da título al disco, y así, a través de las 14 canciones que conforman este disco que se cierra con "Big Stacka darlin".
Una verdadera joya, probablemente desconocida para la gran mayoría, pero que de verdad que si os gusta el blues y la musica de raíz americana no debeis perderos por nada del mundo, porque os va a sorprender y vais a descubrir a una pedazo de banda magnifica que esperemos que poco a poco vaya logrando el reconocimiento que merece.
Por apoyo desde mi blog que no sea, desde luego que no.-

Un par de temas del disco (por cierto, antes de que suene el tema salen unos segundos de publicidad, no os asusteis...):

"Old black joe":

"Sally sue brown":

Enlace de la página "myspace" del grupo donde podeis escuchar las siguientes canciones de este discazo: "Film noir angel"; "Shack in the back"; "Big stacka darlin'"; y "Throw down your hammer",:

http://www.myspace.com/johnnyhoybluefish

LYNYRD SKYNYRD y sus menos conocidos temazos

2010-07-04T01:42:00.000-07:00

Todo el mundo conoce los grandes hits de esta soberbia banda sureña. Esos hits como "Free bird", "Sweet home Alabama", "Tuesday' Gone", "Simple man", "Whiskey rock-a-roller", "Saturday night special", "Gimme back my bullets" o "Gimme 3 steps" son mega-clásicos no solo de la banda, sino de la historia del Rock.
Pero lo grandioso de esta banda es que, además de toda esa batería de canciones inmortales, ninguno de sus discos, principalmente los de la formacion original, tenía una canción mala, y dentro de esas canciones, uno encuentra verdaderas joyas, verdaderos temazos que han quedado siempre un poco a la sombra de sus "hermanos mayores", pero que no por ello dejan de ser canciones memorables.

Por eso hoy es un buen día para recordar alguna de esas canciones, que no se incluyen (salvo raras excepciones) en los recopilatorios de la banda, que los que no son acérrimos fans de esta excepcional banda desconocen, pero que son canciones que ya hubiesen querido para si cientos y cientos de bandas.

"Poison whiskey", incluida en el album de debut de la banda, tremendo temazo:

"The needle and the spoon". Tremendo temazo en su segundo album. Una canción memorable, sin duda:

"On the hunt", de su tercer disco, "Nuthin' fancy". Una de esas canciones que me atraparon durante un tiempo, con ese soberbio riff de guitarra. Pedazo de canción, memorable:

"Double trouble". Tremendos 2:44 minutos de canción, incluida en su disco de 1976 "Gimme back my bullets". Bestial:

Y para terminar, dos memorables temazos de Steve Gaines para el album de 1977 "Street survivors", y que son dos pedazo de canciones espectaculares. La primera, "Ain't no good life", cantada por el propio Gaines, y la segunda, "I never dreamed", que siempre ha sido una canción que me ha flipado enormemente, y siempre he pensado que está muy infravalorada:

Este es solo un pequeño ejemplo de lo que los Skynyrd tiene "escondido" en sus discos, "ocultos" tras los grandes clásicos, y que todos los que somos fans conocemos bien, pero para los que solamente conozcais sus clásicos, bien hariais en escuchar sus discos enteros, porque estan llenos de auténticas joyas.-

FELICIDADES A LA ROJA!!!!!!!!! SEMIFINALISTAS!!!!

2010-07-03T13:28:00.000-07:00

Bueno, si, lo se, este es un blog de música, pero que quereis que os diga, uno es futbolero y este es un momento histórico. La primera vez que nuestra selección española de fútbol llega a unas semifinales de un mundial. Algo muy bonito e histórico, y por eso, quería felicitar a nuestros jugadores. FELICIDADES! muchachos, os lo mereceis y sois los más grandes. Habeis hecho historia.

Gracias

CONFEDERATE RAILROAD "Queen of Memphis"

2010-07-03T04:24:00.000-07:00

Después de una semanita algo asquerosa en el curro, con el ordenata dando un poco por saco, aunque ahora parece que ya funciona bien, y con este calor que me funde las neuronas y me deja sin ganas de "ná", pues regreso con una canción que siempre me ha dado muy buen rollo, "Queen of Memphis", de la banda de Atlanta, Georgia, CONFEDERATE RAILROAD. Banda formada en los años 80 por el cantante y guitarrista, Danny Shirley, el guitarra solista Michael Lamb (sustituido por Jimmy Dormire en 1995), el guitarra steel Gates Nichols, el teclista Chris McDaniel (sustituido por Cody McCarver en 1998), el bajista Wayne Secrest, y el batería Mark Dufresne.
Esta es una banda que mezcla el country moderno o country alternativo como se ha dado ahora en llamar, con toques de rock sureño.
La banda debutó oficialmente en 1992 con su album homónimo, al que siguieron "Notorius" en 1994, "When and where" en 1995, "Keep on rockin" en 1998"Unleashed" en 2001, "Cheap thrills" en 2007, y el directo "Live:back at the barroom" en este 2010.
"Queen of Memphis" se incluía en el album de debut de la banda, que tambien incluía otros "hits" como "Time Off for Bad Behavior," o "She Took It Like a Man", y para mi al menos, es la mejor canción del disco y una de las mejores de su carrera sin duda. Con ese intro de guitarra, esa melodía y esa voz tan Country de Danny Shirley y sobretodo, con ese más que pegadizo estribillo que te levanta el ánimo si estas decaído y que dice: "I saw stars dancing on the water; I heard Elvis singing Blue Suede Shoes; That old muddy river was my witness; The night I fell in love with the queen of Memphis". Temazo. A mi al menos me da un buen rollo que te cagas, escucharlo bebiendo unas ricas cervezas y en compañía de una chica guapa, me quita todas las mierdas de la semana. Grande, mi "Queen of Memphis"!

Como está "desactivada por solicitud" la inserción del video, pues os dejo el link de youtube por si no lo conoceis y os apetece darle una escucha:
http://www.youtube.com/watch?v=xoj8cE4QGhw

BACHMAN TURNER OVERDRIVE

2010-06-26T09:08:00.000-07:00

Banda formada en Canada en 1972 por el guitarrista y cantante Randy Bachman tras la separación de la legendaria banda canadiense, "The Guess Who" en 1970, junto con el cantante, guitarrista y teclista Allan Kowbell, más conocido como Chad Allan, y que también fue cantante de los "Guess Who", el bajista C.F. "Fred" Turner, y el batería Robbie Bachman, hermano de Randy. Originariamente el nombre de la banda fue "Brave Belt", y con ese nombre y esa formación grbaron un par de discos con muy poco exito. Tras esto, Chad Allan abandonó y fue sustituido por otro hermano Bachman, Tim, a la guitarra, y cambiando el nombre por el de "Bachman Turner Overdrive".-
La banda debutó con esos cambios en 1973 con su album homónimo, que tuvo poca repercusión, tanto en su Canada natal como el Estados Unidos.
Sin embargo, su segundo disco, "Bachman Turner Overdrive II" fue un exitazo descomunal, apoyado principalmente por el hit "Takin care of business" y otras magníficas canciones como "Let it ride".
Poco antes de la publicación del album "Not Fragile", Tim Bachman abandonó el grupo para dedicarse a la producción, y fue sustituido por Blair Thornton.
"Not Fragile" fue todo un exito y el single "You ain't seen nothin' yet" consiguió un número 1 en las listas de exitos.
Tras este disco editarían "Four wheel drive" y "Head on" en 1975, y "Free ways" en 1977, disco tras cuya publicación Randy Bachman dejaría la banda para iniciar una nueva carrera formando la banda "Ironhorse". La banda le sustituyó con Jim Clench y publicaron un par de discos mas, "Street action" en 1978, y "Rock&Roll nights" en 1979, disolviendose oficialmente en 1980, aunque con alguna reunión posterior sin demasiada trascendencia. En definitiva, una buena banda de los 70, con varios temas legendarios que merece la pena recordar.-

"Let it ride":

"Taking care of business":

"You ain't seen nothin yet":

TIFT MERRITT "See you on the moon" (2010)

2010-06-21T07:48:00.000-07:00

Hace un par de dias o tres que he recibido vía "Amazon" el nuevo y esperadísimo trabajo de mi adorada Tift Merritt, y aunque solamente lo he escuchado un par de veces y aún es pronto para apreciarlo en su justa medida, me ha dejado una sensación maravillosa de nuevo.
No sabría decir muy bien que tiene esta mujer y su música para atraparme como lo ha hecho, pero la verdad es que desde que la decubrí, un poco por casualidad, su música, su voz, y sus canciones me han atrapado totalmente.
Este disco tiene un tono íntimo, en ocasiones reflexivo, supongo que impregnado en parte por, como la propia Tift Merritt dice en los agradecimientos del disco, "los fantasmas que vinieron a visitarme y que son parte del disco".-
El disco, que fue grabado en los "Overdub Lane Studios" de Durham, Carolina del Norte, está producido por Tucker Martine. Tift, que canta y toca guitarras y piano, está acompañada por sus habituales Zeke Hutchins, bateria, y Jay Brown al bajo, músicos que llevan con ella toda la vida casi, y ademas por Scott Mccall (guitarras); Gregg Readling (piano y Hammond B3); Eyvind Kang (violin y viola); Steve Moore (teclados y trombon); Greg Leisz (guitarras y pedal steel); Hans Teuber (saxos, flauta y clarinete); Thomas Marriott (trompeta); Gretchen Yanover (cello) y Jim James (armonias).-
Como digo, el disco tiene un tono intimista, con letras que hablan de amor, desamor, las complicaciones de las relaciones, o incluso la muerte, como la final "After today", y en él destacan estupendas canciones como la inicial "Mixtape", que tiene unos arreglos de vientos muy a lo Bill Withers y soul de los 70, y en el que la letra gira sobre alguien que utiliza la cinta de cassette de toda la vida como el vehículo perfecto para declarar su amor a otra persona a través de las canciones que le graba en ella; "Six more days of rain", estpenda canción que parece hablar de lo dificil que es mantener viva una relación y hacer que siga funcionando; "Feel of the world", preciosa cancion que cuenta con la colaboración de Jim James de los My Morning Jackett; "Never talk about it", otra preciosa canción sobre la incomunicación en una relación; "All the reasons we don't have to fight", magnífica canción que narra a la perfección un intento por dejar a un lado las discusiones y centrarse en todos los motivos que tienen para no discutir; o "Papercut", canción que habla sobre una relación dolorosa.-
Pero de todas las canciones del disco, la que destaco sobremanera es la segunda canción, "Engine to turn", una de esas canciones que te atrapan desde la primera escucha, con su maravillosa melodía, su deliciosa sencillez y la gran voz de esta mujer, y que además tiene una letra soberbia: "No se como reparar el mundo; no se como repararme yo misma; parece que ambos necesitamos un poco de amor; parece que ambos necesitamos un poco de ayuda" canta en la primera estrofa de la canción, para luego cantar: "Estoy tratando de poner en marcha el motor; estoy tratando de sonreir a traves de mis lagrimas". Maravillosa canción que casi vale todo el disco.

En definitiva, que otro estupendo disco de esta maravillosa mujer, que con este cuarto disco se consolida como una de las mejores artistas de hoy en día, y a tener muy en cuenta de cara al futuro, porque viene desde hace tiempo con paso muy firme.-

Mixtape:

Engine to turn (en directo):

SMOKIN' JOE KUBEK & BNOIS KING "Have blues, will travel" (2010)

2010-06-18T07:47:00.000-07:00

Nuevo disco de esta estupenda banda de blues rock tejana, que originariamente era la Smokin' Joe Kubek Band featuring Bnois King, y que ahora se denomina solamente Smokin' Joe Kubek and Bnois King, y que lleva por título "Have blues will travel".
El disco es el segundo para el sello Alligator, pero el duodécimo en su ya extensa carrera, y eso sin contar un par de discos no oficiales que tambien circulan por ahí.-
El disco está producido por Joe Kubek y por el presidente del sello Alligator, Bruce Iglauer, y fue grabado en los "Nomad recording studios" de Carrolton, Texas.
Además de Joe Kubek, que toca guitarra solista, ritmica y slide, y de Bnois King, que canta y toca tambien guitarra rítmica y solista, les acompañan en este disco John Morris en el bajo y Adrian Marchi en la batería.
El disco ofrece basicamente más de lo mismo que los anteriores trabajos, que es una tremenda dosis de blues/rock tejano, con ese contrapunto tan especial entre el sonido agresivo de Joe Kubek y el más jazzero de Bnois King, y cantado con la voz tan personal y especial del propio Bnois King.-
El disco cuenta con momentos espectaculares, como con la inicial "Have blues, will travel", que es un boogie tremendo al más puro estilo ZZ Top, "Out of body, out of mind", "One step at a time" o el tema que cierra el disco "What a sight to see".
Tambien hay espacio para los tipicos blues tejanos como "Ru4 Real?", en los que esta pareja se sale, apoyados sobre la potente y estupenda sección rítmica que los acompaña, o para estupendos temas lentos como "Shadows in the dark" o "Wishful thinking", en la que Joe Kubek se sale al slide guitar, consiguiendo casi hacer gemir y llorar a su guitarra.
Todo ello conforma un estupendo trabajo, que sigue en la línea de lo que esta gran banda lleva haciendo muchos años ya, y que aunque no ofrece nada diferente tampoco importa demasiado, porque lo que hacen lo hacen de maravilla y eso es mas que suficiente para hacernos disfrutar a los que adoramos su música, y a mi me encanta la música de SMOKIN' JOE KUBEK & BNOIS KING, que quereis que os diga. Blues-Rock tejano de muchos muchos quilates.-

Como no encuentro en youtube videos de temas de este disco, os dejo un par de videos en directo de temas de trabajos anteriores:

THE ROLLING STONES "Goats head soup" (1973)

2010-06-15T09:20:00.000-07:00

Bueno, que coño, he decidido que ya era hora de regresar a la blogosfera, porque no quiero que los capullos, los joputas, y las movidas laborales amarguen mi existencia y me alejen de este fascinante mundo de la blogosfera, donde estoy rodeado de absolutos maestros, donde tanto aprendo, y donde tan buena musica descubro, y sobretodo estoy rodeado de gente de puta madre como vosotros, colegas, lo cual es algo a lo que me niego a renunciar unicamente por estar atravesando una etapa de "turbulencias". Como decía mi hermano Txino en su blog, QUE LES DEN a todos los que amargan nuestra existencia, y centremonos solamente en aquello que nos hace feliz, en especial la música, que es lo más cojonudo de este mundo.-
Y que mejor forma de regresar que recuperando un disco de la mejor banda de Rock & Roll de la historia, THE ROLLING STONES.-
Ahora que toda la atención está dedicada al "Exile on Main st" con esto de la edición de lujo y demás, yo he decidido rescatar el siguiente disco en la discografía de la banda, "Goats head soap", que se publicó en 1974.
Este disco muestra quizas el lado más decante y excesivo de la banda, con canciones repletas de letras de violencia, sexo y excesos en general. Posiblemente el estado de salud de Keith Richards estaba en este disco bastante dañado por su cada vez mayor adicción a la heroina y demas, mientras que Jagger ya empezaba a disfrutar cada vez más del estatus de mega-estrella del Rock, lo cual hacía una mezcla quizas demasiado excesiva.
Con todo y con eso, si bien este disco no sea uno de sus grandes clásicos, (a pesar de contar con el megahit "Angie"), si que es uno de mis discos favoritos de la banda.
Es un disco tremendo, excesivo, potente, de rock sucio, directo, una auténtica pasada para mi gusto.-
El disco se abre con el tema "Dancing with Mr. D", en el que se refleja el cada vez más decadente modo de vida de la banda, que les hace casi como estar "bailando con la muerte". El tema se abre con la guitarra de Richards, sobre la base de Wyman y Watts. Billy Preston y Nicky Hopkins añaden color al tema con sus teclados, mientras Mick Taylor aporta blueseros sonidos al slide guitar en sus solos y "fills".-
La siguiente canción es una de mis favoritas del disco. "100 years ago" es una melancolica balada que hace referencia a tiempos mas inocentes (y quizas felices) que los que los que tal vez vive la banda en ese momento. El tempo tiene varios cambios de tempo, y en la parte final se "transforma" en un tema casi funky, bajo el mando del genial Billy Preston, y unos geniales solos de guitarra.
"Coming down again" es una bonita balada marca de la casa que se inicia con el piano de Nicky Hopkins, y que está cantada por Keith Richards, aunque con apoyo vocal obviamente a cargo de Jagger.
El siguiente tema probablemente es mi favorito del disco, y uno de los que mas me gusta de la banda de siempre. "Doo doo doo doo dooo Heartbreaker", tema basado en las duras condiciones de la vida callejera, y que para mi sobresale, entre otras cosas, por los soberbios arreglos de vientos a cargo de Bill Price. Esos arreglos, los teclados de Billy Preston, la poderosa sección rítmica y la fuerza con la que Jagger canta este tema lo convierten en un temazo descomunal.-
"Angie" es el tema siguiente. Tema tan legendario y clásico del poco mas se puede añadir.-
"Silver train" es un blues rock en el cuentan con la dirección de su "cofundador" Ian Stewart (el sexto Rolling Stone), quien da color al tema con su piano, y que está sustentado en una estupenda sección rítmica de Wyman y Watts, mientras Jagger canta sobre el encuentro con una prostituta y Mick Taylor se sale al slide guitar.-
"Hide your love" es el siguiente tema, tambien de claro sonido bluesero, con un comienzo marcado por el piano, y con un Jagger estupendo y una sección rítmica poderosa, y con estupendos solos de guitarra.-
"Winter" es el siguiente tema, compuesto al sol de Jamaica, donde fue grabado practicamente entero el disco, solamente con la excepción de "Silver train", y que hace una evocativa y en ocasiones filmográfica visión de esta estación, y que de nuevo cuenta con estupendos sonidos del slide guitar a cargo de Mick Taylor.-
"Can you hear the music" es el penúltimo tema del disco, que se inicia con flautas y campanas, y que quizas es el tema mas flojo del disco, al menos para mi gusto.
Y llegamos al final, con un tema rockanrolero al mas puro estilo Chuck Berry y que está dedicada pues a una mujer que se dedica a follarse estrellas del Rock. De hecho, el tema se llamaba originalmente "starfucker", algo así como folladora de estrellas, y como es natural el titulo fue censurado, siendo cambiado por el de "star star", si bien el "fuck star" se escucha los estribillos de la cancion, generalmente siempre al final de cada vez. En cualquier caso es un temazo descomunal de la banda, un clásico y una manera soberbia de terminar un disco extraordinario al que tengo un cariño muy especial.
LARGA VIDA A LOS STONES!!!

UN ALTO EN EL CAMINO

2010-05-26T01:49:00.000-07:00

Como habreis comprobado llevo varias semanas sin publicar nada y sin visitar vuestros estupendos blogs, pero como ya comenté hace tiempo, la coasa anda un poquito complicada y yo estoy agotado fisica, pero sobretodo, mentalmente.
Por eso necesito hacer un alto en el camino, y dejar el blog aparcado por un tiempo, porque no puedo ahora mismo dedicarle el tiempo que merece, y para eso, prefiero tomarme un tiempo sin crearme una especie de "auto-presión" de tener que publicar algo y demás.-
Volveré, lo que no se es cuando.
Un abrazo para todos.

P.D. Dado que en la blogosfera hay montones de culés, y aunque uno es merengón, no quiero dejar de felicitaros a los culés por el título de liga: a mi hermano Txino, a Manel, R&R Outlaw, el gran Perem, Tsi, Jah, etc, etc, etc. Hay que ser deportivo, que coño, y hay que reconocer que el Barsa hoy en día es el mejor, asi que, felicidades por la liga.-

Hasta la vuelta, colegas, que os vaya bien.-
Keep on rockin'

STEVE EARLE "I Feel alright" (1996)

2010-04-30T10:37:00.001-07:00

Recuerdo la primera vez que escuché este disco en el maravilloso bar Rowland, aqui en Madrid, -Avenida Baviera, 9-, donde siempre han sido fans de este hombre, y sobretodo mis queridos Nano (el dueño) y Hernan, gracias a los cuales descubrí a Steve Earle y me hice fan de él, y con los que, en compañía de Fer y Miguel Angel, nos fuimos al Azkena a verle en 2003.

Mientras iba tomando una mahou tras otra iban sonando las canciones de este soberbio disco y quedé tan enamorado del disco que se lo pedi a Nano, me lo llevé a casa, y lo grabé, y lo disfruté una y otra vez, una y otra vez. Y ese fue el comienzo de mi pasión por la música de este genio, quizas menido a menos ultimante.-

Probablemente la gran mayoría de vosotros conoceis este disco de sobra, con lo cual, entre eso, y que uno aún está algo afectado por una dura semana en el curro, y no estoy con mucha "lucidez" para escribir, pues tampoco me enrollaré demasiado ni entraré en demasiados detalles. Unicamente decir que es un disco extraordinario, que refleja la tragedia y las miserias de las duras experiencias del musico en él mismo y en la gente que le rodeó, pero con un cierto toque de esperanza.

Es un disco soberbio, con canciones increíbles como "I feel alright", "Hardcore troubador", "The best that i can do", "Hurtin' me hurtin' you", "The unrepentant", o "You're still standing there". Una auténtica joya maravillosa que me sigue produciendo el mismo placer que el día que lo escuché por primera vez.

Y aprovecho para decir que si sois de Madrid y nunca habeis estado, o si pasais por aqui y buscais un buen lugar para tomar unas birras/copas, en un sitio agradable, con gente cojonuda, y con buena música Rock, no dejeis de ir al bar Rowland (Avenida de Baviera, 9). Merece la pena. Nano, Chafli, Miguel Angel o Hernan os tratarán de puta madré alli y os sentireis como en casa.(No es solo que sean amigos, es que es la verdad).-

¿PODEIS ENTRAR BIEN EN MI BLOG?

2010-04-29T10:55:00.000-07:00

Ultimamente el maestro Tsi-na-pah me dice que no puede entrar en mi blog, y creo recordar que a Pedro12 también le pasó algo similar recientemente. Eso me lleva a haceros la pregunta en cuestión. Tal vez a mi blog le pase algo y deba buscar una solución, o tal vez no le pase nada y simplemente bloquea al bueno de Tsi por motivos desconocidos. En cualquier caso, me gustaría que me lo comentarais por si acaso.

salud

GRACIAS, REY

2010-04-28T09:52:00.000-07:00

Gracias Rey. Tienes razon. Me he dejado llevar por el dolor y la frustración, por la impotencia y la rabia y he publicado una entrada que no debería haber publicado.
Se me ha ido la olla y agradezco que me lo hayas hecho ver.

Un abrazo.

P.d. Perdona tu también, Tiri, porque al eliminar la entrada he eliminado también tu comentario. Pero estaba de acuerdo contigo en lo que decias.

WE LOVE YOU

2010-04-27T13:28:00.000-07:00

Hoy ha sido un día duro, muy duro. Hoy han despedido a tres compañeros en el trabajo debido a que la crisis nos está tocando duramente. Se que esto poco tiene que ver con la música y con el objeto de este blog, pero necesito expresar mi tristeza y mi dolor por el sufrimiento de tres compañeros, que en algun caso considero amigos. Juanan, Jose Luis y Elena, tres números más que se unen a las frias cifras del paro que cada día se citan, pero tres personas, tres historias, tres sufrimientos personales.-
Escuchar a ciertos políticos decir que la crisis está tocando a su fin, que se ve el final del camino me hace que me entren ganas de vomitar, ganas de mandarles a ellos al puto paro, ganas de quirtarles sus putos sueldos, que tan poco merecen, y ganas de meterlos a todos en una caja y tirarla al fondo del puto oceano.
Se que llevamos tiempo en esta maldita crisis, pero cuando te golpea de cerca se hace mucho más dura, te jode vivo y te hace sentir impotente y frustrado. Pienso en el dolor de mis ya tres ex-compañeros, pienso en mi querida Elena, una de las mejores personas que jamas he conocido y una gran trabajadora, y en Juanan y en Jose Luis, y maldigo a esta puta crisis y a esta panda de putos inutiles que nos gobiernan y que son jodidamente incapaces de hacer nada por arreglar lo que está pasando, y me siento jodidamente impotente por no poder hacer nada para poder ayudarles. Reconozco que estoy un poco borracho hoy, me he tomado muchas birras para curar un poco la tristeza que siento, por eso pido perdon por los jodidos tacos.-
Pero siento la necesidad de dedicar este post a ellos, a ELENA, a JUANAN y a JOSE LUIS, y a todos los millones de parados que han y estan sufriendo situaciones similares.
OS QUEREMOS.- Ojalá el futuro os depare todo lo bueno que realmente mereceis.-

KENNY WAYNE SHEPHERD "10 days out. Blues from the backroads" (2007) -CD/DVD-

2010-04-26T07:30:00.000-07:00

Kenny Wayne Shepherd es un joven guitarrista que pertenece a esa hornada de jovenes talentos de la guitarra blues que surgió a mediados de los 90, y entre los que se encontraban Jonny Lang o "monster" Mike Welch.-

Kenny debutó en 1995 con el estupendo "Ledbetter heights". Tras ese disco publicó "Trouble is" en 1997, "Live on" en 1999, y "The place you're in " en 2004, que son buenos discos en general, con buenas demostraciones del talento guitarrero de este joven músico nacido en 1977.-

Pero desde mi punto de vista su mejor trabajo sin duda es este disco, en el que el amigo Shepherd se embarca en un viaje de 10 días por el sur de Estados Unidos para, en sus propias palabras, encontrar respuestas a sus preguntas sobre la música, la vida y Dios, y lo hace en compañía de técnicos de grabación y de filmación, un estudio portatil y la sección rítmica de Stevie Ray Vaughan, los Double Trouble, es decir, Tommy Shannon al bajo y Chris Layton a la batería.-

Realmente no es un disco propiamente dicho de Kenny Wayne Shepherd, pues él ejerce el papel de mero acompañante de los músicos con los que habla y toca a través de ese viaje, dejando el protagonismo a ellos por completo. Por el disco pasan desde leyendas como BB King, bluesman muy conocidos como Clarence "Gatemouth" Brown, Pinetop Perkins o Hubert Sumlin, músicos menos conocidos como Bryan Lee, que fue quien en cierta forma el mentor de Kenny W. Shepherd, o bluesman apenas conocidos como John Dee Holeman, Etta Baker, Cootie Stark, Neal "Big Daddy" Pattman, o Henry Townsend.

Lo verdaderamente interesante es el DVD, que recoge las entrevistas y la filmación del viaje y de las canciones, aunque es una lástima que no tenga subtítulos, porque a veces cuesta entender lo que dicen alguno de los bluesman octogenarios y rurales, y eso que en general suelo entender bien el inglés, pero para los que no entendais ni papa de inglés es una verdadera putada.

El CD recoge los temas (menos el Got my mojo working interpretado por Pinetop Perkins y la Muddy Waters Band), y en él hay verdaderas joyas maravillosas, desde clásicos del blues como "The Thrill is gone", "Spoonful", "Red Rooster" o "Sittin' on top of the world" a temas como "Chapel Hill boogie" interpretado junto a John Dee Holeman, "Honky Tonk", por Buddy Flett, o el maravilloso "Knoxville rag" interpretado por Etta Baker, quien contaba con 93 años en el momento en que fue grabado y quien falleció antes de la publicación del disco, algo que también le sucedió a Clarence "Gatemouth" Brown, Neal Pattman, Cootie Stark, y George "Wild child" Butler, quienes practicamente dejaron su último testimonio en este CD/DVD.-

En definitiva, absolutamente recomendable para cualquier amante del blues y de la buena música en general.-

JOANNE SHAW TAYLOR "White sugar" (2009)

2010-04-23T08:31:00.000-07:00

Hoy vamos a seguir con más sonidos blues-rock guitarreros, pero esta vez a cargo de una fémina Británica llamada Joanne Shaw Taylor, que además de tocar la guitarra canta y compone, pero está claro que donde principalmente destaca es en la guitarra, con su sonido agresivo, en ciertos momentos de clara influencia de Stevie Ray Vaughan. Y lo cierto es que la chica toca lo suyo. Otra cosa es lo de cantar, que desde mi punto de vista es un punto débil en su música. A veces da la impresión de que tiene cierta timidez o inseguridad a la hora de afrontar las canciones y es por eso que en algunos momentos no tienen la fuerza que podrían tener, y en otros momentos da la impresión de que la voz ha quedado en segundo plano en la mezcla, en la que se da clara primacía a la guitarra, lo cual me parece un error, y hace que no me guste demasiado la manera en que ha sido mezclado y producido el disco, aunque eso es solo una apreciación personal.
Este "White Sugar" es su disco de debut, que se publicó en febrero del pasado año en el sello "Ruf Records", y aunque es cierto que no es un disco extraordinario ni que vaya a hacer historia, si es un buen disco de blues/Rock con ciertos toques souleros, con un puñado de buenas canciones como "Just another word", "Bones", "Who do you want me to be" o "Kiss the ground goodbye", el instrumental que da título al disco, en el que trata de hacer una demostración guitarrera al estilo Stevie Ray Vaughan, y aunque no está mal, obviamente está a años luz de él aún; y sobretodo el bluesazo final de más de 8 minutos, "Blackest day", que también está muy en la onda Vaughan, pero en el que se sale en la guitarra.-
De todos modos, lo que me parece interesante de este disco, o mas bien de esta mujer es que, si bien no aporta nada original, si puede ofrecer cosas interesantes en el futuro, pues no lo hace nada mal, como dije antes toca bastante bien, y quizas con mejor producción y mejorando con la voz, pueda ser alguien a tener en cuenta en los próximos años. Habrá que ver como evoluciona, pero este primer disco ofrece cosas interesantes.-

Pagina de myspace de esta chica donde podeis escuchar 3 de los temas del disco, así como ver un videos de ella:
http://www.myspace.com/joanneshawtaylor

pero si os da pereza pasar por esa página, aqui van un par de videos:

SMOKIN JOE KUBEK AND BNOIS KING. Nuevo disco en mayo

2010-04-21T07:49:00.001-07:00

La fantastica banda de Dallas, Texas, "Smokin Joe Kubek and Bnois King" (antes, The Smokin' Joe Kubek Band) publica nuevo disco el 25 de mayo próximo, que llevará por título "Have blues, will travel", y se publicará nuevamente en el sello Alligator, y casi con total seguridad ofrecerá otra soberbia demostración de blues-rock de Texas, liderado por la voz de Bnois King, y sobretodo por las guitarras poderosas y "agresivas" de Joe Kubek, aderezadas por las magníficas rítmicas de Bnois King, quien además ofrece el contrapunto a Kubek con sus solos y sonidos más jazzeros.-
Para quienes no conozcais a la banda, decir que su música es blues tejano, guitarrero y con ciertas dosis de Rock y de jazz y por si os puede interesar, su discografía (practicamente toda ella recomendable) es la siguiente:

"Steppin' out texas style" (1991). Buen disco de debut.

"Chain smokin' texas style" (1992). Extraordinario segundo disco

"Texas cadillac" (1994). Soberbio

"Cryin' for the moon" (1995). Otro disco fantástico

"Got my mind back" (1996). Formidable y con sonido algo más agresivo

"Take your best shot" (1998). Otro sensacional disco en la línea del anterior

"Bite me" (2000). Más de lo mismo e igual de bueno que los anteriores

"Roadhouse research" (2003). Algo más flojo desde mi punto de vista pero con grandes temas

"Show me the money" (2004). Muy bueno

"My heart's in Texas" (2006). Disco y DVD en directo.

"Blood brothers" (2008). Muy bueno.-

En la página de "myspace" de la banda podeis escuchar temas de su último trabajo, "Blood brothers", así como varios videos:

http://www.myspace.com/smokinjoekubekmusic

STEVIE RAY VAUGHAN & DOUBLE TROUBLE "Live at Carnegie Hall" (1997)

2010-04-14T09:51:00.000-07:00

Hoy vamos con un directo apoteósico del que, al menos para mi, ha sido uno de los más grandes guitarristas que han existido jamas (sino el mejor..), STEVIE RAY VAUGHAN.

Este directo fue grabado el 4 de octubre de 1984 en el Carnegie Hall de New York, aunque no se publicó hasta varios años después de la trágica muerte del genial guitarrista tejano, exactamente en 1997.-

Stevie está, como siempre, acompañado por su sección rítmica habitual, Chris Layton a la batería y el gran Tommy Shannon en el bajo, pero además cuenta con colaboraciones estelares como las de su hermano Jimmie a la guitarra, el gran Dr.John a los teclados, su vieja amiga Angela Strehli, que canta el tema "C.O.D." y George Raines a la batería.

Pero además, en buena parte de este directo, se hace acompañar de la sección de vientos de los legendarios Roomful of Blues, esto es, Bob Enos a la trompeta, Porky Cohen al trombón, Rich Lataile al sazo alto, Greg Piccolo al saxo tenor, y Doug James al saxo barítono, algo realmente inusual que eleva la categoría de este disco, porque si ya de por si Stevie Ray Vaughan y sus Double Trouble eran capaces de arrasar por donde pasaban, con el acompañamiento de esta sección de vientos, la cosa se vuelve casi orgásmica.

Stevie está realmente espectacular en este directo, cantando y tocando a un nivel incendiario, y los temas se suceden sin darte un poco de tregua para recuperarte un poco.

Tras la introducción a cargo del legendario John Hammond, quien fue quien le descubrió, el disco arranca, sin sección de vientos aún, con una demoledora "Scuttle Buttin'", con Stevie arrasando sobre la maravillosa y poderosa sección rítmica formada por Layton y Shannon. Tras esta, "testifyin'", otro bestial instrumental. A esta le sigue la magnífica "Love struck baby", tocada de manera soberbia. Después la brutal "Honey Bee", en otra demostración magistral del amigo SRV. A continuación "Cold Shot", tema compuesto con el gran músico tejano W.C.Clark, a quien he dedicado alguna entrada tambien en mi blog, y que siempre ha sido un tema que me ha fascinado y en el que nuevamente SRV arrasa con su guitarra. A continuación empieza la parte en que le acompaña la sección de vientos. "Letter to my girlfriend" de Eddie Jones, es la primera, a la que sigue una descomunal "Dirty pool", y a ésta su clásica "Pride and joy". A continuación el maravilloso "The things that I used to do", tema que siempre he adorado y que suena de maravilla en este directo. A continuación suena "C.O.D." con Angela Strehli cantando, y que es uno de los grandes momentos del disco. Después el tema de Albert Collins "Iced over" es de los que si no te levanta del sillon es que estas muerto. Tras este momentazo llega el turno para que SRV interprete él solo, sin acompañamiento, los instrumentales "Lenny" y "Rude Mood".

Y así llegamos al final de un discazo soberbio de un músico que ojalá no hubiese perdido la vida en aquel desgraciado accidente de helicóptero, porque ha sido lo más grande que ha existido en los últimos años.-

CAT STEVENS "Wild world"

2010-04-12T07:53:00.000-07:00

Siempre he sido un gran admirador de Steven Demetre Georgiou, más conocido por todo el mundo como Cat Stevens. Este hijo de padre griego y madre sueca siempre me ha parecido un estupendo compositor, capaz de hacer grandes canciones como "Moon shadows" o "The first cut is the deepest", popularizada ésta por Rod Stewart, cuya versión es casi más conocida que la original, y que hasta su conversión al islam en 1977 y su cambio de nombre por el de Yusuf Islam, me gusta bastante su carrera y su capacidad para hacer estupendas canciones con bellas melodías pop con sus toque e influencias folk.-

Entre sus canciones siempre he sentido debilidad por "Wild World", una maravillosa canción que apareció publicada en su magnífico disco de 1970, "Tea for the tillerman".

Esta canción, que entró en el top-20 de las listas británicas y que también alcanzó un enorme éxito en Estados Unidos, es una canción compuesta en una etapa en la que el músico mantenía una relación sentimental con una chica americana llamada Patti D'Arbanville, cuya relación fue inspiración para muchas de las canciones compuestas por el músico británico en esa época.

La canción, en propias palabras de Cat Stevens, gira entorno a la "típica" idea del abandono, de la tristeza que éste produce, aunque la letra aporta un toque original pues le habla a la chica de que debe tener cuidado, porque el mundo es un mundo salvaje y quizas ella no esté preparada para afrontarlo sin él, aunque si desea irse, que lo haga y tenga cuidado.

La canción posee una bella melodía sobre una progresión de acordes estandar, inspirada, tambien según palabras del propio Stevens, en música española, y con una base de guitarras acusticas, piano, bajo y batería .

De estas canciones se han hecho muchas versiones, pero la que más me gusta sin duda es la que en 1993 grabó el grupo de virtuosos Mr. Big, banda liderada por el guitarrista Paul Gilbert, el "animal" de las 4 cuerdas Billy Sheehan, el batería Pat Torpey el cantante Eric Martin, y que publicaron en su disco "Bump ahead"

MAVIS STAPLES "Only for the lonely" (1970)

2010-04-10T07:05:00.000-07:00

Retrocedamos 40 años hoy para recordar un disco soberbio de una de las más grandes voces, la gran Mavis Staples.-

"Only for the Lonely" fue su segundo disco en solitario tras dejar atras su etapa con los "Staple Singers", y fue producido por Don Davis. En el disco está acompañada principalmente por Eli Fountain a la percusión y saxo; Rudy Robinson a los teclados; Tony Newton en el bajo; Ray Monette en la guitarra; George McGregor en la batería; y Vernon Bullock en la guitarra y también teclados, que tocan en la mayoría de los temas, aunque en "You're the fool" está acompañada por los "Mg's" de Booker T.: Steve Cropper a la guitarra; Donald "Duck" Dunn en la bajo; Al Jackson a la batería; además de Marvell Thomas en el piano; y en el tema "How many times" está acompañada por los músicos de los Muscles Shoals de Alabama, Barry Beckett a los teclados; Eddie Hinton a la guitarra; David Hood al bajo; Roger Hawkins a la batería; además del citado Marvell Thomas al piano; y el gran Isaac Hayes al órgano.-

El disco es realmente bueno, lleno de grandiosas canciones como la inicial "I have learned to do without you", con magníficos arreglos de vientos a cargo de Horace Ott y la voz desgarradora de Mavis Staples poniendo los pelos de punta. La siguiente canción, "How many times" es otro temazo descomunal, una tremenda balada con unos estupendos arreglos de cuerdas y vientos y con Mavis cantando como pocas pueden hacerlo. Otras grandes canciones del disco son "You're the fool"; "what happened to the real me"; "Since you became a part of my life" o la final "Don't change me now". Sin embargo, para mi, el mejor momento del disco es la sobresaliente versión del clásico de Buddy Johnson, "Since i fell for you". A pesar de que esta canción ha sido versioneada hasta la saciedad por artistas de todo tipo como Nina Simone, BB King, The Rascals, Bonnie Raitt, Fontella Bass o Gladys Knight, la versión de Mavis Staples es sin ninguna duda la mejor de todas, sencillamente perfecta, con esa perfecta intro de órgano sobre el arreglo de cuerdas con el que comienza la canción antes de que entre la tremenda voz de Mavis. Esta versión vale por todo este disco.-

Es un disco altamente recomendable y lo podeis encontrar en varias versiones, como por ejemplo en una edición remasterizada y con temas extras o en una edición en un único CD junto con el disco homónimo de debut de Mavis Staples, publicado en 1969.- Merece la pena.-

EDEN BRENT "Mississippi number one" (2008)

2010-04-08T10:25:00.000-07:00

Esta semana santa me he hecho casi por casualidad con un muy buen disco de una cantante, compositora y pianista de Mississippi llamada Eden Brent, de la que reconozco que no había oído hablar jamas, y la verdad es que me ha sorprendido muy gratamente.-
Esta mujer que estudió música en la Universidad del norte de Tejas, en la que cursó estudios de composición e interpretación de Jazz, tuvo sin embargo su verdadera graduación en la carretera de la mano del músico y especialista en blues del delta, Boogaloo Ames, con el que trabajó durante 16 años, y que fue quien la enseñó practicamente todo lo que esta mujer ha aprendido y a quien obviamente está dedicado este disco, ya que falleció en 2002.-
Eden Brent ganó en 2006 en la categoría de blues acústico en el "International Blues Challenge", que es una competición anual que se realiza en Memphis y que está dirigida por la "Blues Foundation" de dicha Región, y que obviamente le permitió empezó a tocar ante audiencias cada vez mayores. Y gracias a eso, el sello "Yellow dog Records" la fichó y le publicó este disco de debut en 2008, que realmente no es su disco de debut, ya que tenía publicado un disco anterior, "Something cool", que apenas tiene distribución y que solo se puede adquirir a través de la página web de la artista.-
Este "Mississippi number one" es, en propias palabras de Eden Brent, un homenaje a su hogar y a su "autopista de blues", la "Mississippi state highway 1" , que según la propia artista sigue la ruta original del blues, el río Mississippi.-
El disco es un magnífico compendio de blues, jazz, boogie, algo de Gospel y soul, e incluso ciertos toques pop que realmente se disfruta de principio a fin, a traves de las 15 canciones del disco, todo liderado por la voz y el piano de esta mujer.-
Destacan magníficos temas como el inicial "Mississippi flatland blues"; "He'll do the same thing to you", acompañada de una buena sección de viento; el soberbio "Darkness on the Delta", en el que demuestra su soberbio hacer al piano; el más jazzero "Love till dawn"; la soberbia versión del "Fried chicken", en el que está acompañada solamente de guitarra acustica y armónica; el más "rockin'" "Mississippi number one" que da título al disco; la soberbia versión del tema de Kansas Joe McCoy, "Why don't you do right" en el que una vez más solo está hecha cantando y tocando el piano; el magnífico "Afraid to let go", que tiene un sonido más "moderno" y en el que destaca el saxo; el magnífico "Close the door"; el más "popero" "All over me" o el tema de ciertos toques gospel "Until i die", que cierra este estupendo disco.-
Un gran descubrimiento de una mujer que espero que siga por este camino porque realmente me ha sorprendido y agradado mucho. Muy recomendable.-

Si visitais la página de myspace de Eden Brent podreis escuchar casi la mitad de los temas del disco, así como algunos de su primer disco:
http://www.myspace.com/edenbrentweb

JANIVA MAGNESS

2010-03-30T10:50:00.000-07:00

Janiva Magness es una cantante de Detroit, aunque trasladada posteriormente al sur de California donde reside en la actualidad, a la que le ha costado hacerse un nombre y una carrera, debido en parte a muchos comentarios críticos que recibió cuando empezaba, algo que minó su confianza, y que incluso la llevó a abandonar su sueño de dedicarse a la música para buscarse un trabajo de oficina que le ocupaba todo el día y que la mantuvo completamente alejada de la música y de los escenarios durante más de un año.
Por suerte, su familia y amigos la convencieron para que no abandonara su carrera musical, consiguiendo que la retomara, y una vez que hubo regresado, con buenas dosis de perseverancia y de recuperada fe en si misma, han logrado que esta mujer se haya hecho un nombre en la escena del blues y del soul actuales, tanto que en los últimos años ha recibido todo tipo de premios, como el "BB King Award for Musical Excellence", el "Jim Croce Award for Outstanding Achievement in Rhythm and Blues", o el gran "W.C. Handy award" en 2004 como mejor artista femenina de blues contemporáneo.-
A través de conciertos cada vez más frecuentes se fue haciendo con su propio público y con cada vez más seguidores y más y mejores críticas. Gracias a esto llegó su debut discográfico en 1997, de la mano del sello "Fat head records", con el disco "It takes one to know one". En 1999 publicó en el sello "Blues leaf records" el disco "My bad luck soul", seguidos de "Blues ain't pretty" en 2001 y de "Use what you got" en 2003. Pero fue en 2004 cuando su carrera empezó a despuntar cuando fichó por el sello "Northern blues music" y con los que publicó dos pedazos de discos soberbios como "Bury him at the crossroads" en ese mismo año y "Do I move you" en 2006. Por estas fechas su reputación en la escena blues es enorme, a pesar de que su sello discográfico le permite poca distribución a su obra, algo que cambiará al abandonarlo para fichar por el sello Alligator, con los que publicó el magnífico "What love will do" en 2008 y con los que acaba de publicar su último disco hasta la fecha, el recién "salido del horno", "The devil is an angel too".-
Janiva Magness, una magnífica cantante que merece ser escuchada y descubierta por los que aún no lo hayais hecho.-

ALLISON MOORER "Crows" (2010)

2010-03-24T12:51:00.000-07:00

Tenía unas ganas enormes de tener el último disco de esta tremenda cantante llamada Allison Moorer. Los últimos discos que había ofrecido no me habían matado demasiado, y su matrimonio con el gran Steve Earle no había parecido sentarle demasiado bien, musicalmente hablando. El hecho de que regresara a trabajar con el productor R.S. Field me hizo pensar que quizas este disco volviera a estar mas cercano a maravillosos discos como "Miss fortune" o "The hardest part", y que quizas pudiera recuperar su mejor version. Pero me temo que esta chica está algo perdida y que no acaba de encontrar su propio camino, pues ahora nos ofrece un disco de canciones más cercanas al pop o al folk, que a su original sonido country-rock, que luego derivó hacia sonidos mas cercano a Neil Young, y que tras casarse con Steve Earle derivó hacia caminos poco definidos.
Este "Crows", sin ser un disco malo, es un disco soso, insulso, carente de canciones poderosas, demasiado intimista y lineal, que aburre bastante y en el que no consigo entrar, a pesar de haberlo intentado varias veces.
El disco tiene 3 o 4 buenas canciones como el single "Broken heart", "Should i be concerned" o "When you wake up feeling bad", pero no llegan, ni de lejos, a ser canciones memorables como esta mujer ha sido capaz de componer en discos como los citados antes. La mayor parte del disco restante es flojo, muy flojo, incluso en canciones como "The stars & I(mama's song)", que está dedicada a su madre, la cual no se si muchos sabreis que fue asesinada por su padre de un disparo delante de ella y de su hermana, la también cantante Shelby Lynne, siendo éstas muy pequeñas. Pues como digo, ni esta cancion logra emocionar lo más mínimo y está a años luz de "Is heaven good enough for you", canción también dedicada a su madre y que aparecía en su primer disco, "Alabama song", y que si era una canción espectacular.
Como digo, no es un disco malo, sobretodo teniendo en cuenta la maravillosa voz de esta mujer, que siempre es importante, pero no es ni mucho menos lo que yo esperaba, y vuelve a ser una pequeña decepción más para mi, de una cantante y compositora que me enamoró como pocos con sus primeros discos
La conclusión que uno saca es que esta mujer anda un poco a la deriva, dando bandazos en busca de su propio estilo y su propia voz, lo que hace que, desde mi modesto punto de vista, esté desaprovechando su talento, que lo tiene y mucho.

"Broken girl" (en acustico):

Maravillosas canciones que era capaz de hacer esta mujer en sus primeros trabajos:

TIFT MERRITT "See you in the moon" Nuevo disco

2010-03-23T13:41:00.000-07:00

Mi adorada cantante y compositora, Tift Merritt, saca nuevo disco a la venta el próximo día 1 de junio. El disco llevará por título "See you on the moon" y se publicará en el sello "Fantasy".-

El disco lo compondrán las siguientes canciones:

1.- Mixtape

2.- Engine To Turn

3.- Things That Everybody Does

4. Six More Days of Rain

5.- Feel Of The World

6.- Never Talk About It

7.- All The Reasons We Don't Have To Fight

8.- Live Till You Die

9.- Papercut

10.- See You On The Moon

11.- Danny's song

12.- After today

El disco está grabado con su banda habitual, Jay Brown al bajo y voz; Zeke Hutchins, batería; Danny Eisenberg, teclados; y Scott McCall, guitarra, y está producido por Tucker Martine.

En la página web de esta cantante y compositora de North Carolina, http://www.tiftmerritt.com/ se va colgando cada semana un tema del nuevo disco para que los fans los vayan escuchando, la semana pasada estuvo colgado "Mixtape", y esta semana está colgado el segundo corte "Engine to turn".-

JR. WALKER & THE ALL STARS

2010-03-22T09:30:00.000-07:00

Tras unos días de ausencia y relax, regresó al blog con un extraordinario músico llamado Junior Walker, saxofonista tenor que destacó principalmente en esa maravillosa etapa musical de la Motown en los años 60.-
Autry de Walt II, que es el que parece ser su nombre real aunque algunos dicen que es Autry de Walt Mixon, nació un 14 de junio de 1931 en Blytheville, Arkansas, aunque creció y empezó a estudiar musica en South Bend, Indiana. Muy jovencto aún empezó a frecuentar la escena de jazz y R&B locales y formó su primera banda llamada "The Jumping Jacks". Tras ésta, se unió a un trio liderado por el batería Billy "Stix" Nicks, que incluia al organo a Fred Patton y al que pronto se sumaría el guitarrista Willie Woods, con los que tocó habitualmente por el circuito de Indiana y Michigan. Tras la marcha de Nicks al ejercito, Walker se trasladó a Battle Creek y formó la banda llamada "Junior Walker & the All Stars", que originalmente contaba con los citados Fred Patton y Willie Woods, así como con el batera Tony Washington, aunque poco a poco se irían sucediendo los cambios en la formación.- La banda se hizo un nombre y acabó por conseguir un contrato como la banda habitual del club "El Grotto", en Battle Creek. Allí fueron descubiertos por el cantante Johnny Bristol, quien le recomendó a su amigo, Harvey Fuqua, antiguo miembro de la banda de R&B de los 50, The Moonglows. Fuqua los fichó para su sello en 1961, publicaron su disco de debut en 1962, y al poco, el sello citado fue absorbido por el sello Motown.- Debutaron con el legendario sello en 1964, y al poco tiempo, en 1965, consiguieron un exitazo con el tema "Shotgun", que fue el debut como cantante de Junior Walker (aunque de modo absolutamente accidental, al no presentarse a la sesión el cantante que había sido contratado para ello), y que supuso el primer "top-5" de la banda.-

Tras este y gracias al instinto y buen hacer de Berry Gordy, la banda empezó a conseguir hits uno tras otro, con temas como "Do the Boomerang," "Shake and Fingerpop," o "How Sweet It Is (To Be Loved by You)" .-

En 1966 el batería por aquel entonces de la banda, James Graves la dejó y fue sustituído por su viejo colega, Billy "Stix" Nicks, con el que la banda grabó nuevos hits como "I'm a road runner" o "Pucker up buttercup".

Hacia finales de los años 60, buscando una nueva dirección, la banda empezó a grabar más baladas, alejándose un poco de su viejo sonido, y así lograron un número uno en las listas de R&B y un "top-5" en las listas de pop con el tema "What Does It Take (To Win Your Love),".-

En los años siguientes la banda siguió cosechando exitos y llevando sus temas a lo más alto de las listas de la época, mientras duró el esplendor de la motown, en cuya música por supuesto, en la mayoría de sus hits, participó el, para mi, mejor bajista de la historia, JAMES JAMERSON, quien aportó sus maravillosas líneas para elevar los temas a la categoría de clásicos absolutos.-
Tras el fin de la era dorada de la Motown, Walker sobrevivió en la era disco como artista solista, trabajando con el legendario productor Brian Holland. En 1979 se unió a otra leyenda de la Motown, Norman Whitfield, fichando por el sello de éste, aunque sin demasiado exito.
Tuvo un nuevo cierto momento de gloria al realizar el solo del clásico de Foreigner, "Urgent".

Durante el resto de la decada de los 80 siguió grabando y tocando aunque lejos de su etapa dorada de la Motown, hasta que en 1993 le fue diagnosticado un cancer que acabó con él el 23 de noviembre de 1995.-
Junior Walker, legendario músico del sonido Motown, que junto con sus All-Stars dejó una buena cantidad de temazos legendarios.-

CURTIS SALGADO "Clean getaway" (2008)

2010-03-13T11:01:00.000-08:00

Curtis salgado es un cantante, compositor y armonicista de blues y soul, quizas no muy conocido por mucha gente, pero realmente bueno, con una trayectoria y una serie de discos bastantes buenos a sus espaldas.
Nacido en Everett, Washington, un 4 de febrero de 1954, aunque crecido en Portland, Oregón, desde muy jovencito ya escuchaba todo tipo de su música, desde jazz a blues, a soul, a sonido New Orleans, de todo, gracias a sus padres que le inculcaron la música desde casi recién nacido.

Pronto aprendió a tocar la armónica y también a cantar, influenciado sobretodo por cantantes como Johnny Taylor, Otis Redding, u O.V. Wright.
Empezó a trabajar como "sideman" de músicos como Robert Cray y de bandas como Roomful of Blues, lo que le permitió compartir escenario con grandes leyendas como Muddy Waters, Albert Collins, Bobby "Blue" Bland, Bonnie Raitt o Stevie Ray y Jimmie Vaughan.
Fue en 1991 cuando se lanzó a su carrera en solitario con la publicación del disco titulado "Curtis Salgado & the Stilettos", gran disco que alterna versiones con temas propios donde ya demuestra su nivel como compositor, y cuyo estilo, como en todos sus discos siguientes, va del blues de Chicago al Soul de sonido Stax.-
Tras este disco publicó "More than you can chew" en 1995, "Hit it ' quit it" en 1997, "Wiggle outta this" en 1999, "Soul activated" en 2001, y "Strong suspicion" en 2004, que considero uno de los mejores discos de su carrera, junto con los dos primeros.
Así llegamos a 2006, momento crítico de su vida, cuando le fue diagnosticado un cáncer de higado. Le dieron un plazo máximo de vida de 8 meses salvo que se sometiese a una operación que le costaría medio millón dolares. Ya sabemos todos el surrealista sistema sanitario norteamericano donde, o tiene pasta o te vas al otro barrio, y que Obama trata de cambiar, pero que los más "carcas" americanos no lo permiten de ninguna manera, en fin... El caso es que Curtis tuvo suerte de tener unos fans maravillosos y unos amigos igualmente maravillosos como Bonnie Raitt, Robert Cray, Steve Miller o Taj Mahal, que con sus donaciones y ayudas económicas le permitieron someterse a esa operación, lo que sin duda le ha salvado la vida. Y así, habiendo nacido de nuevo, regresó en 2008 con este disco llamado "Clean Getaway", que es su último disco de estudio hasta la fecha, y que ofrece otra maravillosa dosis de blues y soul fantasticamente cantado por Curtis Salgado, con una mezcla de versiones y originales que conforman un muy buen disco.
Se grabó en los estudios "Ultratone", California, entre 2007 y 2008, y está producido por Marlon Mclain y Tony Braunagel, coproducido por el propio Curtis Salgado, y mezclado por el gran John Porter.-
La banda la forman, además del propio Salgado a la voz y armónica, el citado Tony Braunagel a la batería, Johnny Lee Schell a la guitarra, Mike Finningan a los teclados, Larry Fulcher al bajo y Joe Sublett al saxo. Ademas cuenta, en diversas canciones, con la colaboración de Jon Cleary al piano, Les Lovitt a la trompeta, Michito Sanchez a la percusión, Marlon Mclain a la guitarra, Jacob Wolf y Jeff Golub a la guitarra solista, y Billy Valentine, Tim Scott, Julie Delgado, Johnny Lee Schell, Melody Perry y Mike Finningan a los coros.-
Como dije antes, el disco alterna temas originales de Salgado como el inicial "Clean Getaway", "What's up with that" o "20 years of BB King", coescrito junto a D. Duncan, y que obviamente es un homenaje al gran bluesman, con versiones de temas como "Both sorry over nothin'" de los gran Tower of Power, "Let's get married" de Al Green, "Bottle of red wine" de Clapton y delanie & bonnie, "I don't want to discuss it" de Little Richard, "Who's lovin' you" del gran Smokey Robinson, o la preciosa "Alone" del bajista y compositor Tommy Sims.-
En definitiva, un magnífico disco de un gran cantante de blues y soul, que gracias a Dios y sobretodo a sus amigos, puede seguir viviendo y ofreciendonos buena musica como la que ofrece aqui. Si os gusta el blues y el soul, no os perdais a este hombre.-

1)Página de amazon para escuchar samples de las canciones del disco:

http://www.amazon.com/Clean-Getaway-Curtis-Salgado/dp/B00187PN56/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1268509199&sr=8-1

2)Página de "myspace" del músico, para escuchar la canción que da título al disco, así como otras de discos anteriores:
http://www.myspace.com/curtissalgado

THE WATERBOYS "Fisherman's blues"

2010-03-12T13:00:00.000-08:00

Reconozco que nunca he sido muy seguidor de los Waterboys, conozco canciones sueltas, algunas me gustan más que otras, pero nunca he profundizado mucho en su carrera y nunca he sido muy fan de ellos salvo por una excepción, "Fisherman's blues", canción que dio titulo al disco de 1988, y que para mi es una de las canciones más hermosas que jamas haya escuchado, y es una de esas canciones que por mucho tiempo que pase, por muchas veces que la escuche, jamas me cansa y siempre me emociona igual. Por este motivo, que suena esta maravilla de cancion.

En estudio:

En directo:

La letra de la canción:
I wish I was a fisherman
tumblin' on the seas
Far away from dry land and its bitter memories
Casting out my sweet line with abandonment and love
No ceiling bearin' down on me Save the starry sky above
With light in my head you in my arms Woo!
I wish I was the brakeman on a hurtlin' fevered train
Crashing a-headlong into the heartland like a cannon in the rain
With the beating of the sweepersand the burnin' of the coal
Counting the towns flashing byin a night that's full of soul
With light in my headyou in my arms Woo!
Tomorrow I will be loosened from bonds that hold me fast
That the chains all hung around me will fall away at last
And on that fine and fateful day I will take thee in my hands
I will ride on the train I will be the fisherman With light in my head
you in my arms Light in my head You in my arms

VAN MORRISON "Moondance" (1970)

2010-03-11T10:53:00.000-08:00

Siendo como soy un enamorado de la música de Van Morrison, me he dado cuenta de que apenas le he dedicado una triste entrada en mi blog, y eso no puede ser.
Es cierto que es un tipo que personalmente me cae como una patada en los cojones, y que probablemente nunca más vaya a verle en directo, sobretodo tras un concierto que dio aqui en Madrid hace unos 4 o 5 años y que, tras pagar 72 EUROS!!!!, el cabrón tocó hora y media justita, sin decir ni hola ni adios, y en el que encima, en uno de los temas que estaba hciendo, fue a hacer un solo de armónica y ésta apenas sonaba, asi que llamó a su técnico y cuando éste se acercó, el "amigo" Van le tiró la armónica!. Fue para bajar y darle de ostias por cabrón, me dejó indignado. Por esos motivos, como digo, no creo que vuelva a pagar por verle en directo, pero independientemente de eso me confieso un auténtico fan de su música, sobretodo de la primera época, y la verdad es que sigue siendo inspiración para mi. Es un puto genio el cabron irlandes este.-
Pues que mejor manera de rendirle homenaje en este blog que recuperando una de sus obras maestras y uno de los discos legendarios e imprescindibles creo yo, de la historia del Rock, como es este "Moondance".
Este disco se publicó en 1970, fue producido por el propio Van Morrison, y en el está acompañado por Jack Schrorer al saxo alto y soprano; Collin Tillton, al saxo tenor y flauta; Jeff Labes al piano y organo; John Platania a la guitarra rítmica y solista; John Klingberg al bajo; Garry Malabar a la bateria; Guy Masson a la percusión; y Emily Houston, Judy Clay y Jackie Verdell a los coros.
El disco contiene un montón de clásicos de este genio irlandes como "And it stoned me", "Moondance", "Crazy Love", "Caravan", "Brand new day" o la maravillosa "Into the mystic", una de esas canciones que desde la primera vez que la escuché me enamoró y jamás me ha soltado, y que Warren Haynes, con su buen gusto habitual, suele tocar bastante a menudo tanto con Gov't Mule como con los Allman Brothers.
Misticismo, romanticismo o melancolia se reflejan en los textos de las canciones, dando como resultado diez joyas maravillosas en un disco maravilloso, en el momento más álgido de la carrera de Van Morrison, que en los primeros años 70 fue grabando obra maestra tras obra maestra, a la par que su carácter iba cada vez a peor, aderezado por el abuso de drogas y alcohol, y por la separación de su mujer, pero eso es otra historia. Lo que importa, sobretodo a mi, es que la música que este hombre nos ha brindado a lo largo de su carrera es sencillamente maravillosa y probablemente nunca estuvo a un nivel tan alto como en disco como este.
No he encontrado videos en youtube del amigo Van, lo que probablemente sea debido a que este irlandes rebotao, con su mala leche y amargamiento habitual, los haya hecho retirar. Si es así, él sabrá, asi que escucharemos "Into the Mystic" de la mano de Warren Haynes con los Allman Brothers:

DARK END OF THE STREET

2010-03-08T11:48:00.000-08:00

Yo no se si cuando en 1967, el legendario compositor Dan Penn, en colaboración con chips Moman, escribió "The Dark end of the street", fue consciente de que acababan de escribir una canción mítica, legendaria, y absolutamente perfecta, tanto en lo músical como en la letra, que adquiriría en muy poco tiempo el estatus de clásico inmortal, y que sería versioneada hasta la saciedad por todo tipo de artistas.
El primero que la grabó fue el legendario cantante de soul James Carr, y desde entonces ha sido interpretada por innumerables artistas como Elvis Costello, Ry Cooder, Aretha Franklin, Linda Ronstadt, Percy Sledge, Gregg Allman, Eva Cassidy, Frank Black, Diamanda Galás, Flying Burrito Brothers, The Afghan Whigs, Cat Power o Widespread Panic, por citar solo unos pocos.
Historia de un lamento por una infidelidad, de la que algún día seguro que serán descubiertos ("they gonna find us, they gonna find us someday" dice en una parte la letra de la canción), "The Dark end of the street" es una maravillosa canción, de las que cuando es bien interpretada pone literalmente los pelos de punta, y por la que no pasa el tiempo, ni pasará, jamás.-

y esta para el amigo JOSERRA:

ART BLAKEY AND THE JAZZ MESSENGERS "Reflections in blue" (1978)

2010-03-07T02:55:00.000-08:00

El jazz siempre ha sido una música que me ha encantado, y con la que disfruto como un enano. Tengo muchos ídolos en este estilo de música, gente como Miles Davis, John Coltrane, Charlie Parker, Cannonball Adderley, Oscar Peterson, etc etc etc, pero hay uno que siempre me ha atrapado y que siempre ha estado en lo más alto del cajón para mi. Ese músico no es otro que Art Blakey. Este pedazo de batería nacido en Pittsburgh el 11 de octubre de 1919 y fallecido el 16 de octubre de 1990 en New York y sus legendarios "The jazz messengers", formación por la que han pasado algunos de los más grandes músicos de este estilo musical a lo largo de los años, pero que siempre, estuviera integrada por quien estuviera integrada, ha ofrecido una calidad musical insuperable. Es un jazz de claros toques gospel y blues, sobretodo en muchas de las composiciones del gran pianista Bobby Timmons (Moanin', Dat dere, this here, etc etc), que estuvo en la banda entre 1958 y 1961. La banda ha tenido tantisimas formaciones y grabó tal cantidad de discos que sería larguísimo (casi interminable) hacer un post que reflejara la carrera de este enorme músico, y no es plan de aburrir y saturar al personal.

Sería dificil para mi elegir solamente un disco de su discografía, pero reconozco que le tengo un cariño muy especial a este, especialmente gracias a uno de los temas, el que da título al disco. "Reflections in blue" es un tema que siempre me ha atrapado. Tiene ese toque soulero-bluesero-gospel que tanto me ha gustado siempre de la música de esta banda, con una melodía que engancha desde el primer compas y con unos solos de los músicos realmente espectaculares. Siempre he pensado como sonaría este tema interpretado por una banda de rock, con buenos solos de guitarra, en manos de gente como Allman Brothers Band o bandas de nivel similar, estoy seguro que sonaría como un cañon.-

La formación en este disco estaba formada por Art Blakey, obviamente, a la batería; Dennis Irwin al contrabajo; Valeri Ponamarev a la trompeta; Curtis Fuller al trombón; Bobby Watson al saxo alto; James Williams en el piano; David Schittner en el saxo tenor; y Ray Mantilla en la percusión.-

Este disco sería la última con esta formación, ya que en seguida Dennis Irwin sería sustituido por Charles Farnbrough, David Schittner por Billy Pierce y Valeri Ponamarez por el gran Wyton Marsalis, dando lugar a una de las mejores formaciones de la historia del jazz reciente, pero esa es otra histora.-

El disco se completa con los temas "E.T.A." (estimated time arrival); "Mishma", de toques latinos con un gran Dennis Irwin en el contrabajo; la balada "Ballad Medley"; "Stretching" nuevamente con una gran intro de contrabajo a cargo de Dennis Irwin y con unos solos descomunales; y otro temazo tremendo titulado "Say Dr.J", que una vez leí que estaba dedicado al gran jugador de NBA, de los Sixer de Philadelphia, Julius Erving (conocido mundialmente como Dr. J), y que es otro tema maravilloso y exquisito con ese sonido que tanto me gusta de toques soul-gospel-blues tan delicioso y tan irresistible.

Para mi es un disco extraordinario, y con el tema que da título al disco que vale por él entero. Si os gusta el jazz y no conoceis este disco, os encantará, y sino os va mucho el jazz o nunca os habeis metido mucho en este estilo, este disco es ideal para iros aproximando a este estilo.-

"Reflections in blue":

JOE SOUTH

2010-03-06T04:56:00.000-08:00

Joe South, cuyo nombre real es Joe Souter, es un músico y compositor muy desconocido para muchos, pero autor de canciones tremendamente conocidas por muchísima gente, además de haber sido un músico de estudio que ha participado en grabaciones de artistas del más alto nivel.
Nacido en Atlanta, Georgia, el 28 de febrero de 1940, Joe comenzó su carrera como músico de Country, sonando en las radios de Atlanta y llegando a unirse a la banda del legendario guitarrista de steel guitar de Nashville, Peter Drake, en 1957.
Al año siguiente grabó su primer single titulado "The Purple People Eater Meets the Witch Doctor", y al poco tiempo empezó su carrera como músico de sesión en Nashville y en los Muscle Shoals de Alabama. El amigo South participó, entre otros muchos, en discos de gente como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Marty Robbins, Eddy Arnold, Simon & Gartfunkel o con el mismisomo Bob Dylan en su legendario album, "Blonde on blonde".-
A finales de los años 60 se dedicó cada vez con más fuerza a la composición, y sus canciones se convirtieron en muchos casos en hits descomunales para otros artistas.
Tal fueron los casos de canciones como "Down in the boondocks", que fue un exito para el cantante Billy Joe Royal

Sus mayores exitos fueron "Hush", canción bastante versioneada pero que la mayoría de la gente asocia a Deep Purple, sin saber que la original la escribió este hombre

Otro exito enorme fue "(I never promised you a)Rose Garden", cuya versión de la cantante de Country Lynn Anderson en 1971, sería un enorme exito, y que muchos años despues sería versioneada por DUNCAN DHU!!!!, si la banda española de pop que la llamaría "jardin de rosas", creo recordar.

Pero el mayor exito de Joe South fue una canción que le llevaría a ganar un premio Grammy a mejor canción en 1969, y que sería versioneada hasta la saciedad, destacando las versiones que hicieron gente como el legendario saxofonista King Curtis (con Duane Allman a la guitarra) o los Georgia Satelites. Esa canción era "Games People Play":

Joe South desapareció del mapa en 1971 tras el suicidio de un hermano, algo que le dejó realmente tocado, y aunque apareció de nuevo en 1975 publicando el disco "Midnight rainbows", tras el cual grabó un par de discos más, pero sin demasiada repercusión, retirándose definitivamente de la escena musical a finales de los 70.-
Joe South, enorme músico y compositor y que en los años que estuvo a pleno rendimiento fue capaz de dejar una serie de canciones que se han convertido en clásicos de la música popular, y eso merece su reconocimiento.-

WET WILLE "Drippin' wet" (1973)

2010-03-05T11:21:00.000-08:00

Wet Willie siempre ha sido, para un servidor, una de las mejores bandas de rock sureño que han existido. Nunca se llevó los honores de bandas legendarias como Lynyrd Skynyrd o Allman Brothers, pero su nivel musical no estaba ni mucho menos lejos de éstas, aunque siempre les faltó un "mega-hit" que los llevara al megaestrellato rockero. Estuvieron cerca con el maravilloso tema de 1974, "Keep on smilin'", de su album homónimo, pero no llegó a ser nunca un "Sweet home Alabama" o un "Midnight rider", a pesar de ser una cancion soberbia.-

Wet Willie se formó en Mobile, Alabama, en 1969, y estaba liderada por los hermanos Jimmy Hall (voz, saxo y armónica) y Jack Hall (bajo y banjo). Junto a ellos, Ricky Hirsh (guitarrista), Lewis Ross (bateria) y John Anthony (teclados). La banda se trasladaría al poco tiempo a Macon, Georgia, y de la mano de Phil Walden, lograron un contrato con el sello "Capricorn".

Su debut se produjo en 1971 con el disco "Wet Willie", disco algo irregular, pero con muy buenos momentos como la versión del clásico de Jimmie Reed, "Shame shame shame".

En 1972 publicarían "Wet Willie II", disco que incluye, entre otras, una magnífica version del clásico de Otis Redding "Shout bamalama".

En 1973 publican el directo que comento hoy aqui, "Drippin' wet".

Tras este disco llegaría, en 1974, probablemente su mejor disco de estudio, "Keep on smilin'", que además de contener la canción que da título al disco, y que como he dicho antes fue lo más cercano a un "megahit" que tuvieron, contiene extraordinarias canciones como "Country side of life", "Soul Sister", "Lucy Was in trouble" o "Alabama".-

En 1975 se publicaría "Dixie wet", album más flojo que los anteriores, seguido en 1976 por "The weter the better".

En 1977 se publicaría otro extraordinario disco en directo, "Left coast groovies". En 1978 se publico "Manorisms", disco que nunca he conseguido adquirir pero que es algo que estoy seguro de que pronto remediaré.

En 1979 se publicaría "Which one's willie?", y en 1980 la banda se separaría. Desde entonces se han producido reuniones más o menos afortunadas, con algunos miembros originales, pero nada especialmente reseñable. Sin embargo, Jimmy Hall ha publicado algunos discos en solitario realmente interesantes como "Rendezvous with the blues" en 1996 y un disco homenaje al gran guitarrista y compositor y miembro de la banda de los estudios Muscle Shoals de Alabama, Eddie Hinton, titulado "Build your own fire" y que se publicó en 2007.-

Y respecto a este disco, "Drippin' Wet", fue publicado en marzo de 1973, y fue grabado en directo en el "Warehouse" de New Orleans, Lousiana, el 31 de diciembre de 1972.

Es un pedazo de directo como la copa de un pino y demuestra lo que la gente siempre comentó de ellos, que en una buena noche, podían barrer a casi cualquier banda del escenario.

Jimmy Hall simpre ha sido para mi uno de los mejores cantantes que he escuchado, con una fuerza y un feeling descomunales, y este disco lo prueba sin duda.

El disco contiene 8 temas y se abre con una versión poderosa del tema de Arthur Crudup, "That's all right", con Jimmy Hall también a la armónica y con un gran Ricky Hirsch a la guitarra. Tras esta se marcan una magnífica versión del "She caught the katy(and left me a mule to ride)" de Taj Mahal y que también populizarian los Blues Brothers. Tras esta, un magnífico shuffle "No good woman blues", que es uno de los grandes momentos del disco. A esta le sigue un tema original de la banda, el instrumental "Red Hot chicken", tema de toques funkys en el que Jimmy Hall toca el saxo y en el que se les une en las congas el gran Jaimoe (Allman Brothers Band). Tras este, otro original de la banda, en concreto del teclista John Anthony, "Airport". La siguiente es una versión del "I'd rather be blind" del gran Leon Russell y que fue un tema habitual del gran bluesman tejano, Freddie King. Tras este, un bluesazo escrito por la propia banda titulado "Macon Hambone blues", y para cerrar el disco, el "Shout bamalama" de Otis Redding.

Maravillosa banda y enorme disco de una de las mas grandes (y menos reconocidas) bandas de rock sureño y de los gloriosos años 70.

"Macon hambone blues":

Su tema más conocido, "Keep on Smilin'", -temazo-:

BOOKER T & THE MG'S "Melting pot" (1971)

2010-03-02T09:00:00.000-08:00

Booker T & the Mg's ha sido siempre una de mis bandas favoritas de toda la vida. He sido siempre un gran admirador de esta banda, que como todo el mundo sabrá, fue la "house band" del sello Stax en Memphis, banda que acompañó a los más grandes artistas del soul, como otis Redding, Wilson Pickett, Sam & Dave, Carla Thomas,etc etc, tanto en estudio como en directo, convirtiéndose en una de las más legendarias bandas de la historia de la música. Pero además de su labor como banda de acompañamiento y de la labor como músicos de estudio, Booker T & the Mg's desarrollaron su propio camino como banda "independiente", desarrollando una música extraordinaria, una maravillosa mezcla instrumental de soul, blues y rock, que dejó tremendos discos, maravillosos temas y clásicos absolutos de la historia de la música popular como "Green Onions".
Los orígenes de la banda se remontan a 1960, cuando el teclista, y principalmente organista, Booker T Jones empezó a trabajar como músico de sesión para el sello Stax, donde se topó con un joven guitarrista llamado Steve Cropper, quien había formado parte de la banda The Mar-Keys. Ambos músicos congeniaron pronto, sentando las bases de lo que sería el sonido de la incipiente banda, que se completaría con el batería Al Jackson y el bajista Lewis Steinberg. Así nacieron los Booker T & the Mg's, cuya formación definitiva se asentaría un par de años después, cuando Donald "Duck" Dunn sustituyese a Lewis Steinberg en el bajo.-
Como todo el mundo conoce, su mayor éxito sería "Green Onions", tema que surgió casi por casualidad, al estar banda en el estudio esperando para una sesión con el cantante de Rockabilly, Billy Lee Riley. Como éste se retrasaba, la banda empezó a improvisar y así surgió este tema legendario, que sería el tema estrella de su album de debut, "Green Onions" en 1962.-

La banda tuvo una carrera verdaderamente prolífica en esa década de los 60. Además de sus innumerables sesiones y grabaciones con otros artistas, la banda publicaría bastantes discos propios: "Soul dressing" en 1965; "In the Christmas spirit" en 1966; "and now....Booker T & the Mg's" en 1966; "Hip Hugh Her" en 1967, que contiene una maravillosa, para mi gusto, versión del "Sunny" de Bobby Hebb; "Doin' our thing" en 1968"; "Soul limbo" en 1968; "Uptight" en 1968; "The Booker T set" en 1969; y "Mclemore Avenue" en 1970, revisión instrumental al estilo Booker T del "Abbey Road" de los Beatles, y cuyo título proviene de la localización de los estudios Stax.-
Con la llegada de la nueva década, la banda cada vez tenía más problemas para trabajar juntos, debido a que cada uno de los miembros estaba en una punta del país. Steve Cropper estaba residiendo cada vez más en los Angeles, mientras Booker T estaba en Indiana terminando sus estudios musicales en la universidad de dicha ciudad. Además, el propio Booker T estaba cada vez más a disgusto con el camino y la forma de hacer las cosas del sello Stax, y sentía una creciente necesidad de buscar caminos diferentes y de incluso dar un giro al propio camino de la banda.-
Así las cosas, su último disco con la formación original, llevaría por títilo "Melting pot" y se publicaría en 1971.-
Para mi gusto es el mejor disco de la banda, entendido como conjunto. La banda suena mejor que nunca, con un descomunal Al Jackson a la batería, que en este disco literalmente se sale.
A través de sus 8 temas, la banda muestra con maestría su clásica mezcla instrumental de blues y soul, con toques funkys y jazzeros. Desde la incial y magnífica "Melting Pot", a través de sus 8:15 minutos, con esa tremenda batería de Al Jackson, la tremenda y solida línea de bajo de Duck Dunn, la guitarra funky de Cropper y los maravillosos sonidos Hammond de Booker T; pasando por la más clásica "Back Home", con una parte central en el que la banda baja el tempo para hacer un blues lento con un soberbio Steve Cropper; la brutal "Chicken Pox", con una tremenda sección rítmica y un Booker T estelar en el Hammond; "Fuquawi", con su melodía de toques orientales; la extensa "Kinda Easy Like", de casi 9 minutos, con grandes solos de Booker T y Steve Cropper, con una nueva demostración soberbia por parte de Jackson y "Duck" Dunn de lo que debe ser una sección rítmica, y con unos coros casi experimentales en la parte central del tema, sin letra; la estupenda "Hi Ride", de claro sonido soulero clásico; "L.A. Jazz Song", que es un tema en el más puro estilo de la banda, con Steve Cropper y Booker T haciendo ambos a la vez la melodía principal del tema, y también con unos coros sin letra en el "chorus"; y para terminar, un tema fabuloso llamado "Sunny Monday", que se inicia con la guitarra de Steve Cropper, luego entra Al Jackson en apoyo con el "hi-hat", y luego Booker T en apoyo con el piano, antes de cambiar a la siguiente parte en la que predomina el Hammond, y luego vuelta a la parte inicial, y posteriormente con nuevos arreglos de vientos y con la entrada del bajo, que entra tarde en el tema y que dobla la melodía en el final del tema. Temazo brutal para terminar un disco redondo, probablemente el mejor de esta banda increíble.-

Al poco de publicar este disco la banda se tomaría un respiro de unos años. En 1975, cuando se estaba planeando una reunión de la banda, el batería Al Jackson moriría asesinado en su casa, al regresar de ver un combate de boxeo de Cassius Clay, donde supuestamente se topó con unos ladrones que le dispararon. Esa fue la versión oficial, aunque hubo sospechas de que la mujer pudo tener algo que ver con su muerte, pues ya le había disparado un par de años antes, aunque Jackson se negó a presentar cargos. El hecho de que no faltaran objetos de valor y que él llevara su cartera, hicieron sospechar de que no se trató de un robo, pero no se pudo demostrar que la mujer tuviera algo que ver. Sea como fuere, el caso es que la muerte del genial batería acabó con cualquier posible reunión de la banda, y fue el fin de una banda legendaria, que aunque se reunió con un nuevo batería en los 90, publicando un disco, "That's the way it should be" en 1994, ya no era lo mimo.-

"Melting pot":

STUDEBAKER JOHN & THE HAWKS "Tremoluxe" (1996)

2010-02-28T04:54:00.000-08:00

Cantante, guitarrista, armonicista y compositor John Grimaldi, es uno de esos músicos que por razones inexplicables pasa un poco desapercibido en este negocio de la música, y que salvo para gente metida en círculos del blues, apenas es conocido ni reconocido al nivel que merecería.

Nacido en Chicago el 5 de noviembre de 1952, John Grimaldi, que tomó su "nombre de guerra" de un coche que tuvo, era hijo de un músico amateur, y gracias a ello se dedicó a aprender a tocar diversos instrumentos que tenía por casa. Principalmente se centró en la armónica, debido a los grandes bluesman de Chicago como Little Walter o Sonny Boy Williamson, aunque tras ver una actuación del gran Hound Dog Taylor se dedicó también en la guitarra.- En los primeros 70 formó su propia banda que llamó "The Hawks" con los que empezó a componer sus temas y con los que desarrolaba su talento como armonicista y guitarrista, con un estilo salvaje y agresivo. En los 80 empezó a grabar su música aunque mantuvo su profesión como trabajador de la construcción. Su primera grabación sería de un concierto en Holanda en 1985, que sería reeditado en 1994 llamado "Rockin' the blues", sin embargo fue gracias al contrato con el sello discográfico "Blind Pig" con el que empezó a publicar sus discos de estudio. EL primero se publicó en 1994 titulado "Too tough", a los que siguieron "Outside lookin' in" en 1995, "Tremoluxe" en 1996, "Time will tell" en 1997, "Howl with the wolf" en 2001, primer disco para un nuevo sello, "Evidence". En 2004 nuevo cambio de sello, en esta ocasión "Avanti records", y publicación del disco "Between life & deth" en el que ya aparece unicamente como Studebaker John, sin sus hawks. En 2006 se publico "Self made man" y en 2008 vieron la luz "Promise of love" y "Waiting on the sun", últimos trabajos hasta la fecha de este músico.-

La verdad es que todos sus trabajos ofrecen más o menos lo mismo, que es boogie y blues de chicago, en el que la peculiar voz de Grimaldi y sobretodo su tremenda forma de tocar la guitarra y especialmente la armónica, hacen de su música algo personal, aunque tremendamente disfrutable.- Quizás en sus últimos trabajos hay también influencia de la música de Santana de la primera época, algo que quizas le haga variar un poco su estilo en proximos trabajos. Veremos.-

"Tremoluxe" que se publicó en 1996, fue el disco con el que un servidor le descubrió y me sigue pareciendo uno de sus mejores trabajos. El album, producido por Jim Gaines, fue grabado en "The tone Zone" en Chicago, y la banda que acompaña a Grimaldi es Mike Garrett (guitarra y coros); Ron Regnas (bajo y coros) y Kelly Littleton (batería).- El disco está repleto de temazos como el inicial "Two time boogie", "Cold, cold heart", "Gonna start to walkin'", "My way or the highway", "Last Night", "Voodoo woman", Hey hey hey" o la final "Boogie twist".

Mucho boogie, mucho sonido "Chicago", toques rockanroleros, toques fronterizos, y tremendas dosis de armónica y guitarra poderosas para un disco tremendo y un artista que merece la pena ser escuchado y disfrutado porque es realmente bueno.-

En directo en el club de Buddy Guy en Chicago, haciendo un tema que no es de este disco, pero en el que se aprecia su poderío como armonicista:

"Two time boogie":

"Cold cold heart":

"Last night":

"Voodoo woman":

THE REED & DICKINSON BAND "Tonight we ride" (2009)

2010-02-27T07:23:00.000-08:00

Vaya sorpresón más agradable que me he llevado con este disco que ha caído en mis manos por pura casualidad (vía internet) y que llevo varios días escuchando sin parar y que me parece buenísimo. Se trata de una banda que ha formado, no se si solo para un disco o con visos de larga duración, el que fuera miembro de la Silver Bullet Band de Bob Seger durante años y años, el genial saxofonista Alto Reed.

De Alto Reed sabía que había grabado algún disco de "smooth jazz" instrumental, en un rollo que no me iba demasiado y le tenía perdida la pista, pero por pura casualidad, a través de la página de Bob Seger vi que había hecho un disco en la más pura tradición del rock clásico de Detroit (así decía, más o menos). Consegui hacerme con este disco vía descarga y la verdad es que ha sido todo un descubrimiento.

Parece ser que Alto Reed estaba formando su propia banda pero le faltaba un vocalista, hasta que un día recibió una grabación de un cantante y compositor canadiense llamada Steve Dickinson, quien parece gozar de gran reputación en Canada, pero del que reconozco que hasta ahora no sabía nada. Reed quedó asombrado de la voz del amigo Dickinson, le llamó, probaron y quedaron encantados de haberse conocido, y así ha nacido este proyecto que ha tenido su primer "retoño" en noviembre de 2009 con la publicación de este disco.

La banda la forman, obviamente, Alto Reed (saxos, guitarra y voces); Steve Dickinson (Voz principal y guitarra, a la vez que compositor principal de la mayoría de los temas); Bobby East (guitarra); Jeff Fowlkes (batería); Roger Noonan (bajo); Bernie Palo (Teclados) y Barbara Payton y Cheryl Lescom (coros).

El disco fue grabado en Detroit en mayo del pasado año, y es basicamente un disco en la más pura tradición del rock clásico de toda la vida, que obviamente suena en muchisimos momentos al propio Bob Seger, aunque incluso también en ciertos momentos al mismisimo Bruce Springsteen, en temas como "Common man" o "hole in my heart", en los que Alto Reed hace solos finales al más puro estilo Clarence Clemmons.

Ciertamente es un tipo de música que no ofrece nada nuevo, pero que suena de puta madre, pues es un rock clásico de toda la vida muy bien tocado, con muy buenas canciones como las dos citadas anteriormente u otras magníficas como "Three words", "Tonight we ride", "Woman to love" o "I'd lie to you", y además con un Alto Reed que ha formado parte de una de las mejores bandas de rock de toda la vida (al menos para mi) como eran Bob Seger & the Silver Bullet band, y eso si que es toda una garantía. Steve Dickinson aporta muy buenas composiciones y una voz que recuerda en muchísimos momentos al propio Seger y en otros a cantantes como Johnny Van Zant y similares, dando fuerza y energía a las canciones, y apoyado en la soberbia banda que llevan y en los coros de las dos feminas que tiene la banda.-

Si os gusta el rock clásico de toda la vida, si os gusta Bob Seger y artistas similares no deberiais perderos este disco de ninguna manera. Os va a encantar seguro.-

"I'd lie to you":

SANTANA "Abraxas" (1970)

2010-02-26T06:58:00.000-08:00

Ya lo dije cuando comenté en este blog su tercer album (y mi favorito, sin duda) "Santana III", que me da muchísima pena ver como este genio soberbio ha acabado tan vomitivamente vendido a las radio formulas comerciales, en temas insulsos y vacíos, repitiendo siempre los mismos licks, riffs y solos una y otra vez. Para mi, que siempre he sido un enamorado de su música (la primera epoca, principalmente), es casi como un drama.- No entiendo como alguien puede tener un declive así, muchas veces he pensado que es mejor retirarse que seguir en este negocio haciendo lo que hace hoy en día el amigo Carlos Santana, pero en fín, "ca uno es ca uno" que decía aquel, pero vamos yo paso olimpicamente del camino que ha decidido seguir hoy en día, pero no puedo dejar de escuchar sus primeros discos, sobretodo los 4 primeros, entre los que obviamente se encuentra este "Abraxas", probablemente uno de los más conocidos de su carrera, sin duda porque incluye "megahits" como "Oye como va", "Samba pa ti" y la versión del temazo de Peter Green y sus Fleetwood Mac, "Black Magic Woman".-

La música de la formación original de Santana era increíble, con esa mezcla irresistible de Samba, Rock, Jazz y blues que Carlos Santana logró con sus compañeros, Gregg Rolie (teclados); David Brown (bajo); Mike Carabello (percusión); Michael Shrieve (Bateria); y Jose "chepito" Arias (percusión); y posteriormente con la adición de Neal Schon (guitarra), -quien dejaría la banda junto con Gregg Rolie para formar Journey años después-, y Coke Escovedo (percusión).-

"Abraxas", segundo disco oficial de la banda, es todo un clásico de la historia del rock, que junto con los clásicos ya citados y conocidos por casi todo el mundo, destaca también por temazos como el instrumental "Incident at Neshabur", tema en el que el sonido de guitarra que Santana logró ha influido en muchos guitarristas, especialmente el guitarrista de blues Ronnie Earl, cuyo sonido en muchos de sus temas es casi clavado al del Santana en dicho tema; el tremendo "se a cabo", en el que arropados por esa sección rítimica y percusión tremenda, el órgano de Rolie y la guitarra de Santana destacan; o los magníficos y a veces poco conocidos "Mothers's daughter" o "Hope you're feeling better".- En definitiva, un discazo tremendo.-

Yo nunca me cansaré de repetir que el Santana original era absolutamente espectacular, que "Santana", "Abraxas" y "Santana III", y un poco en menor medida "Caravanserai" son discos maravillosos que no deberían faltar en ninguna buena discografía que se precie de serlo y que, a pesar de que hoy en día Santana es para matarlo, cualquiera que no haya escuchado esa etapa y esos discos, no sabe de verdad lo que se está perdiendo.-

"Mother's daughter":

"Se a cabo":

"Hope you're feeling better":

IRON MAIDEN "Piece of mind" (1983)

2010-02-25T09:59:00.000-08:00

Giro radical de estilo.-

Este post va dedicado con todo mi aprecio a mi hermano Txinomandinga, un tío de puta madre donde los haya.

A pesar de que hace muchos años ya que estoy algo alejado del Heavy, pues a pesar de que siendo muy jovencin la escuchaba a todas horas, hoy en día apenas escucho este tipo de música con la excepción de algun tema ocasional de Judas Priest, Motorhead o Saxon y similares, y de las que yo considero las dos mejores bandas de metal de la historia, una Metallica, y la otra, Iron Maiden, quienes para mi siguen siendo lor reyes absolutos del género.-

Siempre fui un enamorado de la etapa con Paul Di'anno, de hecho sigo considerando el "Killers" el mejor disco de la banda, pero hay que reconocer que con Bruce Dickinson la banda llegó a otro nivel, y para mi, todos sus discos hasta "Seventh son of a seventh son" son bestiales, quizas con la excepcion de "Somewhere in time" que era algo más flojo.- Luego reconozco que les perdi la pista y no he prestado mucha atencion a sus discos recientes, siempre me quedo en su clásica etapa.-

Este "Piece of mind" aún recuerdo cuando lo compré, o más exactamente, cuando me lo compró mi madre, justo en el año en que se publicó, 1983. Ella solía llevarme al Corte Ingles a comprarme la ropa y vestirme bien, según su gusto claro (no pasa nada mama, te quiero igual..), con esos naúticos espantosos (yo creo que por eso cogí tanta fobia a ese tipo de calzado y por eso llevo siempre botas, hasta en el curro) y demás, pero al final, yo liaba a mi madre a que fueramos al departamento de música y siempre le sacaba algun disco. Yo tenía entonces 11 añitos y ya estaba flipao con los Maiden desde que un primo mío me los ponía cuando yo tenía 8 años. Pues el caso es que consegui que mi madre me comprara este disco (primero original mío que tenía de ellos) a pesar de su cara al ver la portada y demás, pero que coño, consegui que me lo comprara. Luego, ya en casa lo puse en el tocadiscos y a flipar con este pedazo de disco. Y hoy, con casi 38 años, disfruto exactamente igual (o mas) escuchandolo que entonces. Me trae enormes y preciosos recuerdos este disco.

"Piece of mind" es el primer disco con Nicko McBrain a la batería, que sustituia a Cliff Burr, y aunque es cierto que es algo inconsistente en ciertos momentos, no lo es menos que está lleno de temazos de principio a fin. Desde la inicial "Where eagles dare", tremendo trallazo donde los haya, pasando por una de las mejores canciones del disco como es "Revelations", la magnífica "Flight of the icarus", "Die with your boots on", el megaclásico de "The Trooper", y así hasta el final del disco con la magnífica "To tame a land".-

Sin duda esta banda es simplemente espectacular, lo ha sido siempre y aunque como he dicho antes, escucho poco heavy metal, el repescar y volver a disfrutar de los discos de esta banda es una pasada y sigo disfrutando igual que cuando tenia 11 años y puse por primera vez este disco en el tocadiscos de la casa de mis padres. Como dicen sus fans: UP THE IRONS!

"Where eagles dare":

"The Trooper":

"Revelations":

"Flight of the icarus":

ALICE SMITH "For lovers, dreamers & me" (2006)

2010-02-24T11:31:00.000-08:00

Bueno, pues hoy le voy a dedicar esta entrada a un disco que me tiene fascinado desde que lo descubrí por casualidad hace unos cuantos meses.
No lo había recomendado hasta ahora porque no estaba seguro que fuera a ser del agrado de muchos de vosotros, pues se aleja y lleva un rollo distinto, por decirlo así, de lo que habitualmente comento en este blog y del gusto de muchos de vosotros. Pero un día se lo enseñé al amigo Milhaud, y éste me dijo que le parecía cojonudo el tema que le enseñé y que lo recomendara, y además, que coño, este blog está pensado para comentar música que me gusta, independientemente del estilo que lleve, y este disco me gusta bastante, esa es la verdad, no lo puedo negar.
A ver, esta mujer está incluida en lo que ahora se llama "neo-soul" y la meten en el mismo saco que a cantantes como Alicia Keys o incluso Beyoncé, pero sinceramente, no creo que tengan absolutamente nada que ver, pues la música de esta mujer, si bien es cierto que tiene algunos elementos de ese tipo de música, no es menos cierto que tiene claras influencias del blues, del jazz, del funk, del soul clásico o incluso toques del Rock que dan a su música una personalidad única, y hacen de este disco una mezcla que suena a muchas cosas pero a nada en concreto, y la verdad es que junta una colección de canciones que están a un nivel bastante alto, al menos para mi gusto.-
Alice Smith es una cantante nacida en 1978, que reside en New York, aunque creció entre Washington y Georgia, escuchando todo tipo de música, pero especialmente música de raíz americana, como blues, soul jazz, cualquier cosa salvo rap, que parece no ser de su agrado especialmente. Esta mujer empezó tarde a cantar de una manera menos amateur y no fue hasta la universidad cuando la posibilidad de tomarse profesionalmente su carrera como cantante. Fue en New York donde consiguió un contrato discográfico, publicando este disco, único hasta la fecha, que ha recibido enormes halagos y críticas positivas.
Dotada de una voz tremenda, el disco está repleto de grandes canciones que como dije antes se mueven desde el neo-soul del tema que abre el disco, "Dream", hasta el Jazz con ciertos toques latinos del tema que lo cierra, "Love Endeavor", pasando por el blues el soul, el funk, etc, pero siempre con mucha elegancia, con una gran producción y magníficos arreglos y siempre con la música en primer plano. Destacan canciones como "Gary song", "Do I", "Fake is the new real", "Desert song", "Know that I" y sobretodo, la soberbia "New Religion", que para mi gusto es un pedazo de canción, la mejor del disco con diferencia, un autentico temazo (aunque el video colgado en youtube de este tema está con unos coros rarísimos que no estan en la version del disco y que no se porque coño estan metidos, porque se cargan el tema, así que no lo incluiré en este post).
Para los que seais muy rockeros y os cueste escuchar estilos radicalmente distintos probablemente no sea para vosotros este disco, pero a los que escucheis todo tipo de musica, esteis abiertos a todo, siempre que tenga calidad, sea bueno, y esté hecho con gusto, es altamente recomendable. A mi me ha atrapado, me parece un gran disco.-

"Desert song":

"Gary's song":

"Fake is the new real":

"Do I":

MUCHISIMAS GRACIAS A TODOS

2010-02-23T10:35:00.000-08:00

Os agradezco un huevo a todos vuestros mensajes de animo, han significado mucho para mi. La verdad es que me habeis hecho pensar y recapacitar y darme cuenta de que en el fondo, y a pesar de los problemas que atravieso, soy un privilegiado. Como dije tengo una gran familia, unos grandes amigos, y además estais vosotros, que sois una gente de puta madre y que en cierta manera, a través de nuestros respectivos blogs hemos creado como una gran familia. Ojalá pudiera agradeceroslo personalmente a cada uno tomando unas birras, algo que solo podré hacer con alguno como mi amigo Alvaro (Highfire), pero lo hago a través de este blog, invitandos a cada uno a una birra virtual.- Y gracias a vosotros no voy a dejar este blog, porque como alguno de vosotros habeis dicho, es una hermosa válvula de escape de los problemas y una forma de dejarlos de lado durante un rato con lo mejor de este mundo, la música.
Y en cuanto a los problemas, pues que coño, habrá que seguir intentando vencerlos, hasta que los dejemos atras. No queda otra, solo seguir intentandolo.
Gracias a todos, porque cada uno de vosotros me habeis dado un empujoncito para empezar a salir adelante. El resto ya solo depende de mi. Mil Gracias.- Sois una gente cojonuda.-

¿El fin del camino?

2010-02-22T05:18:00.000-08:00

Mi apreciado Pedro12 me ha preguntado que es de mi ultimamente, que donde estoy y si estoy bien.
Bueno, la verdad es que lo estoy pasando bastante mal en los últimos tiempos, y no consigo sacar la cabeza a flote pese a que lo intento y a que trato de ser optimista y positivo. Pero la realidad es mucho más dura y me está apretando cada vez más la soga que tengo en mi cuello.
En unos tiempos de crisis como los actuales, tener un trabajo es una suerte, pero cuando ese trabajo está de capa caída y apenas hay dinero y cada mes se cobra una cantidad muy inferior a la que uno necesita para vivir y para pagar todas las facturas que hay que pagar, la cosa deja de ser una suerte y se convierte en una pesadilla. Y es en esta pesadilla en la que me encuentro, cada mes siendo más dificil llegar a la superficie que el anterior, sobreviviendo gracias a la familia y a los amigos (doy gracias a Dios por tenerlos) y no sabiendo que coño va a pasar el mes siguiente. Ahora mismo no se si tendré que vender mi casa, o darsela al banco o que. Mi jefe dice que la cosa mejorará, que hay que tener paciencia, que llegarán tiempos mejores. Pero, ¿cuando llegarán? ¿en dos meses, en dos años, en cinco?, y ¿que hago hasta entonces?. Comiendome la cabeza diariamente para ver como saco más dinero para salir adelante, para devolver el dinero prestado a familia y a amigos, agobiado por como pagar todo lo que tengo que pagar, apenas duermo, apenas me concentro en nada. He dejado de lado una de las cosas que siempre ha sido mi salvación, como es tocar y componer. No puedo, simplemente no puedo, y como eso, muchas cosas, entre ellas, este blog. Mi cabeza solo piensa en la forma de salir para adelante en estos duros momentos que toca atravesar, y no tengo la cabeza para publicar nada ni para visitar vuestros maravillosos blogs y de los que tanto aprendo, pero simplemente no tengo la cabeza para ello. Se que quizas debería, que al menos me despejaría de tanta preocupación y tanto desquicie mental como tengo hoy en día. Pero no puedo.
No se si este es el final del camino. No me gustaría, desde luego, pero la verdad es que no me veo capaz a corto plazo de cuidar y mantener este blog como merece. La verdad es que mi trabajo me ha costado hacer un blog que resultara interesante para la gente y tener mis seguidores y lectores asiduos, y tirar todo eso por la ventana por una mala racha es una putada, pero no se cuanto tiempo va a durar esta situación de mierda, y aunque a veces quisiera publicar algo, al final solo pienso en la dificil situación en que me encuentro, y me agobio, y lo dejo.- Es lo que hay.-
No es mi intención rayar a la gente con este post, ni nada por el estilo, pero la realidad es la que es y ahora mismo, me supera y puede conmigo. Solo quería compartirlo con vosotros, nada mas.- Gracias amigo Pedro12 por tu preocupación. Espero regresar pronto, eso significará que todo se ha arreglado, o que he encontrado la luz al final del tunel.
Un abrazo amigo, y a todos vosotros.-

ELLIOT MURPHY "Alive in Paris"

2010-01-27T11:28:00.000-08:00

Otro de los discos que cayeron de estas navidades ha sido este "Alive in París" del gran Elliot Murphy y sus Normandy All stars, entre los que está, logicamente, su inseparable y genial guitarrista, Olivier Durand.
La verdad es que hacía tiempo que lo tenía algo olvidado al amigo Murphy, pero es que aún recuerdo la primera (y única) vez que lo vi en directo en la sala Arena (hoy Heineken) de Madrid. Debió ser allá por el 2003 o 2004, no recuerdo bien, aunque debió ser uno de esos años porque yo aún fumaba como un puto carretero (más de 3 paquetes al día), y teniendo en cuenta que lo dejé en 2005, pues debió ser por esos años. Bueno, que me enrollo, a lo que voy. Yo iba un poco pez en su música, me lo acababan de descubrir y solo tenía un par de discos de él que me habían grabado. Joder, aquel concierto me impactó sobremanera. Aluciné con las canciones de Murphy, con la banda, pero sobretodo, con el guitarrista francés que le acompañaba. Acojonante, yo no salía de mi asombro viendo lo que era capaz de hacer el tipo ese. De hecho, en un momento dado, tras un solo increíble de Olivier Durand, el propio Murphy llegó a decir que algún día podríamos decir orgullosos que habíamos visto en concierto a Olivier Durand. Yo recuerdo aquel concierto con auténtico cariño y uno de los más grandes que he visto en toda mi vida. Fue fabuloso. Desde entonces me hice un enamorado de música y durante los siguientes dos o tres años no dejé de escuchar su música. Lo que ocurre es que si machacas mucho una cosa, sea lo que sea, acabas por saturarte, y me pasó un poco eso con este hombre. Lo que de verdad he intentado es volver a ir a verle en directo de nuevo, y mira que ha venido veces, pues ha sido como de coña, en todas las veces que ha venido de nuevo a Madrid no he podido ir ninguna a verle, siempre pasaba algo. Y así sigo, que solo le pude ver en ese año. Pero bueno, como está aqui todo el día, casi, pues supongo que algún día podré verle de nuevo en directo, que es el sitio natural de este hombre y donde da lo mejor de sí. Tiene buenos discos de estudio, grandes canciones, pero yo creo que es de esos músicos cuyo sitio natural es el escenario. Y este directo en París yo creo que recoge eso, la fuerza de esta gente en directo. El disco es para mi fabuloso, y me trae a la memoria lo bien que lo pasé en aquel mítico concierto que guardo en mi memoria de 2003 o 2004. Entre los momentos destacable de este directo pues están, para mi, "A touch of kindness", "Sonny", "You never know what you're in for", "green river", o sobretodo "Last of the Rock stars" y "On Elvis Presley's Birthday". Magnífico disco. Aunque sobretodo, hay que ir a verle en directo. Yo a ver si puedo volver a hacerlo de nuevo, coño, que tengo muchísimas ganas y más, tras escuchar este disco.-

RORY GALLAGHER "Shin Kicker"

2010-01-23T04:14:00.000-08:00

Bueno y como segunda y última entrada de hoy y del finde, no me resisto a compartir con vosotros este video del gran Rory Gallagher haciendo uno de sus temazos, "Shin Kicker", en directo en el festival de Montreux en 1979, que además siempre ha sido uno de mis temas favoritos de él. Dios mío, que animal. Escuchándolo no se puede parar de brincar.- Como se echa de menos a este monstruo irlandés.
Buen fin de semana, amigos. Que el Rock&Roll y la cerveza os acompañe.

JOHN MAYALL "Usa Union" (1970)

2010-01-23T03:11:00.001-08:00

Pues hoy, recogiendo el testigo del Rey Lagarto, quien no hace mucho recordó a John Mayall en su fabuloso blog que todos conoceis, voy a dedicar esta entrada a uno de los discos de Mayall que más me impactó en su momento, y que hoy en día sigue siendo uno de mis favoritos.
"Usa Union" fue una continuación del camino iniciado con el clásico "The turning point" el año anterior, en el que prescindió de batería y de guitarra electrica. Este disco, como cuenta el propio Mayall, surgió tras acabar la gira del "Turning Point" y regresar a Los Angeles. Su compañía discografica le estaba presionando para que les diera un nuevo disco, ante lo que Mayall contactó con unos músicos todos ellos americanos, de ahí el título "Usa union", y se puso manos a la obra con este proyecto. La banda incluía a dos Canned-Heat como Larry Taylor en el bajo y Harvey Mandel a la guitarra. Lo realmente novedoso de esta formación y de este disco fue el miembro restante de la formación. Se trataba de Don Harris, un violinista!. Este músico había pasado los años anteriores a este proyecto desarrollando su talento como violinista solista en Los Angeles, así como miembro del Johnny Otis Show.
El disco fue grabado en los estudios Larrabee de Los Angeles entre los días 27 y 28 de julio de 1970, y todos los temas que se incluyen son originales de Mayall, no hay ninguna versión. Sin duda esta etapa de Mayall es probablemente la más creativa y arriesgada de este maravilloso músico, y sin duda la presencia de un violinista solista otorga al disco una originalidad que seguramente, en su época, fuera realmente maravillosa, aunque en cierto modo, no deja de ser una evolución mas o menos lógica al disco verdaderamente rompedor que fue el legendario "Turning point".-
El disco se abre con un tema que sería ideal para los tiempos que corren, con todo esta "moda ecológica" que vivimos. EL tema se llama "Nature's disappearing", y en él, Mayall hace un llamamiento de concienciación a la gente para que se preocupe de la naturaleza, que está desapareciendo por culpa de la raza humana. Además, en los créditos del disco, Mayall incluye un decálogo para ayudar a combatir la polución y ayudar a la naturaleza a sobrevivir. Como digo, un tema muy apropiado para los tiempos que corren.-
El disco en general tiene un tono relajado, pero entre los temas que destacan de este disco, para mi gusto están "You must be crazy", "Night flyer" con unas grandes melodías y solos a cargo del violin de Don Harris, "Where did my legs go" con Mayall al piano, la magnífica "Took the car", con Mayall en la armónica en su más puro estilo, y nuevamente con un gran solo de Don Harris, o el shuffle "My pretty girl".
Sin embargo, la canción que más me llamó en su momento y quizas mi favorita en este disco, es el blues "Crying". Nunca había escuchado un blues en el que la "voz cantante" la llevara un violín, y es lo que ocurre en este tema, es el violin de Don Harris el que lleva la voz solista y de una manera maravillosa, para mi gusto. La primera vez que lo escuché me "flasheó", y hoy en día, cuando lo escucho, me sigue emocionando igual.
La verdad es que este disco no recibió demasiadas buenas críticas en su momento, y en algunas críticas que he leído en su momento no le daban más de 2 estrellas. Pero yo no estoy nada de acuerdo con eso. A mi me parece un muy buen disco, otra muestra del genio de un músico en continua experimentación y busqueda de nuevos caminos, que sin duda, para mi, es un auténtico maestro. Y a mi este disco me sigue pareciendo de los mejores de su carrera. Ahora os toca a vosotros, si quereis escucharlo, opinar sobre lo que os parece.-

"Crying":

LUTHER ALLISON "Blue streak"

2010-01-20T07:59:00.000-08:00

Ultimamente estoy teniendo una etapa en la que estoy volviendo a escuchar de nuevo blues a todas horas. "I really got the blues", amigos, y por eso estoy repescando discos y músicos que tenía un poco olvidados. Uno de ellos es este pedazo de disco de un pedazo bluesman llamado Luther Allison.
Luther Allison nació en Widener, Arkansas, en 1939. Su familia se mudó a Chicago en 1951 y no es dificil imaginar como Luther empezó a sentirse atraído por el blues de gente como Muddy Waters o Sonny Boy Williamson o Robert Nighthawk.. A los 18 años fue cuando empezó a tocar la guitarra y a hacer jams con la banda de su hermano. En 1957 fundó una banda llamada ¡The Rolling Stones!, pero no le convenció mucho el nombre y lo cambió por el de The Four Jivers. La banda empezó a formar parte cada vez más del circuito local, tocando a menudo con gente como Magic Sam, Otis Rush, o Freddie King, siendo éste el que animó a Luther a cantar, y durante cinco años, a primeros de los 60, sus colaboraciones y conciertos con King fueron su escuela y la mejor forma para empezar a desarrollar el potencial que llevaba dentro. Al poco tiempo se mudó a California a trabajar con gente como Shakey Jake Harris y Sunnyland Slim. En esa epoca grabó sus dos primeras canciones como líder en la antología de Delmark, "Sweet home Chicago", compañía con la que también grabó su primer disco, "Love me mama".- Sin embargo una actuación en el festival de blues Ann Arbor de 1969 le reportó una tremenda popularidad, asombró a los asistentes con su fiereza guitarrera, haciendo que el director del festival le invitara a los dos siguientes festivales.-
Allison fichó en 1972 por "Motown Records", siendo el único músico de blues del sello de Gordy, con el que grabó 3 discos, y girando continuamente tanto a nivel nacional como internacional. Sin embargo, en la segunda mitad de los 70 el blues ya no interesaba tanto, sus ventas cayeron, y el músico, tras una actuación en París, y teniendo en cuenta la tremenda adoración que se sentía por él en el viejo continente, se quedóa vivir alli. Hasta 1994 se centró en Europa, lo que hizo que en los Estados Unidos su música y su figura cayeran un poco en el olvido. Pero en 1994 regresó con "Soul fixing man", anunció un regreso en toda regla, retomó su carrera en su país, y volvió a alcanzar reconocimiento y popularidad como el de sus primeras épocas.- Grabó a continuación el soberbio "Blue Streak" en 1995 y "Reckless" en 1997.- Sin embargo, y para desgracia de sus fans, falleció el 12 de agosto de 1997.-
"Blue streak" no se si porque es el disco con el que yo le descubrí o simplemente porque es un sensacional disco, es mi favorito. El disco es de una fuerza, una fiereza guitarrera descomunales. El músico está en plena forma, acompañado por músicos soberbios, entre otros, James Solberg a la guitarra; Ernest Williamson o Mike Vlahakis en los teclados; Dave Smith y Ken Faltinson en el bajo; y Steve Potts y Robb Stupka a la batería; y con la colaboración en varios temas de los Memphis Horns. El disco está grabado en los estudios "315 Beale" de Memphis, y el disco está producido por Jim Gaines. Los temas son soberbios, desde la primera "All the king's horses" hasta la última que cierra el disco "Midnight creeper", y destacan temazos como el funky/blues "What have i done wrong?"; "Big City"; "Move from the 'hood"; "What's going on in my home?" o "Walking papers". Como digo, la fiereza guitarrera de Allison desborda por todos lados y la forma de cantar de este hombre simplemente te agarra por las pelotas y ya no te suelta, sobretodo cuando se arranca con blues desgarradores como "Watching you", que te pone los pelos de punta. También hay en este disco momentos souleros como la genial "Think with your heart" o la ya citada "Midnight creeper" que cierra el disco y que cuenta con la colaboración de Jacqueline Johnson y Jacquelyn Reddick haciendo coros.
En definitiva, que quereis que os diga, que es un discazo tremendo de una bluesman soberbio que desgraciadamente nos dejó hace muchos años ya, pero que si os gusta el blues poderoso y guitarrero, lleno de fuerza pero lleno de sentimiento y "feeling", no deberías perderoslo por nada del mundo. Tanto este disco, como "Soul Fixing man" de 1994 y "Reckless" de 1997, todos ellos facilmente localizables en el sello Alligator, son discos cojonudos para empezar con la música de este pedazo de fuera de serie llamado Luther Allison.-

"Bad love" del disco de 1994 "Soul fixing man":

"Move from the 'hood/Watching you" en directo:

"I wanna know" de "Soul fixing man" en directo:

LOS LOBOS "Kiko" (1992)

2010-01-18T09:56:00.000-08:00

Publicado en 1992, "Kiko" es uno de los mejores discos de los Lobos.-
Producido por la propia banda y por Mitchell Froom, se trata de un disco sobresaliente, a momentos casi experimental, pero repleto de canciones memorables, lleno de matices, y que sin lugar a dudas, gana a cada escucha.
Los temas en su inmensa mayoría están compuestos por David Hidalgo y Louie Perez, salvo un par de temas de César Rosas.
Es un disco con un cierto grado de experimentación, como en temas como el que abre el disco "Dream in blue", "Angels with dirty faces" o el tema que en parte da título al disco, "Kiko and the lavander moon", temas que se aprecian en su justa medida tras varias escuchas, cuando uno empieza a quedar atrapado por la maestría de la banda.
Sin embargo el tradicional blues/country/rock de la banda, con ese sello tan personal y propio, se deja sentir en buena parte del disco, con sensacionales canciones como "Wicked rain", "Reva´s house", "That train don's stop here", "Short side of nothing", "Whiskey trail", "peace", "Just a man", "Two Janes", "when the circus comes to town", o el bonito instrumental "Arizona skies".
Y junto a todas estas grandísimas canciones están, al menos para mi, las dos mejores canciones del disco, y de las mejores de la carrera de esta magnífica banda. Una es "Saint behind the glass", extraordinario tema en 3/4, de cierto toque fronterizo, dominado por las guitarras acústicas y los guitarrones. La otra es la soberbia "Wake up Dolores", un temazo de esos de los que no puedes dejar de escuchar una y otra vez, con unos arreglos fantásticos, magnificamente producido el tema. Para mi gusto, una obra maestra de 3 minutos.-
Y cuando parece que el disco se va a terminar sin ningún tema cantado en español, llega "Rio de Tenampa", apenas dos minutos de canción, con su mínima letra "Hablame Rio de Tenampa, cantame canciones de valor, en este rincón del cielo, dejo mi cariño y mi amor". Perfecto final para una obra maestra auténtica. Un verdadero clásico moderno, una auténtica joya de disco que cuanto más se escucha más gusta y más se disfruta.

"Kiko and the Lavander Moon" en directo:

"Saint behind the glass" interpretada en directo por David Hidalgo y Louie Pérez, acompañados de un bajista y un precusionista:

"Just a man" en directo:

MIKE HENDERSON & THE BLUEBLOODS "First blood"

2010-01-13T12:25:00.000-08:00

Mike Henderson es un músico y compositor del circuito de Nashville, nacido en Independence, Missouri, que ha grabado y tocado con gente como Waylon Jennings, Emmylou Harris, Mark Knopfler, Albert King, Hank Williams, jr., Johnny Lang, Peter Rowan, Guy Clark, John Hiatt, Sting, Delbert McClinton, Bob Seger, Bo Diddley, Faith Hill, Lucinda Williams, Nitty Gritty Dirt Band, y muchos otros, y cuyas cancioneshan sido grabadas también por gente como Dixie Chicks, Kenny Rogers, Daryl Worley, Patty Loveless, Trisha Yearwood, Travis Tritt, The Fabulous Thunderbirds, Solomon Burke, Marty Stuart, Gary Allan o Randy Travis. Como veis se trata de un músico con una tremenda carrera a sus espaldas. Músico principalmente dedicado al Country y al Bluegrass, dió un giro en su carrera cuando en en 1996, reclutó a Glenn Worf al bajo/contrabajo; John Gardner a la batería y al ex-teclista de Stevie Ray Vaughan, Reese Wynans, y él mismo a la guitarra, voz y armónica, para formar la banda "The Bluebloods", y en ese año, 1996, se marcaron este disco, "First blood", que es un pedazo de disco magnífico, lleno de versiones como "So sad to be lonesome" de Sonny Boy Williamson, "Hip shakin'" de J.B. Hutto, "Give me back my wig" de Hound dog Taylor, "How Many more years" de Howlin' Wolf o "Mean mistreater" de Elmore James. Hay mucha presencia de los teclados de Reese Wynans, que realmente tiene mucho protagonismo en esta banda, aunque Mike Henderson es el líder y hace un gran trabajo a la guitarra, sobretodo con el slide guitar. Quizás en la voz le falta un poco de "negrura", pero la verdad es que la banda suena potente.- Grandísimo disco que ha tenido continuación con "Thicker than Water" en 1998, que es más de lo mismo e igualmente recomedable.-
Mike Henderson en los últimos años ha estado girando por todo el mundo con Mark Knopfler, y parece haber dejado de lado este proyecto, pero esperemos que lo retome algún día.-
Si os gusta el blues, escuchar estos dos trabajos, este "First blood" y "Thicker than water", estoy seguro de que os gustarán.-

Enlace de la página de "myspace" de Mike Henderson, donde podeis escuchar temas de este disco y de "Thicker than water":
http://www.myspace.com/mikehendersonblues

Enlaces de la página de "Amazon" para escuchar samples de todos los temas de estos dos discos:
http://www.amazon.com/First-Blood-Mike-Henderson-Bluebloods/dp/B0000021VQ/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1263415885&sr=8-1

http://www.amazon.com/Thicker-Than-Water-Henderson-Bluebloods/dp/B00000G5PO/ref=sr_1_8?ie=UTF8&s=music&qid=1263415885&sr=8-8

THE BAND "A musical history" -5 CD + 1 DVD box- (2005)

2010-01-11T11:39:00.000-08:00

Otra de las adquisiciones navideñas ha sido esta pedazo de caja de una de las bandas fundamentales de la historia del Rock, que la vi un día a un precio que no me pareció nada caro para lo que trae (30 euros) y no me pude resistir, a pesar de tener buena parte de las canciones ya. Pero que quereis que os diga, soy un flipao de las cajas, sobretodo si son de bandas tan soberbias como ésta, y además teniendo en cuenta que incluye muchos temas inéditos, un DVD con grabaciones de la banda, muchas de ellas inéditas, y un libreto que narra toda su historia, y con muchas fotos además, pues no pude resistirme, me lancé a por ella de cabeza.- En definitiva, una delicia para un mitómano como yo. Es un box, aunque técnicamente hablando no es una caja, es más como un libro, que está perfectamente presentado y desarrollado, tanto narrativa como musicalmente, y muestra la historia de la banda en un orden cronólogico, desde los comienzos como los "Hawks" acompañando a Ronnie Hawkins, luego su transformación en Levon Helm & the Hawks, su transformación en "The Band", su acompañamiento a Bob Dylan, sus esplendor y su posterior separación. Todo contado de forma exhaustiva, adornado como dije antes de mogollón de fotografías. Es una gozada leer el libro mientras se escucha la música de cada CD, es una manera maravillosa de ir contemplando y comprendiendo la evolución de esta legendaria banda. Luego, en el material inédito hay aunténticas joyas, que hacen más disfrutable aún, este libreto, box o como lo querais llamar. Lo único cierto al cien por cien es que es una maravilla, y que merece la pena tenerla, sobretodo para todos aquellos que no conozcan en su justa medida a esta formidable banda, una de las imprescindibles de la historia del Rock.

Dos superclásicos de la banda y de la historia del Rock:

W.C. CLARK "Deep in the heart" (2004)

2010-01-09T10:53:00.000-08:00

Hoy nos vamos a Texas, con un músico que es un absoluto maestro del blues y del soul, Mr. W.C. Clark.

Wesley Curley Clark nació en Austin un 16 de noviembre de 1939. Creció rodeado de música, al ser su padre un guitarrista local y su madre, cantante en el coro de la St. John's College Baptist Church.

Con dieciseis años dio su primer concierto y fue presentado a músicos como T.D. Bell y Erbie Bowser. Comenzó como bajista en la banda del primero, aunque fué aprendiendo a tocar la guitarra poco a poco también.- Dedicado por completo a la música en la floreciente escena tejana de finales de los 50 y comienzos de los 60, fue al cabo de unos seis años que conoció al cantante de R&B Joe Tex, y se unió a su banda como guitarrista. Tras esta etapa regresó a Austin, donde empezó a colaborar con jovenes músicos blancos, apasionados del blues, que empezan a destacar en la escena local, como Angela Strehli, Bill Campbell, Lewis Cowdrey y por supuesto Jimmy Vaughan y su pequeño hermano, Stevie Ray.-

A primeros de los años 70, Clark formó una banda junto al pianista Denny Freeman y la cantante Angela Strehli, llamada "Southern feeling", banda en la que empezó a destacar como compositor.

Tras una serie de problemas, la banda desapareció, pero fue al poco tiempo que el jovencísimo Stevie Ray Vaughan empezó a insistir a Clark para que formara parte de su banda, tanto que acabó por aceptar. La banda se llamó "The triple Threat Revue", y la formaban ambos juanto a la cantante Lou Ann Barton y el teclista Mike Kindred, con quien Clark compuso un tema que sería uno de los mayores exitos de Stevie Ray Vaughan en los 80, el tema "Cold shot".

W.C. Clark grabó en solitario el disco "Something for everybody" en 1986, que se publicó en su propio sello, y a primeros de los 90 fue cuando realmente empezó a ser más conocido cuando fichó por el sello Black Top, con los que publicó "Heart of gold" en 1994, el magnífico "Texas soul" en 1996, acompañado por la sección rítmica que fuera de Stevie Ray Vaughan, Chris Layton a la batería y Tommy Shannon al bajo, con Derek O' Brien como productor.

En 1997 sufrió un grave accidente que por poco acaba con su vida, pero se recuperó, y regresó en 1998 con el disco "Lover plea". En 2002 publicó con el sello Alligator el disco "From Austin with soul" y en 2004 publicó su último disco hasta la fecha, "Deep in the Heart".-

Es este último disco el que recomiendo en este post, pero la verdad es que cualquiera de los discos de este hombre es igualmente recomendable, pues todos ofrecen lo mismo, grandes dosis de blues y soul tejano, exquisitamente tocado y cantado, grandes arreglos de viento, grandes temas, en definitiva, discos soberbios todos ellos.

Este "Deep in the heart", producido por el saxofonista Mark "Kazz" Kazanoff, es la última muestra hasta la fecha de soberbios sonidos blues-soul tejanos. El disco se abre con la soberbia "Stronger than you need to be", y desde ese tema y en el resto del disco se suceden las grandiosas canciones que a cualquier amante del blues y del soul clásico enamorará sin lugar a dudas. En el disco hay versiones de temas como el clásico "You left the water running", el clásico de Joe Tex "I want to do everything for you"; el precioso tema de John Hiatt "Tip of my tongue"; o le tema que popularizó el gran Otis Clay "I didn't know the meaning of pain". Entre los originales destacan "Cold blooded lover" compuesto a medias entre Clark y Mark Kazanoff, que por supuesto tiene unos potentes arreglos de vientos, o el pedazo de blues tejano de "My texas home", donde destaca su nivel como guitarrista.

En resumen, pedazo de disco de blues/soul de un auténtico maestro de este estilo de músico que si no conoceis no deberiais perderos de ninguna manera, siempre que os guste este estilo de música, claro está, aunque es tan bueno, que seguro que os gustaría de todos modos aunque nunca en vuestra vida hayais escuchado blues y soul. Y como dije antes, cualquiera de sus discos es igual de bueno que este. Todos rayan a un nivel altísimo.-

En una jam con Stevie Ray Vaughan, tocando el bajo. Dios, ¿porque tuvo que morirse Stevie Ray Vaughan?:

Cantando y ya con la guitarra, acompañado entre otros, por Kim Wilson a la armónica o Jimmie Vaughan a la guitarra:

Haciendo el clásico de Willie Nelson, "Funny how time slips away", tema que aparece en su disco "Texas Soul" de 1996:

"take me to the river" con Kim Wilson, con los hermanos Vaughan, con Lou Ann Burton, con ANgela Strehli, y más:

LEE ROCKER "Black cat bone" (2007)

2010-01-08T08:28:00.000-08:00

Otro de los discos que ha caído en mis manos en estas últimas semanas es este "Black Cat bone" del ex-contrabajista de los legendarios Stray Cats, Lee Rocker, y que me ha hecho mucha ilusión, por un lado porque soy un fan de la música de este hombre, y por otro lado, porque era el único disco de él que aún no tenía.
Y desde luego que el disco no me ha decepcionado nada, porque es otro fantástico disco de un musicazo tremendo, que tras la separación de los Stray Cats, ha demostrado, y con creces, que su carrera en solitario nada tiene que envidiar al de su ex-band mate, Brian Setzer.-
El disco fue publicado en agosto de 2007 por el sello principalmente de blues, Alligator, y en él se hace acompañar de los guitarristas Buzz Campbell y Brophy Dale, y del batería Jimmy Sage, mientras el propio Lee, como siempre, se encarga de "sacudirle" al contrabajo tan bien como él sabe hacer y de cantar con esa magnífica voz que tiene. El disco se abre con un temazo tremendo titulado "Gone", y no decae en ningún momento, manteniendo un nivel altísimo en todos los temas, y hasta el tema que cierra el disco, el solo de contrabajo titulado "free bass".
Momentos memorables para mi gusto son canciones como la citada "Gone", "Crazy when she drinks", "one more night", el tema que da título al disco, "Black cat bone", "lost highway", "Rebel", la balada "What i don't know", o el magnífico tema de sonido Memphis, "Sometimes you win". De todos modos, en general todo el disco es fantastico y se disfruta de principio a fin.
Ojalá vuelva pronto por aqui, porque tuve la suerte de verle en los 90 en el Chesterfield café de Madrid, y os juro que es todo un espectaculo y una lección de música, y estoy deseando que se anime a volver lo antes posible, que hay muchas ganas de volver a disfrutar de su música en directo.
En resumen, discazo altamente recomendable.-
Grande, muy grande Lee Rocker. Si nunca os habeis parado a escuchar su carrera en solitario hacedlo pronto porque no sabeis lo que os perdeis.-

"Gone". La calidad sonora no es la mejor, pero bueno:

Enlace de la página de Myspace de Lee Rocker, donde podeis escuchar las canciones "Gone", "Black cat bone" y "The highway is my home" de este disco, así como otras canciones de discos anteriores:

http://www.myspace.com/leerocker

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS "The Live anthology" (4 CD)

2010-01-07T08:55:00.001-08:00

Bueno, se acabaron las navidades, se pasó esta etapa de comilonas salvajes y excesos varios, se acabó el 2009 y ya estamos en un nuevo año, el 2010, que esperemos que nos traiga muchas cosas buenas, y yo también estoy de vuelta, tras un par de semanas de abandono de este blog. La verdad es que soy un tipo al que le gusta hacer mogollón de cosas a la vez, y eso a veces puede dar lugar al dicho ese de que "quien mucho abarca poco aprieta", pero que se le va a hacer, yo soy así, y me encanta estar metido en mogollón de "fregaos" al mismo tiempo, aunque eso, a veces, haga que descuide alguna de las cosas en las que estoy metido, como ha sido el caso de este blog, y de los blogs amigos.
Pero en fin, dejemonos de rollos y volvamos a la música, que es lo que importa, y vamos con los muchos nuevos discos que han caído por mis manos en estas fiestas.
Tras pensarlo detenidamente, no podía empezar con otro que no fuera este cuadruple CD en directo del gran Tom Petty, que tenía muchas ganas de tener y que por fin cayó en mis manos, y la verdad es que no me ha defraudado en absoluto, todo lo contrario, me ha fascinado.
Supongo que la mayoría de vosotros lo tendreis, imagino que muchos ya lo habreis comentado en vuestros magníficos blogs, pero bueno, aún así, me apetece que sea esta caja la que inaugure las entradas de este blog en este nuevo año.-
Como la mayoría ya sabrá, se trata de grabaciones en directo recogidas entre marzo de 1980 y noviembre de 2007, y que capturan a la banda en momentos en todo su esplendor. No hay un orden cronológico en las grabaciones, pues como el mismo Tom Petty señala en la introducción, preferian captar o lograr una secuencia emocional y musical, a través de las canciones, independientemente del año en que fueran grabadas.
Lo que realmente me ha fascinado de esta colección, y en cierta forma sorprendido también, ha sido la cantidad de versiones que se recogen aqui, algunas de las cuales jamás hubiese pensado que hubiesen sido hechas por Tom Petty y sus rompecorazones; temas como el "Green Onions" de Booker T. & the Mg's o el "Oh Well" de Peter Green y sus originales Fleetwood Mac, o incluso el "I'm in love" de Bobby Womack, que tan popular hicieron Wilson Pickett o Aretha Franklin, realmente me han sorprendido que estuvieran en esta antología, y realmente estan interpretadas de forma fabulosa.
El nivel es altísimo en los 4 CD's, todos y cada uno de ellos tienen momentos soberbios, y realmente sería muy dificil (y probablemente injusto) destacar temas, porque como digo, en general, todos los temas son magníficos, y la banda suena de maravilla. Quizás si que me ha sorprendido la extensa (y soberbia) interpretación de algunos temas, como esos más de 12 minutos de "It's good to be king", grabada en Gainesville, Florida, el 21 de septiembre de 2006, y que es uno de los que más me han gustado de esta caja, pues no pensaba yo que esta gente hiciera los temas tan largos en directo, pero ha sorprendido gratamente.-
En definitiva, maravillosa colección de grabaciones en directo, que se disfruta desde la primera hasta la última, y que muestra todo el potencial musical en directo del gran Tom Petty y sus Heartbreakers.
Obligatorio.-

FELICES FIESTAS Y FELIZ AÑO A TODOS

2009-12-24T00:25:00.001-08:00

Bueno amigos, voy a estar desconectado (ya lo llevo unos días) hasta pasados los Reyes, por lo que voy a aprovechar este momento en el curro para, sin que me vea mi jefe, desearos a toda la comunidad bloggera, una felices fiestas, que bebais y comais mucho, que lo disfruteis, que suene mucho Rock & Roll, y que salgais de este año con buen pie pero sobretodo, que entreis en el nuevo año de puta madre, y que el 2010 sea un año lleno de buena música y mucho Rock, que nos traiga grandes discos, grandes conciertos, y que todos nosotros lo disfrutemos a tope.
Hasta el año que viene, amigos!

Salud!

BOZ SCAGGS "Boz Scaggs" (1969)

2009-12-11T11:08:00.000-08:00

Vamos hoy con un pedazo de disco clásico donde los haya, el disco homónimo de debut del cantante Boz Scaggs.
Boz Scaggs nació en Ohio un 8 de junio de 1944, aunque creció en Oklahoma y Texas, y fue en Dallas cuando aún en la escuela conoció al guitarrista Steve Miller, con el que formó parte de diversas bandas. Posteriormente se trasladaría a Europa, en concreto a Suecia donde grabaría su primer disco "Boz" en 1965. A los 2 años regresó a Estados Unidos, y fue en San Francisco donde se reencontró con su viejo amigo Steve Miller, uniéndose a la banda de éste, la ya legendaria Steve Miller Band, con los que grabaría dos discos, "Children of the Future" y "Sailor".- Sin embargo, Boz abandonaría la banda al poco tiempo para iniciar su carrera en solitario, la cual comenzó tras un contrato con el sello Atlantic, avalado por el periodista de la revista Rolling Stone, Jann Wenner, y fue al año cuando publicó el disco que comento hoy, que sigue siendo uno de los mejores discos de la historia del rock.-
Tras este trabajo siguieron una serie de discos a lo largo de la década de los 70, hasta 1980, entre los que destacan "Moments" en 1971, "My time" en 1972, "Slow dancer" en 1974 y "Silk degrees" en 1976, que fue uno de sus mayores exitos comerciales, con el album alcanzando el número 2 de las listas de la época, y con canciones destacadas como "Lowdown" o "Lido shuffle". Tras la publicación en 1980 de "Middle man", Boz Scaggs vivió una especie de semi-retiro, del que salió a finales de la década con la publicación en 1988 del flojo "Other roads". La década de los 90 publicó una serie de buenos discos y hoy en día sigue publicando discos y girando, siendo su última publicación hasta la fecha el disco de 2008 "Speak low".
Sin embargo, para mi gusto, nunca Boz Scaggs ha alcanzado mayor nivel que en este disco de 1969, que fue grabado en los legendarios estudios "Muscle Shoals" de Alabama, con los músicos legendarios y habituales de esos estudios, y que tantos grandes momentos han brindado, esto es, Eddie Hinton, Jimmy Johnson a las guitarras; Barry Beckett a los teclados; el padre de Patterson Hood (Drive by Truckers), David Hood al bajo; Roger Hawkins a la batería, y también con la colaboración de Al Lester al fiddle. También hay secciones de viento formadas, en algunos temas por Charles Chalmers al saxo tenor, Floyd Newman al saxo barítono, y Ben Cauley a la trompeta; y en otros, formados por Gene Miller a la trompeta y trombón, Joe Arnold al saxo tenor y James Mitchell al saxo barítono. Los coros están a cargo de: Jeannie Greene, Donna Thatcher, Mary Holliday, Tracy Nelson, Irma Routen y Joyce Dunn.
Sin embargo, la presencia que eleva el disco es la todopoderosa presencia de DUANE ALLMAN en las guitarras, el dobro y el slide guitar.
El disco es una verdadera joya, en el que quizás la canción que sobresale por encima del resto es la tremenda versión de más de doce minutos del clásico blues de Fenton Robinson, "Loan me a dime", tremenda, inmensa, soberbia, uno de esos momentos que ponen los pelos de punta y que te rasgan el alma. Sin embargo el disco tiene muchísimos momentos extraordinarios más, como la canción que abre el disco "I'm easy", con esa magnífica sección rítmica entre David Hood y Roger Hawkins, con los coros típicamente sureños, la sección de viento dando toques souleros y el piano de Barry Beckett y las guitarras dando color, mientras Boz canta de forma soberbia. Otros grandes momentos, "I'll be long gone", con ese comienzo en 3/4 con el órgano dando la entrada al tema antes de que entre la voz, una preciosidad de canción; la soulera "Another day (another letter)", magníficamente cantada una vez más y con unos coros perfectos; la tremenda balada "Finding her" con un Duane Allman sensacional al slide; "Look what i got", con sus toques Country en la voz de Scaggs y Souleros en los coros, y de nuevo con el slide maravilloso a cargo de Allman, que conforman otra extraordinaria canción; y sobretodo, "Sweet release", que cierra el disco, y que siempre ha sido, -y sigue siendo-, una de mis canciones favoritas de toda mi vida. Es una de esas canciones que desde la primera vez que la escuché me atrapó y desde entonces, jamás me ha soltado. Tremenda canción, con Boz Scaggs cantando mejor que nunca, unos coros maravillosos, una sección de viento formidable, y con toda la banda de los Muscle Shoals sonando increíbles.-
Este disco es una OBRA MAESTRA. Ni más ni menos.-

"I'm easy":

"Finding her":

ALLISON MOORER Nuevo disco, "Crows", a la venta el 9 de febrero de 2010

2009-12-10T10:59:00.001-08:00

Bueno, ya sabemos más del nuevo disco de esa gran voz y gran belleza sureña llamada Allison Moorer. El disco saldrá a la venta en febrero del próximo año y llevará por título "Crows". En el enlace que os dejo abajo teneis toda la información sobre este nuevo trabajo, los títulos de las canciones, y la posibilidad de escuchar una de las canciones "The broken girl", que suena bastante bien, la verdad. Espero que este nuevo disco nos traiga de vuelta a la mejor Allison Moorer, algo perdida desde que se casó con Steve Earle. Veremos.-

http://rykopress.com/ryko/allisonmoorer/crows

LA VACAZUL "Vienen tiempos"

2009-12-09T09:03:00.000-08:00

Bueno, y ¿porque no un poco de música española en este blog?.
Una de las pocas bandas de Rock nacionales que realmente me gustan es la Vacazul.
Esta banda formada en 1995 por Jairo Zavala Guitarra y voz; Javier Vacas, Bajo; Daniel de Madariaga "Txarras", Órgano Hammond y piano; y Antonio "Pax" Alvarez, Batería y coros, músicos todos ellos con enorme experiencia en el circuito madrileño, que además forman parte de varias bandas más, como Javi Vacas, que toca con Sex Museum, Los Coronas, Zolo Zeppelin o 3000 hombres; o Jairo Zavala, que toca en Depedro o 3000 hombre y Zolo Zeppelin también.-
Son una banda que he tenido ocasión de ver varias veces en directo, y realmente son bastante poderosos, con mucha fuerza. Sin duda son una de las mejores bandas nacionales hoy en día, ya que por lo menos son bastante diferentes de lo que habitualmente se hace por estos lares, tienen bastante calidad como músicos, y tienen grandes canciones y como dije antes, sus directos son tremendos.-
Este disco es un gran disco de Rock, con canciones cojonudas como "Vuelo", "Chico listo", "E.I." o "Lo pasas bien". Una gran banda de rock nacional que os recomiendo a los que no la conozcais y, si teneis ocasión, ir a verlos en directo, que es donde de verdad esta gente da la talla.-

"Vuelo":

"Chico listo":

"Vienen tiempos" y "Dentro" en directo en la sala Gruta 77 de Madrid:

XV FESTIVAL GOSPEL & NEGRO ESPIRITUALES MADRID

2009-12-09T07:32:00.000-08:00

Si os gusta el Gospel, mis queridos hermanos, se celebrará en Madrid, del 16 al 20 de diciembre, el XV festival de este estilo de música.
Aqui os dejo el programa y la información de este festival, por si os animais a salvar vuestra pecadora alma a través de esta música:

"XV FESTIVAL DE GOSPEL & NEGRO SPIRITUALS
CAJA MADRID 2009

Presentamos la 15ª edición del Festival Gospel & Negro Spirituals Caja Madrid. El Festival, con la colaboración del Área de Gobierno de las Artes del Ayuntamiento de Madrid y el Teatro Fernán Gómez se ha convertido en un referente de la música Gospel a nivel español y europeo, destacando una programación de calidad que incluye prestigiosas formaciones de diferente configuración y perfil expresivo. Una fiesta musical para todos los públicos, participativa, apasionante y emocionante, con un mensaje de alegría y fraternidad.

La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
28012 Madrid
Lugar: El Patio
Precio de localidades: 1€
Venta de entradas desde tres días antes de cada sesión en: cajeros de la red Caja Madrid, www.entradas.com en el teléfono 902 488 488 y en La Casa Encendida de 10.00 h. a 21.45 h.
www.lacasaencendida.es

-Sábado 12 y Domingo 13 de diciembre – 12:00 h.
GOSPEL LIVING WATER CHOIR
El Coro Gospel Living Water está formado por un grupo de jóvenes con inquietudes musicales, apasionados por la pureza y la profundidad de la música Gospel. Este Coro nace por una motivación personal de sus fundadores para ofrecer un proyecto de calidad a los jóvenes de Madrid que buscan una oportunidad en la música y tiene como objetivo llegar a ser una de las referencias para Madrid en este género. En enero de 2007 se colgó un anuncio en Internet y llegaron cientos de mensajes, gente sin conexión aparente entre ellos, solo con ganas de cantar y de sentir cosas diferentes. Con la ayuda de expertos de Inglaterra, con su corazón y sus manos prodigiosas preparadas para moldear un montón de arcilla sin forma, se comenzó a trabajar con sencillez y sabiduría, a pulir cada arista, cada voz, cada músico, cada aptitud, hasta conseguir el sonido deseado. Se utilizó un ingrediente compartido por todos: pasión, pasión y más pasión.

Teatro Fernán Gómez – Sala Guirau
Pza. de Colón, 4. Madrid
Información: 91 480 03 00
Horario de taquilla: martes a domingo de 11:00 h. a 13:30 h. y de 17:00 h. a 18:00 h.
www.esmadrid.com/teatrofernangomez

-Miércoles 16 de diciembre - 20:30 h.
BLACK HERITAGE CHOIR “The Sound of Gospel”
Black Heritage Choir es el resultado de una cuidadosa selección realizada entre más de 2000 cantantes del estado de Mississippi, uno de los estados emblemáticos de la música gospel de los Estados Unidos. Lo más reseñable desde el punto de vista artístico es la paradoja de encontrarnos ante un coro de solistas, en el que todos sus componentes tienen un papel protagonista sin que esa singularidad debilite el sonido del conjunto. El programa que interpretan, “The Sound of Gospel”, es una selección de los temas más sobresalientes, tanto tradicionales como contemporáneos, de la música negra norteamericana y está especialmente pensado para su interpretación ante un público europeo.

-Jueves 17 de diciembre – 20:30 h.
AMEN GOSPEL CHOIR “A Tribute to Mahalia”
Amen Gospel Choir es una formación que destaca en la interpretación de temas vocales, es uno de los grupos más versátiles en el campo de la música Gospel. Este popular grupo ha tenido un gran reconocimiento en el estado de Mississippi y en el extranjero desde su creación en 1994. Han actuado en las salas más prestigiosas de los Estados Unidos: Carnegie Hall, Apollo Theater, Superdome de Los Angeles, Lincoln Center. Su nuevo proyecto, “A Tribute To Mahalia”, es un homenaje a la gran Mahalia Jackson, considerada sin lugar a dudas como la mejor intérprete de música Gospel y Espirituales de todos los tiempos.

-Viernes 18 de diciembre - 20:30 h.
GEORGIA MASS CHOIR
Vuelve Georgia Mass Choir, uno de los coros Gospel más famosos del mundo, se dio a conocer a nivel mundial en las ceremonias inaugurales y de clausura de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996. Esta coral resulta ya familiar a los aficionados madrileños, pues hemos tenido la gran oportunidad de disfrutar de sus interpretaciones en las ediciones del festival de los años 1998 y en 2004. Un año más volverán a llenar de magia, alegría y sentimiento el escenario del Teatro Fernán Gómez.

-Sábado 19 de diciembre – 20:30 h.
THE GAY FAMILY GOSPEL EXPERIENCE featuring Pastor Donald Gay
La familia Gay representa uno de los conjuntos más importantes de la historia del Gospel y una de las estrellas más brillantes en la gran tradición musical de la ciudad de Chicago. Su devenir profesional empieza en los años 40. En los años noventa Preacher Donald Gay y su familia son condecorados por el Smithsonian Institute por su contribución al desarrollo de la Música Gospel en América. Son más de cincuenta años de carrera, llevando el mensaje del evangelio a través de la alegría y espiritualidad de su música.

-Domingo 20 de diciembre – 19:30 h.
GOSPEL GENERATION SINGLETON
¡Gospel un legado musical familiar! Un conjunto mixto que no se pueden perder, caracterizado por el entusiasmo y poder vocal de dos generaciones (el cantante más joven nació en 1981 y el mayor en 1964). Con su impresionante presencia viva y armonías estrictas cantan Gospel tradicional y Espirituales enriqueciendo sus actuaciones con delicadeza, energía y un toque contemporáneo. Cada miembro de Generation Singleton es también un destacado solista. El grupo se caracteriza por su variedad de texturas vocales y tonos que dejará a la audiencia impresionada. ¡Una experiencia realmente emocionante!

Precio de las localidades: 25€ cada concierto
Venta anticipada: 902 10 12 12 – www.telentrada.com y taquillas del teatro."

RONNIE EARL & THE BROADCASTERS "The colour of love" (1997)

2009-12-08T05:28:00.000-08:00

Bueno, pues tras unas semanas bastante liado y con follones, y con la cabeza un poco "fuera de su sitio" por diversos problemas, pues regreso con un disco al que tengo especial cariño, como es este al que dedico la entrada de hoy.-
Ronnie Earl es un grandísimo guitarrista que vino al mundo en Queens, New York, un 10de marzo de 1953. No comenzó a tocar la guitarra hasta veinte años más tarde, y tras ver un concierto en Boston del gran Muddy Waters, decidió que quería ser guitarrista de blues. A partir de ese momento, se tomó en serio su instrumento y su carrera musical, y tras pasar por diversas formaciones, se unió a los legendarios Roomful of Blues en 1979,con los que tocó por todo el mundo hasta que los abandonó en 1988, para iniciar su carrera en solitario en unión de su banda propia que llamaría "The Broadcasters", con los que sigue hoy en día, a pesar de que dicha formación ha sufrido diversos cambios.-

Sus trabajos en solitario, si bien mantienen la base principal del blues como motor inconfundible de su música, están impregnados de otros estilos, sobretodo Jazz, y su manera de tocar tiene también mucha influencia de Carlos Santana, lo que también se refleja en su música.
La mayoría de su trabajo reciente es basicamente música instrumental, y el disco que nos ocupa es, salvo una canción, totalmente instrumental.

Los "Broadcasters" están formados en este disco por Per Hanson a la batería, Rod Carey al bajo, y el soberbio Bruce Katz al piano y órgano Hammnond, músico que dejaría la banda al poco tiempo, y que es, para mi gusto, uno de los mejores teclistas recientes que yo haya escuchado.
El disco está producido, ni más ni menos, que por el legendario Tom Dowd, que como imagino sabreis, fue el productor habitual de los Allman Brothers, o el que produjo el mítico disco "Layla and other assorted love songs" de Derek & the Dominoes, y que trabajó en el sello Atlantic, a las órdenes del gran Ahmed Ertegun, como ingeniero de grabación en discos de gente como Ray Charles o John Coltrane, entre incontables otros.-
Este disco cuenta con colaboraciones como la del legendario Hank Crawford al saxo alto, músico que trabajó con gente como BB King, Junior Parker, o el mismisimo Ray Charles, con el que estuvo hasta 1963, Jaimoe y Marc Quiñones, de los Allman Brothers, en la baterías y percusión, y la del gran Gregg Allman, cantando y tocando el Hammond en el único tema cantado del disco, el blues "Everyday Kinda man".-
Este trabajo está repleto de maravillosos momentos, como el poderoso "Hippology" con el que se abre el disco, con Jaimoe a la batería; el tema "a lo santana" que le sigue, "Bonnie's theme"; el clásico del músico de Jazz Thelonius Monk, "Round Midnight", que está interpretado con un gusto musical exquisito; el magnífico "Deep pockets"; el largo instrumental que da título al disco, "The colour of love"; el blues tejano a lo Stevie Ray Vaughan "I liked that thing you did", que de hecho está dedicado a su hermano, Jimmie Vaughan; la preciosa "Anne's dream", dedicada a Anna Frank, con un precioso piano (y Hammond de fondo) de Bruce Katz, con Ronnie Earl haciendo bellísimas melodías y solos, y con un soberbio solo de saxo de Hank Crawford; el fantástico blues lento "Heart of glass" dedicado al gran Peter Green, y de nuevo con Bruce Katz dejando constancia de su enorme clase; la magnífica "Mother angel", con un sonido de baterías y percusión muy poderoso, muy en la onda de los Allman Brothers; y ya el final del disco con el tema dedicado al gran Albert Collins, "O'yeah", que es un final inmejorable para un disco sobresaliente.
Yo le vi en concierto a este hombre al poco tiempo, debió ser en el mismo 1997 o
1998, no recuerdo bien, un mes de julio, en el festival del Conde Duque, en el que eramos poquísimos y en el que cayó un diluvio espectacular (era verano!!!). Me dio mucha pena que hubiera tan poca gente para verle, pero el tío se marcó un conciertazo magnífico, y al acabar el concierto, se bajó del escenario y se puso a darnos la mano a los que estabamos allí, lamentando que nos hubiesemos mojado tanto y agradeciendo que estuviesemos allí viéndole. Un crack, si señor.-

En directo haciendo uno de sus temas favoritos, el legendario tema de Bobby Timmons, "Moanin'", con Bruce Katz saliéndose en el Hammond B3:

En directo, en el mismo concierto, tocando el tema "Blues for the westside":

LUCERO "1372 Overton park" (2009)

2009-11-23T08:35:00.000-08:00

Vaya discazo que ha caido en mis manos este que recomiendo hoy. Tremendo.
Lucero, es una banda de Memphis, cuya música gira entorno al Country-Rock, de toques sureños, que tiene mucho en común con los Drive By Truckers, pues hasta el cantante canta de una forma muy similar a Patterson Hood, e incluso las temáticas de las letras de las canciones son similares, pues hablan de los perdedores, desfavorecidos, en definitiva, de la "fea" américa.-
Yo solo tengo un disco de esta gente, justo el anterior a éste, "Rebels, rogues & sworn brothers", que se publicó en 2007, y que es un disco que no he escuchado todo lo que debería, en parte porque me parecía estar escuchando a los Drive by Truckers, y parecía que esta banda era practicamente una copia de aquella.
Pero mira por donde, me hice con este disco a ver que tal, y cuan agradable ha sido mi sorpresa al descubrir que es un pedazo de disco de rock como la copa de un pino, que gana a cada escucha.
Este disco es el sexto de la carrera de la banda, que coge el nombre del edificio donde sus componentes estuvieron viviendo "en familia" en su primera época, y que va a ser derribado proximamente, y se supone que es como un homenaje a esos buenos momentos. El disco está producido por un tal Ted Hutt, que junto con la banda, le ha dado un giro a su música con elementos del clásico sonido soul de Memphis, pues la banda está acompañada de una sección de viento, cuyos arreglos han sido hechos por Jim Spake, músico que ha trabajado, ni más ni menos, con gente como Solomon Burke, Al Green, John Hiatt o Cat Power.
Es precisamente este toque "soulero", junto a las magníficas canciones, lo que hace destacar el disco y otorga un sonido muy personal a la banda, que deja de sonar como "otros Drive by truckers" para adquirir un sonido personal y propio.
Pero no os engañeis, este disco no es un disco de soul, sino un disco de Rock, con trallazos tremendos como "What are you willing to lose", "Sounds of the city", "The Devil and Maggie Chascarillo", "Sixes and sevens", "Johnny Davis", o "Halfway wrong", y preciosas y maravillosas canciones lentas como "Hey Darling, do you gamble?", "Mom" o "Darken my door".-
De verdad, hacedme caso, este disco es una pasada, desde mi punto de vista, uno de los mejores de este año 2009. Estos chicos sureños se han salido con este disco.-
Recomendadísimo.-

"Smoke", la canción que abre este soberbio disco:

Enlace de la página de "Amazon" para escuchar samples de las canciones del disco:
http://www.amazon.com/1372-Overton-Park-Lucero/dp/B002NOYX3G/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1258994194&sr=1-1

HOLLY WILLIAMS "Here with me" (2009)

2009-11-22T11:06:00.000-08:00

Bueno, esta va dedicada al amigo "FREEBIRD", que me recomendó escuchar a esta mujer, y haciendole caso a su buen gusto musical, me hice con su último trabajo, "Here with me", publicado este mismo año.-
Esta preciosa mujer nacida un 12 de marzo de 1981 en Nashville, es hija y nieta de dos leyendas del Country, Hank Williams y Hank Williams Jr., con lo cual lleva la música en las venas. Sin embargo no fue hasta los 17 años cuando esta mujer empezó a tocar una guitarra, y al poco tiempo, ya estaba componiendo sus primeras canciones.-
Pasó tres meses en Los Angeles estudiando piano, composición y demás, y así hasta que sus canciones fueron escuchadas por Ron Sexsmith, quien le dio apoyo en su música. Su debut se produjo en octubre de 2004 con el disco "Ones We Never Knew".
Este disco es su segundo trabajo, que fue publicado cuando se recuperó de un gravísimo accidente de coche que casi le cuesta la vida.-
Este disco está bastante bien, tiene canciones muy interesantes como "Keep the change" "Let her go" "Three days in bed" (dedicada a su grave accidente de coche), o "alone".

Aunque proviene de una fuerte tradición familiar de música Country, su música, pese a tener lógicos toques de este estilo de música, encajaría más en un pop-rock de raíces country, pero se defina como se defina, lo cierto es que esta mujer canta realmente bien, que este disco tiene momentos realmente buenos, y que esta mujer tiene ante sí un futuro más que interesante. Habrá que seguirla la pista.
Gracias Freebird, por descubrirmela. Un abrazo amigo. Va por ti.-

"Keep the change" en directo:

RORY BLOCK

2009-11-19T09:21:00.000-08:00

Bueno, tras la obligada entrada a la mejor banda de Rock de hoy en día para mi, GOV'T MULE, pues vuelvo con otra mujer, como antes de hablar del concierto de la Mula, y es que me temo que las próximas entradas de este blog van a ir dedicadas todas a mujeres, (¿hay algo mejor que la música y las mujeres?).-
Hoy vamos con Aurora "Rory" Block, que es, desde mi modesto punto de vista, una de las más grandes guitarristas de lo que se conoce como "country blues" y blues tradicional. Sensacional, y digo bien, sensacional guitarrista, y cantante.
Su música es basicamente blues tradicional, aunque también coquetea con el folk o incluso ocasionalmente con ciertas melodías pop.-
Nacida en Princeton en 1949, creció en Manhattan y gracias a su padre, Allan Block, que estaba muy en contacto con músicos de la escena folk de Greenwich Village en los años 60, empezó a interesarse por la música, estudiando guitarra clásica siendo aún muy jovencita.- En 1964 cambiaría su vida tras escuchar un disco, "Really the country blues", que hizo latir dentro de ella una pasión por esa música que sigue viva hasta hoy en día. También ayudó el guitarrista Stefan Grossman, quien la introdujo en el mundo de la guitarra de blues del Delta del Mississippi, algo que fascinó a la joven Rory, que empezó a aprenderse y a estudiar las canciones de ese estilo de música. Tanto fue así, que a los 15 años empezó a entrar en contacto con los grandes del blues del Delta como Mississippi John Hurt, Reverendo Gary Davis o el gran Son House, bluesmen que la ayudaron a perfeccionar su estilo y a convertirla en una pedazo de guitarrista.- Cuando en alguna ocasión ha sido preguntada por el hecho de que como es posible que una chica de ciudad como New York sienta tal pasión por una música rural como el country blues del Delta del Mississippi, ella siempre responde que ¿acaso tiene explicación el amor?, ella siente esa pasión por esta música, le hace latir el corazón y por eso la toca y la siente como si ella misma hubiese nacido en el Delta.-

Desde esa época, con un breve parón de cinco años para formar una familia, ha estado grabando discos, algunos de "country blues" puro y duro, y otros, con influencias del folk o incluso pop. Su talento es ampliamente reconocido, está considerada como una de las más grandes guitarristas de country-blues, y en su extensa carrera ya ha recibido 5 premios "WC Handy blues music", algo así como los Oscar de la música blues.-
Entre sus mejores discos se encuentran "High heeled blues" publicado en 1981 por el sello Rounder Records; "Rhinestones & steel strings" de 1983; "Color me wild" de 1990; "Ain't i a woman" de 1992; "When a woman gets the blues" de 1995; o "Last fair deal" de 2003; siendo su último disco publicado hasta la fecha un disco homenaje al genial Son House, "Blues walkin' like a man: a tribute to Son House" publicado en 2008.-
Un magnífico disco recopilatorio es "Gone woman blues", publicado en 1997, y que es perfecto para adentrarse en su música.-
Grande, muy grande, Rory Block.-

GOV'T MULE. Madrid, 16-11-2009....y de paso, "By a thread"

2009-11-17T04:56:00.001-08:00

Ayer por fin regresaron por estos lares de Dios la mejor banda de Rock de hoy en día,y una vez más volvieron a dejarme asombrado. Lo de Warren Haynes y Gov't Mule es simplemente espectacular, no hay una jodida banda en el mundo que se pueda acercar a la fuerza, calidad, buen gusto, y poderío que tiene esta banda. Es simplemente alucinante poder ver la calidad como músicos de esta gente, y en especial, de Warren Haynes, que vuelve a demostrar una y otra vez que es el mejor guitarrista que hay hoy en día. Sin ninguna duda.-
Tenía ganas de volver a verlos y también tenía ganas de ver que tal con el nuevo bajista, Jorgen Carlson. Había leído un comentario muy gracioso que hizo "Rock & Roll Outlaw" en su blog, sobre el concierto en Barcelona, en el que decía que parecía que el bajista salía a tocar recien despertado, y la verdad es que cuando le ví me acordé de ese comentario y me entró la risa, porque es cierto, es una mezcla entre recien levantado, fumao en exceso y aburrido, pero bromas aparte la verdad es que el tío es bueno, tiene un sonido más cercano al gran Allen Woody que a Andy Hess, da gran consistencia rítmica, aunque en mi opinión, podía ser un poco más melodico o improvisador, pues a veces me daba la impresión de que se limitaba en exceso a su papel rítmico en momentos que podía "soltarse" algo más, pero vamos, lo cierto es que me gustó y le da mucha fuerza a la banda, más que Andy Hess.-
En cuanto al concierto en sí, me pareció magnífico, si bien, por poner alguna pega (solo por joder...), podrían haber tocado más temas de la primera época, pues se centraron más en los últimos discos, tocando cinco temas de su último trabajo (Broke down on the brazos; steppin' lightly; Railroad boy; frozen fear; y forevermore), tres de "High & mighty" (high & mighty; million miles from yesterday; y la gran Brighter days), así como "New world blues" del "Deja voodoo", que es una canción que el que escribe esto no suele escuchar mucho, pero que ayer me encantó.-
Junto a estas, sonaron clásicos como "Bad little doggie", que abrió el primer set, la soberbia "Painted silver light" (adoro esta canción y sonó brutal) de su primer disco; "John the Revelator" que abrió el segundo set (con Danny Louis a la trompeta), o "soulshine". También sonaron "Sco-mule" (brutal), que incluía un fragmento del "smoke on the water", "Beautifully broken" o la sorprendente "Driving rain" con la que cerraron el concierto.- También se marcaron su momentazo reagge con el "Lively up yourself", y lo bordaron (sobre todo Mr. Haynes) con la versión espectacular del "Red house".-
Una vez más, como siempre que los he visto me quedé con la boca abierta y flipando con el sonido de esta banda, con lo que hace con la guitarra Mr. Haynes, con lo que hace con la batería el animal de Matt Abts, que es un pedazo batera algo asombroso, y que tuvo su momento con su solo de batería, y en definitiva, con la experiencia de ver a esta banda, que si pudiera, la estaría viendo todos los días, sin duda, porque no defraudan jamás.
Tras tres horas de música salí de sala, una vez más, con cara de felicidad por poder presenciar de nuevo un formidable concierto de esta extraordinaria banda. El tiempo hasta su próxima visita se me va a hacer eterno, sin duda.-

Y ahora, aprovechando que el pisuerga pasa por Valladolid y que la Mula pasó por aqui, pues comentaré su último disco, que no pude escuchar hasta un par de días antes del concierto, "By a thread".-
Pues tras muchas escuchas y tras machacarlo hasta la saciedad, no tengo ninguna duda, es un disco sensacional, que gana a cada escucha. No voy a entrar en comparaciones inutiles con sus primeros o con sus últimos discos. La única realidad es que es otro disco fantástico.
Lo primero que diré es que, una sensación que tenía hace tiempo, parece verse confirmada con este trabajo. Me daba la impresión de que en los últimos años, Warren Haynes está haciendo, cada vez más, canciones en el sentido tradicional de la palabra, y es algo que escuchando canciones como "forevermore", "Gordon James", "Frozen fear" o "World wake up", se confirma totalmente. ¿es eso algo malo? desde mi punto de vista, en absoluto. Hay gente que echa de menos los temas al estilo de la primera epoca, y puede ser cierto que este disco es algo más "relajado" y reflexivo que los primeros, pero lo único cierto es que las canciones de este disco son formidables. De hecho, en este disco está, para mi gusto, una de las mejores composiciones de Warren Haynes, como es "Monday mourning meltdown", sin duda.- Es un temazo de lo mejor que le he escuchado, combina a la perfección elementos "clásicos" del sonido de la banda con toques en cierta forma "novedosos", y que da como resultado una auténtica obra maestra de canción.-
En cualquier caso, este disco tiene momentos "poderosos" como "Broke down in the brazos" con Billy Gibbons, y que suena totalmente a ZZ Top de la primera época, y que es un temazo soberbio, con el bajo de Jorgen Carlson destacando. Yo creo, a propósito de este hombre, que su sonido acerca en muchos momentos el sonido de la banda al sonido de la primera época. Ese bajo Gibson thunderbird IV, tocado con púa, es clásico sonido Woody, por más que, como dije anteriormente, éste fuera mucho más improvisador y Jorgen sea más rítmico, desde mi punto de vista.- Pues como decía, junto a ese temazo "broke down...", están otros temas potentes y guitarreros como "Any open window" que es otro temazo soberbio, que suena a Hendrix por todos los lados, o "Inside outside woman blues #3" o la magnífica "Railroad boy", que es uno de los grandes momentos de este disco, y que en el concierto de ayer sonó brutal.-
En resumen, otro discazo soberbio de una banda que no decepciona jamás, una auténtica joya para disfrutar sin parar.-
Como no pude darle mi puntuación en el blog del amigo Discoexpress, porque no lo había escuchado, pues lo hago aqui y ahora. Yo puntúo este disco con un 9. He dicho.-

SUE FOLEY "Love comin' down" (2000)

2009-11-13T12:02:00.000-08:00

Sue Foley es una cantante y guitarrista canadiense, nacida en Ottawa el 29 de marzo de 1968, que a principios de los años 90 se trasladó a Austin, Texas, donde grabó una serie de discos con el prestigioso sello local Antone's.- Con una carrera a sus espaldas que incluye once discos y más de 20 años de conciertos continuos, en los que ha compartido escenario con gente como B.B. King, Buddy Guy, George Thorogood, Tom Petty, Joe Cocker, Rufus Thomas, Bill Doggett, Pinetop Perkins, Joe Ely, Chuck Rainey o Lucinda Williams, esta mujer se ha labrado un nombre dentro de la escena de blues internacional.- Entre sus últimos proyectos figura el libro "guitar woman", que es un proyecto en el que lleva trabajando años, y que basicamente está dirigido a destacar el papel de la mujer dentro del ámbito de la guitarra, a través de entrevistas con mujeres como Bonnie Raitt, Nancy Wilson, Rory Block o Sharon Isbin.-
Probablemente no sea una gran cantante, aunque tiene un estilo de lo más personal, pero es una guitarrista extraordinaria, que da muchas vueltas a muchos guitarristas hombres que van de "sobraos".-

Tiene varios discos magníficos a sus espaldas, pero a mi me gusta especialmente este disco, publicado en 2000, que le valió diversos premios, y que está repleto de grandes momentos, como "Empty cup" con la colaboración de Lucinda Williams; "Love comin' down"; el clásico de Willie Dixon, "Same thing"; "To be next to you"; "Let my tears fall down"; "You're barkin' up the wrong tree"; o el instrumental medio flamenco y con tintes Tarantinianos, "Mediterranean breakfast".- Un disco que está producido por otro "ilustre" músico de la escena texana, como es Colin Linden, y que sin duda alguna es uno de los mejores de su carrera.-
En definitiva, como digo, un magnífico disco de una "blues woman" como la copa de un pino, y una guitarrista soberbia que merece la pena escuchar, porque es realmente buena.- Suele venir a menudo de gira por Europa, con lo cual, si teneis oportunidad, no os la deberíais perder.

Un par de videos de ella en directo:

TIFT MERRITT prepara nuevo disco

2009-11-12T10:20:00.000-08:00

Bueno, grandes noticias, al menos para el que escribe esto.
La cantante, guitarrista, teclista, armonicista y compositora, Tift Merritt, está preparando nuevo disco, que se espera que salga publicado en la primavera del próximo año, según aparece en una escueta nota en su página web. No se dan más datos. Habrá que esperar a que poco a poco vayamos sabiendo más.-
Yo, que me declaro absolutamente enamorado de la música (y del físico, que coño) de esta mujer, recibo esta noticia con gran alegría.- Su música, para los que no la conozcan, está enmarcada en lo que ahora se ha dado en llamar "americana" o "country alternativo", que sería una música de raíces country, pero con elementos del Rock, del Folk, del soul o del pop, incluso.- Preciosa voz y grandes canciones, y para una mujer a la que no hay que perder de vista.-

Y mientras esperamos ansiosos ese momento, nos recrearemos con algun video de alguna de las canciones de sus trabajos anteriores.-

"Good hearted man" de su fantástico disco "Tambourine", en una versión en directo extraída del DVD, "Live Austin, Texas":

"My heart is free" de su último disco de estudio, "Another Country", en directo (aunque no con el mejor sonido posible....):

LOS LOBOS "Los Lobos goes Disney" (2009)

2009-11-11T08:58:00.000-08:00

Bueno, bueno. Me acabo de topar con este sorprendente disco que acaba de publicar esta banda del este de Los Angeles (como rezaba en un recopilatorio de la banda), Los Lobos, en el que ni más ni menos, se han metido a hacer canciones de Disney, pero adaptadas al peculiar estilo de la banda, con su mezcla de ritmos latinos y blues/rock. La verdad es que es bastante curioso y me parece algo muy original y muy interesante, que puede estar bastante bien. De todos modos está catalogado como album para niños (Children's album), pero conociendo esta banda, su buen hacer y calidad, seguramente pueda contener momentos bastante aprovechables y disfrutables.-
Las canciones que se incluyen en este disco son las siguientes:
1.- Heigh-ho
2.- I wanna be like you
3.- Not in Nottingham
4.- The Tiki tiki tiki room
5.- Grim grinning ghosts
6.- I will go sailing no more
7.- The ugly bug ball
8.- Cruella de vil
9.- Bella notte
10.- Zip-a-dee-doo-dah
11.- Bare necessities
12.- Oo De lally
13.- When You Wish Upon A Star/It's A Small World

En el siguiente enlace de amazon podeis escuchar samples de las canciones de este curioso nuevo trabajo de los extraordinarios Los Lobos:

http://www.amazon.com/Los-Lobos-Goes-Disney/dp/B002IPDY6W/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1257958698&sr=8-1

BOB SEGER SYSTEM "Mongrel" (1970)

2009-11-08T11:31:00.000-08:00

Guau. Discazo poco conocido en la carrera espectacular del gran Bob Seger, pero que sin duda alguna es uno de los mejores de su carrera. La banda que en aquellos años se hacía llamar Bob Seger System, demostró en esta disco, bajo la absoluta dirección de Bob Seger, una fuerza rockera y una energía espectacular, que quizás no ha vuelto a tener desde entonces. A ver, Bob Seger ha tenido una carrera magistral con grandísimos discos de rock, pero es que éste es de una fuerza brutal, casi llegando al hard-rock, y con una serie de temazos impresionantes.-
Este disco, que es el tercero de la carrera de Bob Seger, se abre con la magnífica "Song to rufus", que ya es un aviso de lo que nos vamos a encontrar en el resto del disco. Tras esta canción llega la extraordinaria "Evil Edna", para mi gusto una de las mejores canciones de su carrera, que empieza a demostrar detalles de lo que sería su estilo en futuros discos. Extraordinaria canción con muy buenos arreglos. Tras esta, la rockera "Highway child", otra demostración de poderío rockero. La magnífica "Big river" llega a continuación, con un sonido mucho más "tipicamente Bob Seger", podríamos decir, pero que es otro temazo. El siguiente corte es el que da título al disco, "Mongrel", otra canción repleta de fuerza y energía rockera. Y tras esta, un tema que no se como coño no es uno de los grandes temazos del rock, una pasada auténtica. "Lucifer" es uno de esos temas que te hacen brincar de energía y cantar a grito pelao en tu habitación o donde estes. Como digo, un temazo que ya por si solo vale todo el disco.- Otro temazo potente llega a continuación "Teachin' blues". SOn temas que como dije antes están muy muy cerca del hard rock, y si uno solo ha escuchado canciones de bob seger como "Still the same" o "Against the wind", cuando se encuentra con esto lo flipa, la verdad, pero en el buen sentido.- Tras esta lleha "Leaning on my dream", otro buen tema, algo más tranquilo que los dos anteriores, pero también un gran tema. LLega a continuación "Mongrel too" que tiene un toque bluesero, con gran dominio del piano, y que calma un poco el ambiente. Y tras esta llega la versión del clásico "River deep mountain high" con la que se cierra este fantástico disco.
La lástima es que si quereis este disco tendreis que piratearlo porque como otros muchos en la discografía de este magnífico músico de Detroit, está descatalogado, y los que se venden por la red se venden a precios que son robos a mano armada. Asi que la única solución para haceros con este disco es piratearlo. Por lo menos hasta que se decidan a reeditarlo, que a saber cuando coño será eso.-
En fin, lo dicho. Discazo soberbio, que pasó bastante desapercibido en su época, pues apenas llegó al número 171 del Billboard el año de su publicación. Una pena porque ya digo que es un verdadero discazo.- Si podeis, haceros con él. No os defraudará en absoluto.-

"Lucifer":

"Big River":

Peter Green's FLEETWOOD MAC "Mr. Wonderful" (1969)

2009-11-07T03:52:00.000-08:00

Sin duda, una de mis bandas favoritas de siempre ha sido Fleetwood Mac, pero los Fleetwood Mac originales, los que hacían blues, antes de pasarse al AOR o como se quiera llamar. Hay gente que aún desconoce que Fleetwood Mac empezó como una banda de blues, que surgió dentro de una formación legendaria dentro del blues, como fueron los Bluesbreakers del gran John Mayall. Surgió al coincidir en la banda el batería Mick FLEETWOOD, el bajista John MCVIE, y el guitarrista y cantante Peter Green, quien entró en la banda para sustituir a Eric Clapton, que acaba de abandonarla. Estos tres músicos, junto con el guitarrista y cantante Jeremy Spencer, acabaron dejando la banda para formar la suya propia, bajo el liderazgo indiscutible de Peter Green y que tomaría su nombre de los apellidos del batería y bajista de la banda.-

Para mi gusto, Peter Green ha sido uno de los más grandes guitarristas de blues que han existido, con un gusto y un "feeling" al alcance de muy pocos, y esta banda ha sido extraordinaria, haciendo una música formidable, que desgraciadamente no recibió el reconocimiento que mereció, y de hecho, cuando se menciona el nombre de Fleetwood Mac, la gente piensa en su etapa americana con Stevie Nicks y demás y pocos se acuerdan de su primera época, pero para mi, ésta es infinitamente superior a la segunda, aunque puede que se deba también a que soy un enamorado del blues, y sino te gusta este tipo de música, puede que no te guste esa primera formación de la banda.-
La banda estuvo vigente como tal, entre 1967 y 1971, aproximadamente, y se convirtió en quinteto en 1968 cuando entró un tercer guitarrista, Danny Kirwan, en la banda. Desgraciadamente la cosa se empezó a torcer sobre 1970, debido a que Peter Green no paraba de consumir drogas alucinogenas a todas horas, lo que hizo que emepezara a tener problemas mentales y de hecho, acabó por dejar la banda en ese año. Posteriormente grabó algún disco en solitario bastante mediocre y volvió al blues en los 90, y sigue tocando hoy en día, aunque ha perdido bastante de lo que fué. Green sería sustituído por Christine Perfect, porteriormente Christine Mcvie al casarse con el bajista John Mcvie, pero en 1971, el guitarrista y cantante y cofundador, Jeremy Spencer, en mitad de una gira americana, fue "captado" por la secta "Los hijos de Dios", desapareció, y no se ha vuelto a saber nada de él. Green volvió, acabó la gira con ellos, pero volvió a dejar la banda. Tras esto, y aprovechando el éxito del instrumental "Albatross", la banda se replanteó su estilo, cambió radicalmente y acabó cosechando gran éxito con su nueva formación, en la que solo quedaban ya Mick Fleetwood y John Mcvie.-
A mi me encantan todos los discos de la etapa blues de la banda, pero me encanta en especial "Mr.Wonderful", publicado en 1968, y que contiene temazos al más puro estilo Green como "Stop Messin around", "Rolling man", "Love that burns", "Trying so hard to forget" o "Lazy poker blues"; y los típicos temas cantados y liderados por Jeremy Spencer, en el más puro estilo Elmore James (de hecho, había quien le consideraba su clon británico) como "Dust my broom" o "Doctor Brown".-
En definitica, pedazo de disco, pedazo de banda, y Peter Green, pedazo de guitarrista, cantante y compositor, que nos deleitó de lo lindo con todo el material que grabó a finales de los 60, tanto con John Mayall como sus Fleetwood Mac. Personaje imprescindinble en la historia de la música moderna que merece gran reconocimiento.-

"Stop messin around" temazo!!:

"Rollin' man":

con Jeremy Spencer cantando, "My heart beats like a hammer" y "Shake your moneymaker", aunque ninguna de estas dos aparece en este disco, sino en su primer disco, "Peter Green's Fleetwood mac":

CINNAMON GIRL

2009-11-07T02:22:00.000-08:00

Muy triste noticia la que hemos conocido, principalmente en el blog de Rockland, del fallecimiento de "Cinnamon girl". Estas noticias son terribles, y la verdad es que dejan helado. Desde este humilde blog, sirva esta canción como homenaje y recuerdo a esta chica y como apoyo y fuerza a sus familiares y amigos.
Descanse en paz.-

MANIC STREET PREACHERS "Send away the tigers"

2009-11-06T12:53:00.000-08:00

Hace no mucho tiempo cayó en mis manos este disco de una banda a la que nunca he prestado ninguna atención (y de hecho, salvo este disco, apenas los controlo) porque me daba la impresión de que sería la típica banda coñazo al estilo de bandas que odio como Blur u Oasis y similares. Pero la verdad es que este disco me ha sorprendido bastante, al ver que es guitarrero y que nada tiene que ver con lo que yo pensaba que sería.-
La verdad es que no puedo decir mucho de esta banda formada en Gales porque como dije antes, los controlo poco, pues solo tengo este disco.- La banda se formó como una banda de punk-rock a finales de los años 80 en la localidad de Blackwood, Gales, bajo el nombre de Betty Blue, cambiando dicho nombre por el actual al poco tiempo.
La banda debutó en 1992 con el disco "Generatios terrorists" y desde entonces ha grabado casi una docena de discos, siendo el último de ellos "Journal for plague lovers" publicado este mismo años, y que ha recibido muy buenas críticas.
Banda de raíces punk, cuyas letras en sus orígenes eran claramente políticas, ha ido derivando en los últimos años hacia lo que ahora se conoce como rock alternativo, sobretodo a raíz de que el guitarrista y letrista de la banda, Richey James Edwards, desapareciera sin dejar rastro alguno a mediados de los años 90, siendo oficialmente declarado muerto en 2008.-
Este disco, "Send away the tigers", está repleto de muy buenas canciones como "Send away the tigers"; "Underdogs"; el single junto a la cantante de los Cardigans, Nina Persson, "Your love alone is not enough" "Autumn song" o "imperial bodybags". Son buenas canciones de rock, con buenas melodías, buenas guitarras, buenos arreglos en las canciones "menos rockeras", lo que en definitiva, hace un disco que se escucha y se disfruta muy bien de principio a fin.-
En definitiva, un disco que la verdad es que está muy bien, de una banda que apenas conozco y que gracias a este disco pues me meteré a investigarlos un poco más, ya que me ha quitado el prejuicio que tenía sobre ellos.- Me ha gustado este disco, que coño!.-

Videoclip del tema "Your love alone is not enough" junto a Nina Persson, cantante del grupo Cardigans:

"Autumn song":

BRANDI CARLILE

2009-10-31T02:49:00.000-07:00

A medio camino entre el folk y el pop se sitúa la cantante y compositora de la que voy a hablar hoy, llamada Brandi Carlile, cuya música, la verdad es que me ha sorprendido, y cuya voz y muchas de sus canciones me tienen fascinado.-
Brandi Carlile nació en 1982 en Ravensdale, una comunidad muy pequeña cercana a Seattle, donde al no tener demasiado que hacer ni a donde ir, empezó a aprender a cantar de forma autodidacta, escuchando en aquella época Country, especialmente Patsy Cline, gracias a sus padres, sobretodo a su madre, que la llevó a un show de radio country local con tan solo 8 años, que fue su debut en un escenario.-
A los 17 cogió su guitarra y se marchó a Seattle a recorrer el circuito local, ya con mayor gusto por el Rock & Roll, graciasen parte a la música de Elton John en los 70, que ella cita como una gran influencia en su música.-

En esa etapa por el circuito se Seattle, se topó con una banda de hard rock llamada "The Fighting machinists", de la que formaban parte dos hermanos gemelos, Tim y Phil Hanseroth, que asombraron a Brandi por sus habilidades musicales y por sus armonías vocales. Cuando esta banda se disolvió, Brandi insistió a los gemelos para que se unieran a ella, algo que le costó un poco, debido al cambio tan radical de pasar de una banda de hard rock cañero a un estilo acustico intimista, de raíces folk y country y melodias pop.

Cuando por fin los convenció, la banda empezó a hacerse un nombre en el circuito, llegando a ser teloneros de bandas como Dave Matthews Band o Shawn Colvin.
Tras una serie de discos autoproducidos, en 2005 fue fichada por el sello Columbia, con quien hizo su debut ese mismo año con el disco de mismo nombre, que contiene canciones soberbias como "What can i say", "Closer to you" o "Fall apart again".- Ese disco recibió críticas fantasticas, tanto que incluso la revista Rolling Stone la cito como "artista a seguir". Además, muchas de sus canciones, desde ese disco, aparecen regularmente en series de televisión de éxito como "Anatomía de Grey", lo que desde luego ha ayudado y mucho a esta artista a darse a conocer.-

En 2006 publicó su segundo disco, "The Story", también con canciones magníficas como en su anterior trabajo, como "The story", "Have you heard", "Josephine" o "Losing heart".-
Este año, hace un mes mas o menos, acaba de publicar su tercer disco, "Give up the Ghost", que sigue en la línea de los dos anteriores, también con grandisimas canciones como "Dying day", "Looking out" o "Before it breaks".-

Cualquiera de sus discos sirve como ejemplo de su música, todos ellos tienen canciones soberbias, de esas que a mi personalmente, me dejan flipado. La voz de Brandi Carlile es asombrosa, las armonías de los gemelos Hanseroth, magníficas, y la mayoría de las canciones, soberbias.-
Sinceramente, creo que deberiais darle una oportunidad a su música.-

"What can i say" de su disco de debut:

Versión en directo de "Closer to you", también de su primer disco:

Versión en directo de "The story", de su segundo disco:

OMAR KENT DYKES "big town playboy" (2009)

2009-10-29T13:17:00.000-07:00

Otro que no para, para mi alegría, es "Omar" Kent Dykes, que ha sacado un nuevo disco, bueno en realidad se publicó hace meses pero me acabo de enterar....., aunque ya sin sus Howlers, haciendose llamar simplemente Omar Kent Dykes.
Desde que en su anterior trabajo "On the Jimmy Reed Highway", iniciara una colaboración con el gran guitarrista tejano Jimmie Vaughan (hermano mayor de Stevie Ray), el amigo Omar ha dejado de lado sus Howlers, y se ha centrado en esta nueva aventura, que lleva a cabo de la mano del citado Jimmie Vaughan, y que en este disco cuenta con colaboraciones como Lou Ann Barton, Lazy Lester, o James Cotton, entre otros, y que se centra basicamente en el blues, rindiendo homenaje a la música de grandes como Jimmy Reed, Eddie Taylor, John Lee Hooker, Slim Harpo o Jimmie McCracklin.
Ya tengo encargado este disco y si os gusta el blues (porque este es un disco de blues en toda regla) seguramente será de vuestro agrado, y aunque aún no lo he escuchado, seguro que será realmente bueno, escuchando los samples de las canciones en Amazon.com.-

La carrera de Omar & the Howlers mezclaba blues con rock, con música de los pantanos, y con esa banda publicó discos memorables como "Muddy Springs Road"; "World wide open"; "Wall of pride"; "Monkey land", "Courts of Lulu" o "Boogie man", en los que esa mezcla de estilos desbordaba una energía arrolladora.-
Ahora, en esta nueva etapa sin los Howlers, Omar se centra mucho más en el blues y su música es algo menos "energica", pero sigue gozando de una enorme calidad, y como dije antes, si os gusta el blues, os gustará. Si os gusta una música con algo más de toques rockeros, investigad alguno de sus trabajos con los Howlers.-

Omar & the Howlers en directo:

"Bad seed" del disco de 1988 "Wall of pride":

Omar Kent Dykes, ya sin sus howlers, acompañado en directo de Lou Ann Barton, Kim Wilson a la armonica o Jimmie Vaughan a la guitarra, entre otros, haciendo "You upset my mind":

ALLISON MOORER prepara nuevo disco

2009-10-28T13:24:00.000-07:00

Buenas noticias, en principio.- Allison Moorer, una de las voces más tremendas de la música actual, y una cantante por la que siento una especial admiración, además de una más que lógica atracción, por su tremenda belleza sureña, está de nuevo en el estudio preparando un nuevo trabajo. La buena noticia es que ha vuelto a trabajar con R.S. Field, productor con el que grabó algunos de sus mejores trabajos como "Miss Fortune" o "The duel", dejando de lado a su marido, el rockero Steve Earle, quien había producido sus últimos trabajos, y desde mi punto de vista, había sido un paso atrás en su carrera.

Ya lo dice el refrán, donde tengas la olla, no metas la po...... ! No se debe mezclar el amor con el trabajo, y que se amen mucho está muy bien, pero que cada uno se dedique a su carrera, que seguramente será la mejor forma de que podamos disfrutar de los mejores trabajos de ambos.-

Sinceramente, confío en que el regreso de Allison Moorer con el productor que la ayudó a grabar sus mejores trabajos, nos traiga de vuelta canciones tan maravillosas como las que grabó en sus esos discos, y que yo tanto he echado de menos en sus últimos trabajos.- Confío también en que se centre más en su carrera en solitario y deje de ser tanto una mera acompañante de su marido, Steve Earle.-

Videoclip del tema "I ain't giving up on you", de su disco "The duel":

"Going down", originalmente en "Miss fortune" en la versión en directo en el disco "Show", junto a su hermana, Shelby Lynne: